Brazilian Cinema Research Articles

A fragmentação do mito da democracia racial e a dimensão pedagógica do cinema negro

Este artigo trata a fragmentação do mito da democracia racial, cuja sociedade brasileira monocultural foi vista como um paraíso de laboratório racial, para os países multirraciais. O Movimento Negro Unificado - MNU lutou contra o racismo, a violência policial e a ditadura militar, fragmentando o mito da democracia racial brasileira. Os ativistas negros se identificaram com o cinema novo, de Glauber Rocha, que adotou o negro como referencial estético. Glauber criou também o cinema negro, sendo o cinema das minorias vulneráveis, no qual a imagem do ibero-ásio-afro-amerindio fez uma luta ontológica contra a hegemonia imagética do euro-hétero-macho-autoritário sua euroheteronormatividade, que foi o sentido da eurocolonização. Na dimensão pedagógica do cinema negro as minorias desenvolveram a construção da imagem de afirmação positiva, ensinando ao anacronismo excludente como ela é, e deve ser tratada, na sociedade de contemporaneidade inclusiva.

Isomorfismo mimético no cinema brasileiro: o modelo norte-americano de governança e a frustração da indústria nacional

A ideia da industrialização do cinema no Brasil passou a ser pauta constante a partir da década de 1920, tanto de críticos, quanto de realizadores. As discussões acerca do que deveria ser feito e o que seria o cinema brasileiro por excelência sempre encontravam o modelo norte-americano como referência. A tentativa de seguir tal modelo, no entanto, não abriu espaço para a adoção de outras lógicas e estruturas de governança que existiam, mas não eram valorizadas pelo meio. A partir das teorias institucionais e das diferentes estruturas de governança das organizações, propõem-se examinar as tentativas de industrialização do cinema brasileiro entre os anos 1920 e 1960, identificando as práticas de legitimação do cinema nacional frente a um pensamento artístico do que seria qualidade e, sobretudo, de um modelo de produção institucionalmente mimetizado do modelo hollywoodiano clássico.

PRENDENDO PELO ESTÔMAGO: COMIDA, EROTISMO, PRISÃO, PODER E SABER

O texto resulta da análise de uma obra cinematográfica que aborda dentre outros aspectos áridos da nossa sociedade, a pobreza, a exploração do trabalho, o desperdício do potencial humano e as suas relações com a condição dos encarcerados no Brasil. Por meio da metodologia de Análise de Filmes (PENAFRIA, 2020; VAYONE, 2006) o trabalho descreve, contextualiza e interpreta o filme Estômago (2007). Essa comédia conta as guinadas da trajetória de Raimundo Nonato, migrante pobre nordestino que muda sua forma de ser e viver ao aprender os segredos da gastronomia em São Paulo. Além de refletir sobre a relação saber/poder e os processos de construção de identidade de pessoas encarceradas na sociedade atual, nas perspectivas teóricas de Michel Foucault (1989; 2009) e Erving Goffman (1974), o artigo ainda ressalta o uso inteligente e criativo dos recursos fílmicos e destaca a instigante negação do maniqueísmo na abordagem dos complexos temas presentes na obra.
 Palavras-chave: Cinema brasileiro; saber; poder; prisão; comida

UM CORPO QUE SUFOCA: CULTURA, BIOPODER E ESTEREOTIPAGEM NO CURTA “O DIA EM QUE DORIVAL ENCAROU A GUARDA”

