Brazilian Art Research Articles

Revealing Brazilian fat activism through visual arts: the cases of Elisa Queiroz and Fernanda Magalhães

ABSTRACT This article analyzes the development of fat activism in Brazil considering two artists, Elisa Queiroz and Fernanda Magalhães at the end of the twentieth century. Both artists started to develop dialogs related to visual arts and their bodies, reflecting on prejudices still strongly present in Brazil and offering a rethinking and re-envisioning of the fat body. The artists use the body as provocation, as a struggle against the imposition of hegemonic discourses, making a point to stand out as “marginal,” rather than striving for normativity. Considering works that address the fat body in European and North American scenarios, I seek to understand the development of fat activism in Latin American territories, recognizing the scarcity of studies focused on the subject. Queer approaches by fat activists are relevant mainly by their antinormative and indefinable character and by the possibility of understanding artistic practices that refuse to normalize the fat body as “harmless.” White, patriarchal heteronormativity reinforces hegemonic or rigid body ideals, including mainstream media perpetuating notions of ideal femininity associated with thinness or ideal masculinity associated with muscularity. In response to heteronormativity’s regulation of fat bodies, new possibilities of fat transgression are presented in artistic activism, despite the growing medicalization, pathologization, and commodification of bodies out of bounds in medicine and the beauty industry. The results of my studying art as an activist intervention into sizeism indicate the possibility of recognizing a record of fat activism in visual arts in Brazil, allowing the subversion of corporeal standards and making room for emergent discussions about gender, culture, and identities.

Trans Narratives in Museums Collections: Dialogues with Élle de Bernardini and Lyz Parayzo

This essay presents perspectives about the institutionalization of works by trans artists in museum collections. The contribution to this analysis comes from the Brazilian artists Élle de Bernardini (1991) and Lyz Parayzo (1994), who have works collected at the Art Museum of Rio (MAR), Niterói Contemporary Art Museum (MAC), Art Museum of Rio Grande do Sul (MARGS), Contemporary Art Museum of Rio Grande do Sul (MAC-RS), Santander Brasil Colection, Modern Art Museum in Rio de Janeiro (MAM-RJ), National Museum of the Cultural Complex of the Republic – Honestino Guimarães, Museum of Sexual Diversity, Italian Embassy in Brazil and Pinacoteca of the State of São Paulo. The main aim is to understand the process of musealization from the narrative construction of itself of each artist, the connection between those narratives and the agendas about gender and the artists' conditions. As well, the text discusses the presence and absence of the agenda and the (re)exhibitions of the artworks. In this sense, the researcher has done an interview with two artists about trans visibility in museum collections. Keywords: Trans Narratives; Museums Collections; Élle de Bernardini; Lyz Parayzo;

The human-animal relationship and its influence in our culture: the case of donkeys

Donkeys (Equus asinus) face a global crisis. Their health, welfare, and even their local survival are compromised as the demand for their skins increases. Such demand for donkey skins aims to supply the ejiao industry. Ejiao is a traditional remedy made from the collagen of donkey skins. Some people believe it has medicinal properties. It is estimated that the ejiao industry currently requires approximately 4.8 million donkey skins per year. Although the future of the donkeys is still uncertain, we must guarantee a life free from suffering to the animals under our responsibility. The trade of donkey skins also undermines the cultural role of donkeys. Donkeys have developed an essential role in Brazil, especially in the Northeast region of the country, carrying on their backs construction materials, water, and food, and, as a consequence, helping people build cities in the deepest hinterland. The close relationship between people and donkeys affords donkeys a unique place in the local culture. This central importance has been recognized by Brazilian artists throughout history. We have many examples of songs, books, “cordeis” (typical Brazilian literature), poems, documentaries, movies, woodcuts, paintings, and sculptures, created to honor this important actor. Here we describe some examples of this human-donkey relationship, and its influence on our culture.

Review: Bossa Mundo: Brazilian Music in Transnational Media Industries, by K. E. Goldschmitt

Review: <i>Bossa Mundo: Brazilian Music in Transnational Media Industries</i>, by K. E. Goldschmitt

Arte abstrata no Brasil

Este artigo trata sobre arte abstrata no Brasil a partir da cidade de Belém (PA), em suas ligações com outros campos artísticos. Foca-se em três casos vivenciados nesta cidade entre 1957 e 1961: a obra da artista Estela Campos, o Clube de Artes Plásticas da Amazônia (CAPA) e a Equipe Gestalt. Esses casos são estudados principalmente a partir de textos em jornais e da bibliografia existente sobre o tema, usando a abordagem teórica e metodológica da história social da arte. São mostradas as tendências não-figurativas adotadas por alguns artistas em Belém, bem como a recepção crítica de suas obras. As relações com a ideologia artística abstracionista são analisadas a partir das ideias de arte “atrasada” e “avançada”, presentes em muitos discursos de intelectuais e artistas.

