Brazilian Art Research Articles

A presença da Galeria Collectio no mercado de arte brasileiro durante a década de 1970

Este primeiro estudo pretende resgatar a história da galeria Collectio por meio de seu posicionamento na mídia, em anúncios publicitários, reportagens ou entrevistas publicadas na imprensa brasileira entre 1970 e 1973, o que nos permitirá um ponto de vista privilegiado do crescimento do mercado de arte brasileiro. A trajetória da galeria seria marcada por uma ação intensa e impacto profundo no crescimento visto naqueles anos, especialmente no que diz respeito aos leilões de arte moderna, em que esteve particularmente engajada. O artigo oferece uma avaliação do crescimento do mercado de arte na década de 1970, pontuando em paralelo o processo de consagração do modernismo brasileiro.

Gambioluthiery: Revisiting the Musical Instrument from a Bricolage Perspective

Gambiarra is a popular Brazilian expression that describes an improvised and informal way of solving an everyday problem when needed tools or resources are not available. Since the turn of the 21st century, the term gambiarra has been a part of Brazilian art discourse. This article first analyzes the genealogy of the word gambiarra, including its global and local contexts, and then looks at the use of gambiarra in the production of music and sound art instruments, or gambioluthiery.

Dentro do labirinto: Hélio Oiticica e o desafio do “público” no Brasil

A passagem do plano para o espaço, ocorrida na arte brasileira desde o final dos anos 1950, desdobra-se em trabalhos ambientais que incorporam elementos dadaístas e surrealistas à matriz construtiva original no período conhecido como “contracultura”. No Brasil, diferentemente do que ocorreu nos Estados Unidos, esse processo não se desdobrou em uma positivação da esfera pública, buscando, por outro lado, uma potencialização dos espaços marginais, tais como terrenos baldios. Assim, paradoxalmente, quando resolvem atuar no espaço urbano e público os artistas de origem construtiva, como Hélio Oiticica, acabam criando refúgios subjetivos dentro dele, remetidos à imagem metafórica do labirinto. Importantes consequências desse processo podem ser encontradas, posteriormente, em trabalhos de artistas como Cildo Meireles e Nuno Ramos.

Pigment pur e o Corpo da côr: prática pós-pictórica e transmodernidade

Este artigo analisa uma incidência quase contemporânea da prática pós-pintura – o uso de pigmento bruto –, utilizada pelo artista neo-avant-garde francês Yves Klen e pelo artista brasileiro Hélio Oiticica. O uso de pigmento bruto por ambos artistas foi condicionado por uma relação autoconsciente com a história da arte modernista e do monocromo, como limite e origem da pintura. Apesar da confluência de tais orientações, os Pigments purs (pigmentos puros) de Klein e o Corpo da côr de Oiticica resultaram em orientações radicalmente divergentes, direcionadas à commodity produzida industrialmente e, portanto, ao readymade. Ao explorar as inconsistências características da commodity no Brasil desenvolvimentista, Oiticica orquestrou uma transferência do fazer do artista para o espectador, dando início a uma nova dimensão participativa no âmbito das cores modernistas.

Eric Santner, “flesh”, soberania e arte: Dois corpos do povo ao sul do Equador?

This article analyzes two contemporary Brazilian artists – painter Rosana Paulino from Sao Paulo and writer Conceicao Evaristo from Minas Gerais – whose works strongly reflect the difficult space occupied by black Brazilian women, in light of Eric Santner’s book The Royal Remains: The People’s Two Bodies and the Endgames of Sovereignty. By means of clues left by the art produced in the period shaping modernity, Santner theorizes on the way in which post-monarchical societies confront the process of substituting monarchical sovereignty with popular sovereignty, established as they are in a context of scientistic reason, secularization, the eruption of capitalism, and the idea of the autonomy of subjects, and marked by the disciplinary power of biopolitics. Under the Eurocentric perspective (adopted by Santner) and based on the gaze of the Other, Rosana Paulino and Conceicao Evaristo’s artistic production effectively reveals that the question of popular sovereignty and the space people occupy in it still lacks a decolonial shift, raising new gazes and reflections.