Neste artigo buscamos dialogar com o curta-metragem brasileiro "O Dia em que Dorival Encarou a Guarda” (1986), dirigido por Jorge Furtado e José Pedro Goulart, objetivando compreender os processos de significação em torno da diferença racial e o que ela pode nos dizer sobre a noção de estereotipagem como política de representação. Para tanto, lançando mão da “etnografia de tela” (RIAL, 2004; BALESTRIN & SOARES, 2011), trazemos para o debate as problematizações foucaultianas sobre biopoder, na qual a função do racismo é regular a distribuição da morte e tornar possíveis as funções do Estado mediante a divisão dos corpos que devem morrer e os que devem viver. Assim, dialogamos com os Estudos Culturais em Educação, destacando o conceito de “estereotipagem” (HALL, 2016), bem como evidenciamos, à luz das reflexões sobre “Corpo sem Órgãos” (DELEUZE & GUATTARI, 2011) e “corpo utópico” (FOUCAULT, 2014), os agenciamentos produzidos em uma nova política de resistência diante dos processos de subjetivação sistematizados pelo Estado, conforme narrativa do curta-metragem. Assim, comprendemos que é na luta contra o Organismo que insiste em enquadrar a sua vida, em meio a um sorriso que sutilmente anuncia o refrigério de sua conquista, que Dorival produz potências desestabilizadoras cheias de vida.

Image and racism: Racial anthropophagy and the limits of anti-racist and decolonial cultural production in Brazil

In this article, we intend to talk about the representation of black people in Brazilian cinema, pointing out how hegemonic images of Brazilian cinema corroborate the structural racism of our society, analyzing films (and visual narratives) from the 2000s, a period considered the Resumption of Brazilian Cinema. Cinema produced by black directors emerges as counter-narratives, deepening the way in which Brazilian cinema represents the racial issue in Brazil in a stereotyped way. To think about this structural racism in the field of cinema we will deepen the concept of racial anthropophagy (Amparo, 2018; Paixao, 2015) a kind of aesthetic of the flesh, in which the image of the other (the black or black) is appropriate and devoured in the name of art. We will also seek to dialogue with black feminism in Brazil, emphasizing the specificity of this field and discussing image production around black women in Brazil.

Performing the intermedial across Brazilian cinema

Intermediality as a theoretical and methodological perspective champions impurity. Overall, it is concerned with the interaction, contamination, and mixture between different media, breaking down existing barriers that currently exclude hybrid forms of artistic expression, which also inevitably exposes the limits of media specificity. Musical performance constitutes a privileged space to reflect on intermediality. It brings in not only music, but a mixture which includes literature, theatre, dancing and even painting and architecture. Music performance calls for all these artistic practices and articulates them through the song. Then, when it is filmed by a camera and recorded with microphones to be exhibited on a screen, new layers of meaning are added. This Alphaville issue is concerned with the performance of the intermedial in Brazilian cinema through music performance. It is an output of the project “Towards an Intermedial History of Brazilian Cinema: Exploring Intermediality as a Historiographic Method”, a shared endeavour by the University of Reading and the Federal University of São Carlos which was developed between 2015 and 2019, funded by the Arts and Humanities Research Council (AHRC) in the UK and the São Paulo Research Foundation (FAPESP) in Brazil

Chanchadas and intermediality

This audiovisual essay investigates the intermedial nature of Brazilian film comedies produced during the 1940s and 50s by exploring the musical numbers of Aviso aos navegantes (Calling All Sailors, Watson Macedo, 1950). Brazilian cinema of this period is a privileged arena of different media strategies. Its “mixed” style is informed by Hollywood cinema but also by the domestic influence of radio, Carnival, and by the local forms of comic staging of the teatro de revista (the Brazilian equivalent of music hall or vaudeville). Of particular interest in this regard are the chanchadas, a body of films made between the mid-1930s and the early 1960s, that presented musical performances intertwined with comic situations, slender narrative lines and strong connections with the world of Carnival. Our aim is to show how the relationships between the different forms of cultural production in 1950s Brazil can be identified in a specific chanchada, opening a dialogue between musical performances on stage, over the radio, at Carnival and on screen. The essay also examines similarities and differences between chanchadas and the Hollywood musical comedy tradition. One area explored is integration, both in the sense in which it is often used in film studies, to discuss the relationship between the numbers and the narrative, and in reflecting on whether the different elements which feed into the numbers of Aviso aos navegantes are seamlessly combined in the film. Despite the huge popular success of his films, Watson Macedo was considered by many as the most “Americanised” of the directors of that period, adhering less to the critical mechanisms of parody than was the case with his contemporaries. However, if we pay attention to Macedo’s musical numbers, it is evident that these performances are not imperfect copies of Hollywood originals, but have a logic of their own. This audiovisual essay complements Flávia Cesarino Costa’s other contribution to this issue of Alphaville, the article “Building an Integrated History of Musical Numbers in Brazilian Chanchadas”, by exploring related ideas in the context of a single film. As well as the interest of the video essay’s own exploration and argument, the pairing of essays—traditional and videographic—enables readers of this issue to pursue their thinking about chanchadas and intermediality with specific audiovisual material in front of them