Dupla exclusão

As narrativas já institucionalizadas sobre o movimento concretista no Brasil e suas reverberações abrangem referências internacionais para os artistas integrantes do movimento, e os conflitos de hegemonia cultural entre os dois polos econômicos do país na época: Rio de Janeiro e São Paulo. A considerável produção analítica sobre o período e seus agentes tem sido uma das mais férteis dentro da historiografia da arte brasileira, abarcando críticos, manifestos, obras, artistas e locais de circulação – e no entanto, apenas recentemente alguns pesquisadores e curadores têm apontado o caráter machista de alguns membros dos grupos, e as dificuldade de consolidação profissional das artistas mulheres que participavam dos projetos e reuniões. Nesse sentido, Judith Lauand, a única artista mulher a participar oficialmente do grupo Ruptura em São Paulo, é caso emblemático dos movimentos de revisionismo histórico feminista, mas junto a ela temos também Jandyra Waters ocupando um lugar ainda frágil no sistema, sem o devido cotejamento. Ainda que essas duas artistas tenham tido uma circulação considerável no meio artístico brasileiro, sua recepção crítica e inserção histórica não é a mesma de seus pares masculino, portanto, são casos que precisam ser revisitados a fim de esgarçar a malha historiográfica.

Pintoras e gravadoras expressivas

Neste artigo, visa-se estabelecer considerações sobre a arte informalista e expressionista abstrata no Brasil, a partir da atuação de gravadoras e pintoras que aderiram às abstrações não-geométricas ou experimentaram nessa direção, entre as décadas de 1950 e 1960, sendo que muitas também desempenharam funções pedagógicas. Nomes como Fayga Ostrower e Yolanda Mohalyi são mais conhecidos, tendo sido objeto de textos críticos de época e de exposições individuais ao longo dos anos. Na gravura, chamam atenção Anna Bella Geiger e Edith Behring, além do ateliê de gravura do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro – MAM RJ, na qual atuaram como estudante e professora, respectivamente. Entretanto, a pintora Sheila Brannigan é uma referência pouco lembrada, embora frequente na imprensa da época. Conceitualmente esta reflexão apoiar-se-á, por um lado, na crítica brasileira de meados do século XX sobre essas artistas; por outro, nos estudos de orientação feminista sobre o Expressionismo Abstrato, trazendo novas análises sobre a produção de artistas como Elaine de Kooning, Hedda Sterne e Helen Frankenthaler. O corpus eleito para a pesquisa concentra-se na coleção do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo – MAC USP, uma vez que conta com exemplares significativos da obra das artistas mencionadas.

A experiência docente de Mário de Andrade no Instituto de Artes da Universidade do Distrito Federal ― RJ (1938-1939)

Este artigo traz uma reflexão sobre a experiência docente de Mário de Andrade, quando o renomado poeta assumiu a cadeira de Filosofia e História da Arte no Instituto de Artes da Universidade do Distrito Federal (RJ) ― IA/UDF. A referida universidade foi criada por Anísio Teixeira em 1935 na Cidade do Rio de Janeiro, à época Capital Federal. A UDF era uma instituição diferenciada porque tinha como carro chefe a formação de professores para diferentes áreas do conhecimento. Muitos foram os embates enfrentados por esta instituição que teve curta existência (1935 a 1939). Nessa instituição, além de Mário de Andrade, também atuaram como professores figuras eminentes da arte modernista brasileira. Dessa forma, o objetivo central desta pesquisa é compreender quais foram as contribuições de Mário de Andrade como professor no Instituto de Artes da UDF para formação de professores de Artes (Desenho e Pintura) da referida instituição. O referencial teórico que norteia as reflexões desta pesquisa baseia-se nos trabalhos dos seguintes autoras: Bomeny (2012), Coutinho (2002), Lopes (2006, 2009) e Mendonça (2002). A metodologia consistiu-se em análise documental dos acervos das seguintes instituições: Programa de Estudos e Documentação Educação e Sociedade da UFRJ; Projeto Portinari da PUC-Rio e Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional. A análise das fontes permitiu confirmar o caráter modernista do ensino do Instituto de Artes da UDF, além de que Mário de Andrade intencionava despertar em seus alunos uma consciência artística a partir do desenvolvimento de uma técnica pessoal, sem limitar o artista a padrões estabelecidos rigidamente. &#x0D; Palavras-chaves: Mário de Andrade; Formação de professores; Arte Moderna.