Formação do professo: reflexões inconclusas

Pretendeu-se neste artigo relatar reflexões realizadas a respeito da formação do professor de Artes Visuais no Brasil e na Alemanha. Objetivou-se investigar a formação docente de Artes Visuais na UFSM, bem como as políticas educacionais que envolvem esse percurso. No que tange as questões metodológicas o trabalho pautou-se pelo caráter qualitativo de investigação. A construção dos instrumentos de pesquisa (questionário) foi estruturada a partir das categorias, formação de professores e políticas públicas, previamente respaldadas pela análise documental. Nesta pesquisa, os sujeitos envolvidos foram um docente e um discente do curso de Artes Visuais da UFSM e no âmbito da Alemanha foi possível somente em nível documental. Como conclusão prévia observou-se a preocupação docente e também discente, em formar um educador consciente para atuar na contemporaneidade, bem como a necessidade desse em conhecer a legislação que rege o ensino no país, e as possibilidades de gerenciamento e administração de uma escola. Quanto aos cursos de licenciaturas que cada instituição ou país apresenta, esses possuem suas particularidades na formação docente, sendo que no Brasil são destacadas as políticas públicas como disciplina curricular, sendo tratados de forma conjunta com a formação pedagógica, diferentemente da Alemanha, onde a formação pedagógica é tratada separadamente e o currículo é construido pelo próprio aluno que no final do curso presta um exame estadual.Palavras-chave: formação docente; artes visuais; políticas públicas.

El giro crítico en torno a los sujetos y objetos del arte: Edgardo A. Vigo y Cildo Meireles

En este artículo se analizan algunas obras del artista argentino Edgardo A. Vigo (1928-1997) y del brasileño Cildo Meireles (1948- ), poniéndolos en diálogo como participantes en el giro crítico en el arte de los años sesenta y setenta, en el contexto de las vanguardias artísticas latinoamericanas. Ambos artistas amplían la base de sus cuestionamientos a la cultura, la sociedad y la política –en momentos en que Brasil y Argentina atravesaban dictaduras y sus consecuentes regímenes represivos– a través de formas que apelaban a imaginar, experimentar y significar objetos, acciones y hechos. Para ello, nos centraremos en las Obras (in)completas, (in) conferencia y Señalamiento XI Souvenir del dolor de Vigo y Desvio para o Vermelho: I. Impregnação, Inserções em circuitos ideológicos: Projeto Coca-Cola y Projeto Cédula y Tiradentes – Totem Monumento ao Preso Político de Meireles. Metodológicamente se utiliza la perspectiva cualitativa transdisciplinaria, que articula distintas áreas del conocimiento para reflexionar sobre el arte.

The Emergence of the Contemporary: Japanese Postwar Art in Twenty-First-Century Brazil