Cinema and its intermedial passages to reality

This article examines the development process of the documentary film Passages: Travelling in and out of Film through Brazilian Geography (Lúcia Nagib and Samuel Paiva, 2019) that emerged from a research project on intermediality and cinema. Passages uses an intermedial perspective to approach films which have been produced in Recife and São Paulo since the beginning of the Retomada do Cinema Brasileiro (Brazilian Film Revival) in the mid-1990s, and analyses their connections with other media. Particular focus is given to works created in Recife within the Árido Movie movement, such as Baile perfumado (Perfumed Ball, Paulo Caldas and Lírio Ferreira, 1996), which unveils a whole set of intermedial connections between cinema and music.

The Empty Boat: Meteorango Kid and Brazilian Cinema Marginal

ABSTRACT This article considers André Luiz Oliveira’s Meteorango Kid – O herói intergalático (1969), an important yet often overlooked contribution to Brazilian Cinema Marginal of late 1960s and early 1970s. These low-budget, black and white cinematic productions rejected the revolutionary nationalism of Cinema Novo and embraced instead an “aesthetics of garbage” that conveyed a position of marginality and scarcity among the outcasts and misfits of society. Cinema Marginal captured the sense of disillusionment and impotence among middle-class youth during the most repressive phase of authoritarian rule in Brazil. It coincided with Tropicália, a countercultural movement with manifestations in all realms of artistic production, but principally identified with popular music. Playful and dreamlike in some of its sequences, Meteorango Kid also takes nightmarish turns in its exploration of revolt and alienation among a disaffected university student in Salvador, the capital city of Bahia, a mecca for the Brazilian hippies, who dropped out of conventional society to pursue a drug-fueled alternative lifestyle known as desbunde. This article situates Meteorango Kid in relation to Cinema Novo, Cinema Marginal, and Tropicália, while considering its acerbic critique of conservative Bahian society, the nationalist left, and the emergent youth counterculture.

Brazil’s Deferred 1968

The consignment of industrial wage labor and its central figures to the status of ruins has become something of a cliché in contemporary scholarship and artistic practice. On this view, its demise first became apparent in the 1970s, the precise moment when Brazilian labor movements experienced their first significant gains. This article identifies, describes, and analyzes the emergence of a cinema-labor cycle in São Paulo (1977–82) that constitutes a key instance of Brazil’s “deferred 1968”: a complex response to the distinct pressures of a repressive military regime, entrenched paternalistic union structures, and the auteurist legacy in cinema. In their efforts to apprehend the largest strikes in recent history, filmmakers in the cinema-labor cycle attempted what had seemed elusive in Brazilian cinema up until this point: a mutually constituting alliance between cinema and labor. This article focuses above all on the new understandings of time—including urgency, immediacy, the present tense, and the belated—forged in these films, and the new relationships that emerged among artists and worker-activists as a result. Ultimately, an analysis of this film cycle queries attempts to inscribe both cinema and labor in the past tense.