Introduction. Abstract art in Brazil

In this introduction, we present some of the elements that guided both the formulation of the concepts of this dossier on abstract art in Brazil and our first reflections on the articles by invited authors and those submitted to the open call. Our main aim was to gather a collection of articles that would bring original research and approaches, focusing on aspects yet to be dealt with in the existing scholarship. The contributions brought to light analysis of artworks and women artists yet to be duly considered, as well as unpublished case studies focused outside the artistic milieu of Rio de Janeiro and São Paulo and on lyrical abstraction in the country – topics still largely neglected by the consolidated historiography.

Apresentação - Arte abstrata no Brasil

Apresentamos a seguir alguns elementos que orientaram tanto a formulação da chamada para este dossiê sobre arte abstrata no Brasil, quanto nossas primeiras reflexões sobre os artigos dos autores convidados e daqueles selecionados por via da chamada aberta. Nosso principal objetivo era o de ter um conjunto de artigos que trouxessem pesquisas e abordagens originais, enfocando aspectos ainda não tratados pela historiografia no assunto. Neste sentido, as contribuições trouxeram à luz análises de obras e artistas mulheres ainda por serem devidamente consideradas, bem como casos inéditos fora do eixo Rio-São Paulo e na abordagem da abstração lírica no país – temas ainda largamente negligenciados pela historiografia consolidada.

Toward a Common Configurative Impulse

Brazilian art critic Mário Pedrosa’s theorization of art’s affective power, whereby the relational contract with the spectator is neither rational nor purely visual but is infused with feeling, was decisive for understandings of geometric abstraction as expressive in the 1950s. “Toward a Common Configurative Impulse” turns to another modernism, nestled alongside the geometric ones that would come to define the aesthetic of artists associated with Concrete Art in these years. Beyond Concrete Art, Pedrosa’s modernism also encompassed the creative production of diverse practitioners, among them, popular artists, self-taught artists and psychiatric patients (the latter is the subject of my book Learning from Madness: Brazilian Modernism and Global Contemporary Art). With this in mind, this essay tracks the historical and discursive origins for such an inclusive modernism and how Pedrosa’s embrace of different artistic subjectivities calls for a necessary shift in the historiography of Brazilian modernism at mid-century.

Layered Landscapes: Links between Brazil and Australia after the Second World War

ABSTRACT The modern garden in Australia after the Second World War reflected international design movements along with new appreciations of the country’s indigenous landscapes. Conservation activities and concern for environmental quality expanded in the face of the development boom’s insatiable quest for resources and unprecedented threats to natural systems. The Australian profession of landscape architecture, institutionalised in 1966, emerged in response. An uneasy association of planners, architects, horticulturalists, foresters and others stemmed from sometimes vastly different standpoints that remarkably coalesced around singular points of reference. One possible source requiring clarification is the work of Brazilian landscape architect and artist, Roberto Burle Marx (1909–94). Evidence suggests that Burle Marx’s alluringly graphic landscape designs struck a chord, sometimes very clearly, influencing Australian designers such as John Oldham (1907–99), John Stevens (1920–2007), and Karl Langer (1903–69) in their landscape designs surrounding freeway interchanges, atop office block car parks, and for tourist resorts alike. This gave their practices a leading edge. In other instances, connections between Burle Marx and Australian founders of the profession were merely subtle traces, and the subliminal influence instead sheds light on the character of the Australian profession rather than overt derivations.

Review: Transatlantic Encounters: Latin American Artists in Paris between the Wars, by Michele Greet

Review: <i>Transatlantic Encounters: Latin American Artists in Paris between the Wars</i>, by Michele Greet

Cinema documental contemporâneo, técnica e sociedade: Implicações sociológicas e culturais.

Frames of spots, cuts and movements, are important parts of the world cinematographic language. This cinematographic structure, reveals the intrinsic mixture of technical characteristics with the narrative wishes from the creative view of the filmmaker and the thematic issues which has been approached. In documentary cinema, these aspects come up because of cultural, political and ideological interests of the engaged authors in some social causes. The marketing purposes that currently dialogue with this kind of documentaries have created new forms of production and perception. From a comparative of two documentaries from different nationalities about artistic personalities such as “Amy”, by Asif Kapadia (England, EUA, 2015) and “Chico, Brazilian artist” by Miguel Faria Jr (Brazil, 2015) deals with different phases of life, of Amy Winehouse and Chico Buarque de Hollanda, these documentaries aim to focus on sociological expressions that arise from this process in these both contemporary documentaries.