34 Portfolio Curated by Pedro Erber The Emergence of the Contemporary: Japanese Postwar Art in Twenty-­ First-­ Century Brazil On July 14, 2016, The Emergence of the Contemporary: Avant-­Garde Art in Japan,1950–­1970 opened at Rio de Janeiro’s Paço Imperial. The exhibition was on view until August 28, thus coinciding with Rio’s 2016 Olympic Games. I curated the show with the collaboration of Suzuki Katsuo and the support of the Japan Foundation. We presented a panorama of avant-­ garde art in Japan between 1950 and 1970, focusing on artists whose practice and theoretical reflections marked the transition from painting toward three-­dimensional objects, performance, and conceptual art. We brought together some of the most representative works of the period as well as documentary photographs, films, and other historical items. The exhibition thus contextualized the trajectory of the avant-­garde in its dialogue with events that shaped the history of the postwar era, such as the movements against the renewal of the Treaty of Mutual Cooperation and Security between the United States and Japan (ANPO) in 1960 and 1970, the Expo ’70 in Osaka, and, in particular, the 1964 Tokyo Olympics. It was the first major exhibition of Japanese avant-­garde art ever to take place in Brazil. This Portfolio feature presents an annotated record of The Emergence of the Contemporary. It combines an account of the exhibition’s framework and content with reflections on the goals, implications, and challenges of showing postwar Japanese art in twenty-­ first-­ century Brazil and a discussion of the tactics we developed for approaching this task. I chart the curatorial strategies we devised to bring the radical creativity of Japan ’s postwar avant-­ garde into dialogue with the past and present of Brazilian art and with the contemporary social and political moment. In Figure 1. A Emergência do Contemporâneo: Vanguarda no Japão, 1950–­ 1970. Exhibition invitation model in Portuguese. 36 Portfolio addition, I discuss the theoretical underpinnings of our attempt to unsettle conventional views about Japanese art, the origins and the stakes of contemporary art, and the transnational panorama of contemporary cultural practices.1 In the decades following the Second World War, Japan was the stage for some of the most radically innovative avant-­ garde movements of the twentieth century. Visual artists, critics, and writers engaged in a common effort to reinvent the place of art in a society rebuilding itself after the devastation of war and years of cultural censorship under the fascist regime of the Japanese empire. In 1963, Miyakawa Atsushi, one of the most acute theoreticians of postwar art in Japan, observed that the reach and nature of the transformations taking place in artistic expression were such that the modern paradigm had become obsolete, and in its place emerged a new paradigm, which he termed, in almost premonitory fashion, “contemporary art” (gendai bijutsu) (Miyakawa 1980, 16). Miyakawa’s observation not only referred to Japanese art, which was not an isolated phenomenon, but also reflected a general effort to think contemporaneity as the sharing of a common historical time across national , linguistic, and cultural borders. The goal of attaining contemporaneity (dōjidaisei) with the international art world was regarded as a crucial task among artists and critics in postwar Japan (see Tomii 2016, 11–­44). Implicitly subscribing to an understanding of historical time as a kind of universal progressive development, from which Japan had been supposedly cut off during the fascist era, they regarded catching up with Western modernity and bringing Japanese art “up to date” as the first, inevitable step toward the possibility of authentic artistic expression. To catch up with Euro-­American modernity and attain “international contemporaneity” or “world relevance” (sekai-­sei) was not only a matter of reinventing the role of art within Japan’s postwar society but of reinventing the role of Japan within the postwar international order (see Winther-­ Tamaki 2001, 15–­ 16). It is therefore no wonder that, perhaps more than anywhere else, the emergence of contemporary art as a discursive category in postwar Japan went hand in hand with a pressing sense of—­ and preoccupation with—­ contemporaneity. Yet the contemporaneity of Japanese postwar art, which we sought to...

Abordagem Triangular: ziguezagueando entre um ideário e uma ação reconstrutora para o ensino de artes

A arte-educadora Ana Mae Barbosa organizou e publicou junto com Fernanda Pereira da Cunha o livro Abordagem Triangular no ensino das artes e culturas visuais (CORTEZ, 2010), no qual fez um balanço dos vinte anos de experiências com a Abordagem Triangular no ensino de artes no Brasil. O livro faz um apanhado de algumas interpretações e revela facetas dessa múltipla Abordagem que vem desde a década de 1980 e, sobretudo de 1990, dando suporte as mais diversas práticas em nosso contexto educacional em ensino de arte. Neste trabalho temos como horizonte discutir parte da trajetória epistemológica da arte-educadora Ana Mae Barbosa para sistematização da Abordagem Triangular, com especial atenção à publicação de seu primeiro livro Teoria e prática da Educação Artística, de 1975, período de transformações no campo de ensino da arte, com a lei 5692/71 e a criação dos cursos de Licenciatura em Educação Artística.