From Trance to Vertigo

This article looks at Brazilian films from two periods—the late 1960s and the last three years—in order to compare the ways in which they elaborate two moments of defeat for the Left: the 1964 military coup against João Goulart and the 2016 impeachment of Dilma Rousseff. Its focus is not only the stories the films tell about these historical junctures but also the way they implicate or fail to implicate themselves and their audience in those stories; in other words, the depth of the self-scrutiny they propose and the incisiveness of their diagnosis of the Left. Paying special attention to Glauber Rocha’s 1967 Land Entranced and Petra Costa’s 2018 The Edge of Democracy, the author argues that the recent crop of documentaries tend to be much less critical than the films produced around 1968 and suggests some explanations for that. Among those is the way the memory of the struggle against the dictatorship in the 1960s and 1970s is mobilized today with inverted signs, establishing dubious parallels between the two moments. Due to these critical deficits, these films risk hindering a collective working through of defeat by reinforcing an understanding of what counts as political “realism” that prevents a clear-eyed assessment of the recent past and limits the imagination of future possibilities.

Oficinas de cineclube itinerante: compartilhando o cinema brasileiro

Por meio da parceria entre os Projetos “Oficinas Culturais 2018” e “Programa Terceira Idade na Universidade” foram desenvolvidas oficinas de cineclube itinerante com as pessoas idosas. O projeto teve como objetivo promover, a partir das experiências audiovisuais nacionais, o conhecimento da produção do cinema brasileiro, assim como o intercâmbio cultural e a reflexão crítica entre os diferentes costumes, crenças, discursos e valores decorrentes das relações sociais na sociedade brasileira. As oficinas foram organizadas em eixos temáticos, focados na transformação social e empoderamento de idosas e idosos, além de, proporcionar um espaço de lazer recheados de conhecimentos e afetos.

Riscos visíveis e invisíveis em um cinema brasileiro de levantes

O gesto de insubordinação silenciosa, feita à espreita do olhar, foi bastante presente na produção cinematográfica brasileira realizada nos anos de 2010. A partir de uma aposta metodológica inspirada nas pranchas warburguianas no Atlas Mnemosyne, este artigo dispõe juntas sequências de oito filmes nos quais é possível sentir presente o páthos de um grito abafado manifestado quando ele não consegue mais se conter. Uma vez juntas, essas imagens são capazes de acionar, a partir de uma natureza coletiva e pública proporcionada pela própria exibição dos filmes, a energia de um levante.

O naturalismo e suas dispersões em filmes brasileiros dos anos 2000

O naturalismo literário é uma estética frequentemente repelida quando se trata de pesquisar naturalismo e realismo no cinema. Neste trabalho, faço uma abordagem alternativa, recuperando as suas principais características para compreender uma onda de filmes brasileiros dos anos 2000. Ao longo da década, uma série de filmes atualizou essas características, dentre as quais destaco o objetivo de fazer estudos de realidades periféricas esgotadas pela crise de modelos de civilização; a procura por doenças profundamente impregnadas nessas regiões; a recorrência do elemento trágico, da entropia e/ou da pulsão de morte; uma estética de excessos, com crueldade, sensação e sensacionalismo. Essas características reúnem-se em filmes naturalistas, mas se dispersam ao longo da década, mostrando que as premissas naturalistas deixaram de ser atrativas como projeto estético e político com o passar dos anos. Finalmente, reitero a pertinência e a necessidade de colocar o problema da imagem e do naturalismo para além da submissão extrema e caricata ao paradigma da transparência.

The reason dies in an empty house:

Paulo César Saraceni’s The dare (1965) is a milestone of the Brazilian Cinema Novo. Considered the first cinematographic movie to openly address the 1964 civil-military coup, it also inaugurated a lineage of intimate Rio films, committed to reading beyond the representation of the city through postcard images. The film pays special attention to the scenarios, especially houses and apartments, defining the political and psychological contours of the characters through their interaction with the environments. In this article I make explicit the impact caused by this new form of urban representation and, finally, I make the analysis of two sequences, in which an almost empty modernist house is set against a burning, ruined pension. The aim is to demonstrate that, while the contours of these scenarios define the protagonists’ conflicts, the actions taken in each environment add meaning to the architecture.