“Como Vê Você Paris Libertada?”

Este artigo resultou de uma pesquisa qualitativa sobre as publicações de periódicos em torno do concurso infantil de desenhos “Como vê você Paris Libertada?”, organizado em 1945 por Beatrix Reynal a partir do Rio de Janeiro. A iniciativa privada, lançada por meio de veículos dos Diários Associados, envolveu cerca de seis mil crianças e foi acolhida pelo Ministério da Educação. Compreendendo a memória individual e coletiva em inter-relação e transformando os periódicos em fontes históricas das práticas culturais que as constituem, é possível mapear traços do processo de comunicação de uma memória celebrativa da Resistência Francesa e da Libertação de Paris em formação naquele momento. Problematiza-se essa memória, também como um investimento social e um recurso de distinção no meio das elites, relacionado à persona Beatrix Reynal. Trata-se da configuração de um enquadramento memorial gaullista, ligado às políticas diplomáticas e à importância atribuída pelo público de artistas e intelectuais brasileiros ao legado cultural francês, apostando na reconversão do passado recente perante as crises geradas pela guerra.

Sandra Vargas e Verônica Gerchman: trajetórias femininas tecendo o teatro de animação contemporâneo brasileiro

Verônica Gerchman e Sandra Vargas são duas artistas brasileiras da mesma geração que se dedicam ao Teatro de Animação em diferentes frentes. São fundadoras de duas das principais companhias especializadas na linguagem: a Cia Truks e o Grupo Sobrevento. O texto discorre sobre aspectos da personalidade e da carreira artística dessas duas mulheres, tendo em vista a importância de seus feitos não apenas para o desenvolvimento da linguagem, mas para a formação de outras mulheres bonequeiras. Para tanto, a autora utiliza entrevistas e bibliografia específica, além de se referir à própria experiência enquanto bonequeira/pesquisadora no convívio com as referidas artistas.

DEED – Design, Entertainment and Education Research Cluster View Activity Log

DEED is a Brazilian research cluster, a formally recognised group of researchers and practitioners whose expertise is applied to the fields of Arts and Design. DEED activities includes, but are not limited to, lectures, study groups, master and Ph.D. researches, seminars, work-in-progress meetings, workshops, networking events, and creative artefacts developments. While working in a research cluster context this can be observed as contributing to new knowledge and gain by means of practice outcomes in a wider community.&#x0D; DEED is an acronym for “Design, Entertainment, and Education” and also is a noun that can etymologically means “action”, “activity”, “fact”, “practice”, “deal”, “share”, “feat”, “accomplishment”, “writ”, “muniment”, “tool”, “device”, and “fact”. All of these meanings are potentially related to the scope of the research cluster’s activities, especially those interrelated to practice-based researches and deeds.&#x0D; In this text, we will present some initiatives and projects developed in a partnership with “Paço das Artes”, which is an art institution of the Secretariat of Culture and Creative Economy of São Paulo State (Brazil). During its 50 years of existence, the Paço das Artes has played a prominent role in the contemporary art and digital art scene in Brazil. Through this partnership, issues such as “digital museum”, “digital curatorship” and“digital collection” have been providing a broad discussion about the role of creative artefacts as the basis of the contribution to knowledge, and also about the role of research leading to new understandings about practice.&#x0D; The first initiative comes in 2016, when Paço das Artes was forced to vacate its headquarters, without having the definition of a new address. On thisoccasion, DEED organized “Games + Art”, an event with an exhibition of experimental games, lectures, and workshops. The event also debuts a work entitled “ExPaço” (a pun between the name “Paço das Artes” and something like “ex-space”). In this work, the public could “walk” through the threedimensional virtual space at the Paço das Artes headquarters, deliberately projected empty and abandoned. This work was also exhibited at the Computer Art Festival from Immersphere Fulldome Festival.&#x0D; In 2020, on the occasion of the launch of the new headquarters of Paço das Artes and celebration of its 50 years, DEED develops “Expaço VR”, an experience in Virtual Reality. In this work, the interactor could learn more about the history of Paço das Artes in a virtual tour through the five different headquarters occupied since its foundation. Currently, in addition to a mobile version, DEED is working on an online platform for digital artists based on the “Expaço” developing experience. Future improvements foresee the development of a (native) digital museum by 2022, the year that celebrates the centenary of the Modern Art Week - a turning point event for art in Brazil.

