En la actualidad se percibe una preocupación creciente por la gestión de los residuos. Además de una problemática medioambiental, la preocupación por la basura responde a una necesidad orgánica de las sociedades capitalistas. Evidentemente, el arte no ha permanecido ajeno a esta coyuntura; de hecho, se han desarrollado en las últimas décadas múltiples proyectos que no solo indagan en su dimensión expresiva o estética, sino que muestran un profundo trabajo analítico sobre los contextos socioeconómicos, ideológicos y culturales en los que intervienen. Tras realizar una aproximación a la basura y al Wasteoceno desde la perspectiva de los discard studies, en este artículo profundizaré en algunas de las iniciativas llevadas a cabo por el colectivo Basurama, que reivindican desde el activismo-artivismo el potencial crítico de los desperdicios: TrashLation (2014), Árbol basura (2015-2016), Amar o Mar (2017) y Nuestro aporte (2017).

Reseña de: Martínez, Josebe, Gras, Dunia & Tenicier, Constanza (eds.). Condición de extranjería. Exocríticas y estéticas migrantes. Escritoras latinoamericanas en el Norte Global I. Madrid-Frankfurt am Main, Iberoamericana-Vervuert, 2024, 220 pp.

El siguiente ensayo reflexiona sobre las relaciones entre cuerpo, corpus literario y archivo en la escritura terminal de Reinaldo Arenas. Para ello, se concentra en el movimiento de la fuga en tanto impulso vital (en la vida así como en la obra) para proponer que el escritor diseña un plan de escape que va del cuerpo enfermo de sida al corpus saludable, y del corpus saludable al archivo. Se propone, además, que la sobrevida en el archivo está posibilitada por la astucia del autor, quien recrea (y enrarece) las condiciones carcelarias en el archivo, por ser estas las que le enseñaron a tramar los sucesivos escapes que lo mantuvieron con vida. Con el análisis del poema “Leprosorio (Éxodo)” (1990) a partir de las estrategias de reescritura y contacto se fundamentan las ideas anteriores, al tiempo que explica cómo Arenas se restituye su humanidad en el archivo.

La Biblioteca Ayacucho fue un proyecto transnacional que concibió la actividad editorial como una estrategia para la integración cultural latinoamericana. Para renovar las perspectivas sobre su diseño y construcción, el artículo presenta una investigación de archivo y analiza el estudio de las redes intelectuales involucradas en dos reuniones de expertos organizadas en 1975 y 1982. De forma complementaria, examina las concepciones del libro, América Latina y los sujetos letrados que sostienen dos intelectuales encargados de las palabras de apertura. La lectura crítica de las conferencias de Ernesto Sabato y Augusto Roa Bastos demuestra la apelación a un “latinoamericanismo letrado”, en conflicto con otras inflexiones de la editorial. Esta articulación expresa que Biblioteca Ayacucho se constituyó como un proyecto colectivo atravesado por las tensiones, los debates y la heterogeneidad.

Las formas de exclusión de lo social, de definición de la norma y de lo contrario a ella, encuentran en la figura del monstruo una representación, con posibilidad de ser proyectada desde las tecnologías de la monstruosidad que distinguen los grupos periféricos de los grupos dominantes. Además de acotar dicha diferenciación a partir de conceptos que aluden a la monstruosidad social, en este trabajo se proponen dos lecturas del monstruo imposible desde las que conjugar dicho juego de contrarios a los aboca el orden jerárquico en una comunidad. Se emplean para ello dos ejemplos de la narrativa breve actual hispánica para ahondar en el significado y uso de las dos figuras canónicas de la monstruología capitalista —el vampiro y el zombi— y, con ello, dar cuenta de la posibilidad de rebelión —en forma de monstruosidad contrahegemónica— o de sumisión —en tanto que monstruosidad hegemónica—.

Este trabajo se propone ofrecer un punto de partida en el estudio de Kráter (2022), uno de los últimos poemarios de Clara Janés. Los elementos que se han destacado para adelantar ese análisis son los siguientes: el juego entre el texto principal y los paratextos; el desarrollo de la alegoría en el poemario; una singular versificación basada en la brevedad y la concisión; y el tema místico enlazado al erótico. De este modo, se comprobará cómo Janés trata lo sagrado en un libro que hace de la catábasis (o descenso a los infiernos) el eje principal de un diálogo con el misterio.

El volumen editado por Tilmann Altenberg, con la colaboración de Alejandro González Acosta, de la poesía completa de José María Heredia es, hasta ahora, el trabajo más completo de la obra del cubano-mexicano, en forma de edición crítica y estudio de variantes, que recoge todos los poemas de Heredia publicados en vida: el conjunto de Nueva York, de 1825, las imitaciones, y los de Toluca de 1832, con poesías amatorias, poesías filosóficas, morales, descriptivas y patrióticas, además de tres secciones finales, con poemas no recogidos en colección, poemas atribuidos y versiones alternativas de ocho poemas antes editados. También se recogen los ensayos poéticos y la colección de fábulas del poeta romántico.

Introducción a la sección monográfica Formas y figuraciones del desborde en las letras hispánicas contemporáneas.

Con vista a la bahía (2010), la última obra de la dramaturga hispanomexicana Maruxa Vilalta, caracteriza la vida precaria y descarnada de la gran ciudad capitalista norteamericana, cronotopo en el que se libra una batalla permanente entre las tentaciones de corrupción a las que invita un sistema deshumanizado que ha encontrado en el dinero toda su religión y la voluntad irreductible de algunos individuos por construir la alternativa. Vilalta nos sitúa frente a una ventana en la que la creatividad y el amor se convierten en un instrumento para la esperanza y en el mecanismo inalterable para imaginar un estado diferente de las cosas, incluida su realidad material. Al imaginar una bahía donde apenas hay un suburbio lleno de violencia y pobreza, el protagonista de la obra, Brian, inicia un ejercicio contrahegemónico que se superpone al lapidario realismo capitalista.

Este artículo analiza Ama (2019), de José Ignacio Carnero, como una narrativa del desborde elegíaco que subvierte los marcos clásicos de la autoficción para articular el duelo materno como eje estructurante de subjetividad, lenguaje y memoria. A través de una prosa fragmentaria que oscila entre el ensayo lírico y la crónica íntima, la obra inscribe la pérdida no como tránsito clausurable, sino como experiencia ontológica que desestabiliza al sujeto y revela su interdependencia constitutiva. El texto se interpreta desde las teorías del duelo (Butler, 2004; Rivera Garza, 2013), la ética del cuidado (Gilligan, 1982; Puig de la Bellacasa, 2017) y el pensamiento poshumanista (Berlant, 2008; Braidotti, 2013), proponiendo una poética de la fragilidad que resiste los imperativos neoliberales de productividad emocional. Lejos del consuelo narrativo, Ama elige habitar la herida como forma de resistencia ética y literaria.