O descobrimento (de uma língua) no cinema brasileiro

Neste artigo, proponho-me a refletir sobre o funcionamento da memória discursiva a partir de um filme que marca a institucionalização do cinema no Brasil, durante os anos 30: O descobrimento do Brasil (1937), de direção de Humberto Mauro, com produção do Instituto de Cacau da Bahia. Minha perspectiva teórico-metodológica é fornecida pela Análise de Discurso pecheuxtiana, a qual me possibilita compreender o objeto fílmico em questão como um imbricamento de materialidades significantes. Minha análise se constrói a partir de dois recortes em que tomo o funcionamento do significante descobrimento de forma a compreender como ele mobiliza sentidos na e da língua, fazendo com que o próprio enredo reproduza na materialidade significante do audiovisual um discurso fundador de Brasil.

A mão que guia a máquina

Esse artigo explora as possibilidades de análise de fontes primárias no contexto de uma dissertação de mestrado em desenvolvimento. A pesquisa de mestrado intitulada Diálogos modernos: Lina Bo Bardi e a Caravana Farkas tem como propósito identificar diálogos intelectuais entre os escritos produzidos pela arquiteta Lina Bo Bardi e dois conjuntos de filmes hoje conhecidos como Caravana Farkas. Os filmes mencionados se relacionam cronológica e tematicamente com o convívio entre os cineastas e Lina Bo Bardi e com a produção escrita e expográfica da arquiteta referente à valorização dos meios de produção artesanais originados de tradições populares do nordeste brasileiro. A documentação investigada corresponde a nove números de uma página dominical do jornal Diário de Notícias de Salvador, editados por Bardi e publicados ao longo de dois meses no ano de 1958, e um curta-metragem brasileiro produzido por Thomaz Farkas e dirigido por Paulo Gil Soares em 1969. Serão explorados alguns aspectos de análise das fontes, como a compreensão da identidade dos colaboradores da página, questões relativas à proposta de design gráfico de Lina Bo Bardi e parte do conteúdo dos textos: o conjunto circunscrito de passagens diretamente dirigidas a um grupo de estudantes do qual Paulo Gil Soares fazia parte e alguns trechos que incidem no tema do curta-metragem analisado.

Portugal no contexto marcelista.

O objetivo do presente ensaio é dar a conhecer e refletir sobre os processos de censura e atas da Comissão de Censura portuguesas aos filmes brasileiros, durante o período marcelista (finais de 1968-1974). A documentação consultada e mencionada encontra-se no Arquivo Nacional da Torre do Tombo (ANTT), em Lisboa. Quanto da produção cinematográfica brasileira, destes anos, chegou a Portugal? Quais os temas mais censurados? Qual o número de filmes brasileiros censurados e proibidos em Portugal, de finais de 1968 a 1974? Estas são algumas das perguntas a que tentaremos dar uma resposta.

Longo caminho da morte (1971) e as fronteiras entre o Cinema Novo e o Cinema Marginal

Pouco visto à época da realização, Longo caminho da morte (1971), de Júlio Calasso Jr., teve respaldo na historiografia do cinema brasileiro como um filme de invenção, o que o aproximaria ao Cinema Marginal, movimento que, para muitos críticos, rompeu com o Cinema Novo. No entanto, o filme traz características de ambos movimentos. O artigo pretende investigar os pontos de aproximação e de afastamento deste filme em relação tanto com o Cinema Novo quanto com o Cinema Marginal, e como ele pode ser entendido dentro desse tensionamento, sem se integrar completamente em qualquer um destes recortes.

On the present and future of Brazilian film studies: Some preliminary notes

This article consists of an overview of some of the most recent and influential academic work on the history and esthetics of Brazilian cinema, followed by some speculative notes on the future of Brazilian film scholarship. Based on recent trends and topics in the field of Film Studies in Brazil, I intend to demonstrate how the latest transformations in the Brazilian mediascapes and film market have stirred and molded new approaches to Brazilian cinema, notably amidst a new generation of film scholars. This overview covers Brazilian cinema and its related film scholarship from the “Retomada” years (1993–1994) up until some of the latest film releases (2019), or “Newest Brazilian Cinema.” Without the presumption of being an exhaustive account, this article aims to provide a panoramic and introductory annotated bibliography that will be useful for further studies and an inventory of current state-of-the-art film scholarship in Brazil.