Variáveis de uma trajetória expositiva: O caso Hélio Oiticica

O artigo analisa a trajetória expositiva de Hélio Oiticica e adota como ponto de partida sua projeção internacional, com a finalidade de investigar o interesse por um artista, e as oscilações de sua recepção ao longo do tempo. De que maneira são construídas as estratégias que incidem no valor de uma trajetória artística? E qual o peso e efeito de uma exposição neste processo? O percurso expositivo de Hélio Oiticica foi compreendido em três momentos: o primeiro quando o artista era vivo (1965-1980) e agiu diretamente nas escolhas e montagens dos eventos que participou, atuando como artista e curador; o segundo momento (aproximadamente entre 1980-90), caracterizado por grandiosos eventos que circularam entre América do Norte e Europa, e o terceiro, a partir dos anos 2000 até os dias atuais, quando sua produção passa a pertencer a acervos de museus e coleções internacionais. O estudo contribui para a compreensão do campo da arte e diversas variáveis que incidem no processo de reconhecimento de uma carreira artística, seja potencializando sua difusão como também contribuindo para a intensificação de sua produção, e identifica atores que compõem este circuito, nomeadamente estrangeiros – críticos; curadores, independentes ou ligados a instituições; colecionadores; marchands; artistas.

Arte e afrobrasilidade como expoentes de luta e resistência

O texto dialoga com a produção cultural das artes visuais de artistas afro- brasileiros em quatro expoentes significativos para arte brasileira: o Barroco, período onde negros e seus descendentes criaram singularidades e especificidades no campo das artes; a Academia Imperial de Belas Artes, que mesmo sendo um ambiente eurocentrado integrou alguns artistas negros significativos e transgressores da ordem hegemônica; a Modernidade brasileira, momento de transformação na representação da população negra e a Contemporaneidade, onde as questões raciais assumem novos contornos políticos e afirmam posicionamentos militantes. Ancorados nos estudos de CONDURU (2007, 2013), BAZIN (1993), DOSSIN (2000) pretendemos evidenciar o trabalho de artistas negros, produzidos não só por oposição ao branco, mas, também, pela negociação, pelo conflito e pelo diálogo com as forças da hegemonia branca. Essas potencias artísticas são em primeira instancia, as primeiras lutas por representatividade no campo das artes visuais no Brasil. Enviado em: 29 de maio de 2017.Aprovado em: 16 de junho de 2017.

Memória, poética e política: o uso e desuso dos objetos

O artigo sistematiza o percurso poético da artista goiana Selma Parreira, a partir da exposição Desuso (2016), desdobramento de seu projeto Machina: memória e poética do espaço e objetos (2015). Por meio de signos picturais, a artista recorre às memórias de infância, contempla o espaço maquínico – um galpão de uma arrozeira em Anápolis, GO –, espólio de sua família, para aprofundar a investigação em poéticas visuais. Neles se entrecruzam memória, história, tempo/espaço/lugar, estética, performance cultural goiana e política. Para tanto, faço um enfoque interdisciplinar apoiado em Jacque Rancière, Walter Benjamin, Michel de Certeau, Michael Serres, Charles Baudelaire, Henri Bergson, Jacques Lacan, entre outros, narrativa oral da artista e texto escrito de Nei Clara de Lima.

Visões cinematográficas da ópera nos trópicos

Na visão europeia sobre o Brasil às Américas, há uma constante oposição entre natureza, muitas vezes vista como hostil, e civilização. A partir da chegada da corte portuguesa no Rio de Janeiro, há duas tendências gerais na visão sobre as transformações no país: ou a necessidade de se “forçar” a civilização na nova sede do império luso, através de diversos projetos, ou a de uma busca de “aclimatação” da cultura europeia. Processos complementares, que às vezes se apresentam como opostos. A proposta do presente artigo é discutir, através dos filmes Orphée Noir de Marcel Camus e Fitzcarraldo de Werner Herzog, como visões consolidadas sobre transferências culturais em geral, e sobre a ópera em particular, operam na maneira como estudamos as artes no Brasil.