CONEXÕES DE CURA NA ARTE CONTEMPORÂNEA BRASILEIRA / “Cure” connections in contemporary Brazilian art

As marcas da colonização são profundas no sul global, de modo que mesmo hoje, no Brasil, há indivíduos que, se autodenominando como parte de uma nova direita política, negam os efeitos da colonização, dentre os quais, o racismo. Assim, ao passo que há atores sociais fazendo um revisionismo da história a fim de manter classes dominantes no poder, há também pessoas buscando subverter as lógicas coloniais. Este processo de disputas tem se dado em diversos campos, como o da arte, objeto de interesse deste artigo. Artistas negrodescentes têm angariado atenção no mundo da arte questionando cânones e regras a regerem processos de legitimação, circulação e visibilidade na arte brasileira. Deste modo, objetiva-se aqui apresentar e compreender perspectivas de artistas negrodescentes, que vêm tratando, especialmente, do que chamam de “cura”.Palavras-chave: Arte contemporânea; Cura; Artistas negrxs; Epistemologias negras; Brasil.AbstractThe marks of colonization are profound in the global south, so that even today, in Brazil, there is some individuals, self called part of a new right policy, that act in deny about the effects of colonization, including racism. Thus, while social actors are revising history in order to keep the ruling classes in power, there are also people seeking to subvert colonial logics. This dispute process has taken place in several fields, such as art, which is the object of interest in this article. Thus, black artists have garnered attention in the art world by questioning the canons and rules that govern the processes of legitimation, circulation and visibility in brazilian art. In this way, the objective here is to present and understand the perspectives of black artists, who deal, especially, with what they call healing.Keywords: Contemporary art; Cure; Black artists; Black epistemologies; Brazil.

Tony Tornado, racismo e construções discursivas de um corpo negro em tempos de ditadura (1970-1972)

O presente artigo reúne campos de investigação distintos, mas, complementares, ao aproximar história, relações étnico-raciais e estudos da linguagem. Nosso objetivo principal foi discutir o modo como os enunciados produzidos sobre o artista brasileiro, Tony Tornado, contribuem com a produção e reprodução de discursos racistas em nosso país. Para tanto, selecionamos notícias, artigos e reportagens publicados entre os anos 1970 e 1972 em revistas e jornais brasileiros. Nos debruçamos, também, na análise de pareceres da Censura, que evidenciam o “perigo” que Tony Tornado representava à certa estabilidade política e social do governo militar, pois, ao iluminar o problema da discriminação racial, o músico questionava o discurso de democracia racial, tão propalado no Brasil daqueles anos. Em nossa busca pelos efeitos de sentido, elegemos a análise do discurso enquanto referencial teórico e metodológico. Nessa direção, questionamos os enunciados produzidos sobre Tony Tornado e estivemos atentos às estratégias e marcas discursivas presentes nas revistas, nos jornais e nos pareceres da Censura. A análise do corpus nos permitiu identificar a construção de certa cadeia discursiva, e nos levou a compreender que a figura pública de Tony Tornado foi construída, também, com base no racismo. Palavras-chave: Tony Tornado. Ditadura. Racismo. Mídia impressa. Discurso.

Inside and Outside the Market for Contemporary Art in Brazil, through the Experience of Artists and Gallerists

In this paper, I seek to extend our understanding of global art markets by focusing on the relationships between different art world agents and their perceived responsibilities and roles in a market considered locally ‘incipient’ and emergent on the global scene. For this purpose, I draw on over 50 interviews with art gallerists, independent art spaces and visual artists represented by them, living in São Paulo and Rio de Janeiro, the two largest clusters of the contemporary art market in Brazil, at a time of market expansion and internationalisation. In an incipient market, two main functions are considered important: Developing the commercial circuit and opening up the market, and; enhancing the value of art in society. Such functions occur against the backdrop of a large and complex country, where the ‘eixo’ (axis) of the main cities offers greater opportunities for visibility and valorization. The findings help to elucidate the perceptions of responsibility and roles in a context of market development, as well as the emerging boundaries between culture and the market. Moreover, the paper explores the emerging dynamics and strategies of art world development as they are enacted, offering insights into how art market actors perceive their roles and responsibilities, as well as the strategies available to them to support market consolidation.