O desabrochar da estética modernista em Mário de Andrade

Esse artigo é parte do tema de pesquisa da dissertação de mestrado. A paisagem urbana da cidade de São Paulo: uma poética da garoa sob o olhar de Mário de Andrade. O desabrochar da estética Modernista em Mário de Andrade, sublinha um período marcado pelo movimento de renovação estética literária e artística no Brasil, que instaura e coroa a arte e a literatura, com profundas modificações atreladas aos organismos sociais e políticos no país. Mário de Andrade, o poeta modernista, arlequinal e lírico, engajado nas vanguardas europeias através da literatura e, junto a outros importantes nomes de veios artísticos, inaugura a revolução na arte do Brasil com a Semana de Arte Moderna em fevereiro de 1922, na cidade de São Paulo. Esta pesquisa debruça-se nos estudos da representação da cidade de São Paulo no viés poético e geográfico, quando correlaciona a vida e morte do poeta ao processo de urbanização da cidade de São Paulo. Esse contexto é revelado através dos poemas que perpetuam o amor visceral entre a cidade e Mário, o qual a elege como tema principal. As cortinas se abrem e, segundo o olhar imagético do poeta, a leitura sobre o arranjo espacial da cidade é concluída.

Vistas sobre arte africana no Brasil: lampejos na pista da autoria oculta de objetos afro-brasileiros em museus

RESUMO Examinando objetos relacionados aos antigos candomblés preservados em coleções, Marianno Carneiro da Cunha perfilou uma tradição estética nagô-iorubana criada no Brasil que tem sido considerada como uma das primeiras formulações da arte afro-brasileira, se não uma continuidade da arte africana no Brasil. Expandimos a amostragem enraizada nessa tradição descrita por esse estudioso, chegando a um novo corpus que apresentamos neste artigo, tentando estabelecer as potencialidades da análise estilística que ele empregou, e introduziu no Brasil, como procedimento metodológico no estudo da cultura material de origem africana. Os dados obtidos revelam que, muito além do que originalmente representam, esses objetos podem se constituir apenas em um repertório visual emblemático de abordagens híbridas da produção acadêmica sobre as culturas africanas tanto quanto sobre o negro no Brasil, caso eles não venham a ser retomados através das suas expressões de materialidade próprias e individuais.

Território contaminado – impureza e mistura em conexões artísticas entre África e Brasil

O texto aborda a articulação de dimensões ocidentais e não ocidentais da arte produzida no Brasil desde o século XVI até o presente, focando em alguns processos, instituições, artistas e obras marcados por conexões entre Brasil e África: a espacialidade dos quilombos a partir de sua cartografia; as joias de crioulas; a arquitetura construída por mecardores de escravos e ex-escravos na região do golfo do Benim; a arte produzida nas e para as comunidades religiosas afro-brasileiras, com destaque para a obra de Deoscóredes Maximiliano dos Santos, o Mestre Didi.

Cosmocores - Performance Fílmica de Incorporações no Brasil e Conversa com a Preta Velha Vó Cirina

Na performance Cosmocouleurs (Cosmocores), apresentada na exposição A besta e a adversidade, em Genebra, 2015, a antropóloga francesa Barbara Glowczewski propôs uma experiência visual, confrontando imagens de rituais australianos que ela havia filmado, em 1979 (Devires totêmicos, São Paulo, 2015), com rituais umbandistas que ela filmou no Brasil em 2013 e 2015. Ela convida Clarissa Alcantara – artista performer brasileira, filósofa e também terapeuta esquizoanalista de formação deleuze-guattariniana, a realizar uma dança performática, na qual se projetassem sobre ela, tal uma tela animada, imagens feitas durante uma sessão de Exu, com o registro das danças dos participantes em estado de incorporação dos Orixás e de outras entidades. A cineasta Sandra Alves filmou esta parte da performance, indicada neste artigo da GIS. A segunda parte do texto é a transcrição de uma conversação da antropóloga com o espírito Vó Cirina, uma Preta Velha incorporada pelo babalorixá Abílio Noé da Silveira, da Tenda Espírita Vó Cirina de Florianópolis, o qual aceitou o processo da performance.

Resisting the Dominant Gaze: Prison Works by Brazilian Artist Rosângela Rennó and Filmmaker Maria Augusta Ramos

This article examines photographic installations by Rosângela Rennó and documentaries by Maria Augusta Ramos as contemporary representations of resistance to visual renderings of the colonialist and neocolonialist encounter. Works such as Rennó’s series Vulgo (1998–1999) and Ramos’s film Juízo (2007) express resistance through the deliberate absence of a frontal, reciprocated gaze. These artists’ aesthetic decisions serve to challenge fixed notions of identity and typecasting around binary opposites of dominant-powerful and marginal-powerless. They become transgressive alternatives to Brazilian identity in the country’s vast history of representation. In the words of John Berger, Rennó and Ramos incorporate contemporary visual alternatives “into social and political memory.” Within the visual politics articulated by bell hooks, these two artists subvert “institutionalized systems of domination” by way of aesthetic interventions. In examining these artists’ works in this framework, this article explores the value of aesthetic interventions in the context of postdictatorship Brazil.

A fotografia abstrata em José Oiticica Filho (1906-1964) e em Geraldo de Barros (1923-1998): um estudo de caso

Este artigo é uma síntese da minha tese de doutorado, voltada para uma reflexão sobre as fotografias dos artistas brasileiros Geraldo de Barros e José Oiticica Filho criadas entre os anos de 1950 e 1964 que, por seu caráter abstrato, devido ao seu referente não claramente identificável, constituem um desafio ao observador, tanto da época quanto o contemporâneo. A autoridade documental da fotografia é questionada através da criação de imagens que se colocam contra a ideia de mimese do real. Procuramos definir o conceito de fotografia abstrata a partir de diversos autores, bem como procuramos inserir este tipo de imagem dentro de um contexto maior das artes visuais e da própria história da fotografia.

We are never alone: a conversation on bio art with Eduardo Kac

Brazilian-born artist Eduardo Kac’s (Rio de Janeiro, 1962) work has raised eyebrows especially for his ‘transgenic art’ projects, among others: Genesis, 1999; GFP Bunny, 2000; The Eight Day, 2001; Natural History of the Enigma, 2003/08. In all of these, Kac and his scientific collaborators realize genetic interventions into living organisms at the same time as they trigger audience reactions to these from playful kinds of interaction that is integrated into the works’ open and dynamic creative process. Yet whereas the ethical and political challenges Kac’s work poses have sparked lively debates within and beyond the realm of the arts – can and must art engage with the ‘creative’ potentials of biotechnology and genetics? Do these not in fact (as Vilém Flusser and others have suggested) hold the key to realizing the vanguardist dream of merging art and life? Or should the artist, from the vantage point of his own creative practice, not rather warn us against the ethical and political risks involved in genetic engineering? – much less attention has been paid to the way Kac’s art also continues and transforms a particular legacy of post-concretist, ambient and performance art in Latin America.Kac himself has referred to Brazilian artists Flávio de Carvalho, Hélio Oiticica and Lygia Clark as informing his interest in open, participative forms, which characterize both his transgenic and his earlier ‘tele-presence’ art projects. Other Latin American artists of the late twentieth and early twenty-first century have been producing intriguing engagements with living materials, multispecies habitats and organic remains, including such diverse names as Luis Fernando Benedit, Nicola Constantino, Nuno Ramos, or Teresa Margolles. In a conversation with Jens Andermann and Gabriel Giorgi at the University of Zurich’s Center of Latin American Studies on March 12, 2015, Kac addressed the way in which his work might be seen as continuing or challenging long-standing representations of the New World as a repository of ‘nature’, from colonial chronicles of discovery to contemporary discourses of biodiversity and conservation. To what extent is bio art – and the questions it raises about the Anthropocene as a threshold of radical biopolitical convergence between ‘history’ and ‘nature’ – necessarily ‘transcultural’ and planetary in its extension?