Este trabalho reflete sobre as consequências do discurso identitário do movimento açorianista, surgido no Litoral Catarinense em meados do século XX. A investigação se desenvolve a partir da musicalidade do Boi de Mamão, tradição cultural oriunda da região e um dos símbolos contemporâneos de sua identidade, e se baseia em registros históricos, entrevistas e comparações com manifestações musicais de outras regiões brasileiras, bem como das ilhas açorianas. O trabalho se divide em três partes: a primeira discute as narrativas de origem, contextualização e musicalidade do Boi de Mamão, a segunda aborda o discurso muitas vezes unilateral e invisibilizador da identidade açoriana no litoral catarinense, e, por último, a terceira parte discute aproximações da identidade cultural do litoral catarinense com os universos culturais caiçaras. À vista disso, o presente trabalho aponta para possíveis rastros históricos de tradições indígenas e afro-brasileiras que marcaram a musicalidade dos bois-de-mamão e a identidade cultural catarinense.

Esta pesquisa buscou compreender como os pianistas formados no Curso de Bacharelado em Piano da Faculdade de Música do Espírito Santo (FAMES) estabelecem relações entre sua formação musical e a prática profissional no Estado do Espírito Santo. A motivação para o estudo partiu da observação da atual redução da procura pelo referido curso. Para alcançar os objetivos propostos, foram coletadas e analisadas informações provenientes de documentos institucionais e de entrevistas semiestruturadas realizadas com egressos do curso, com o intuito de compreender suas experiências tanto durante a formação quanto no mercado de trabalho. A partir da análise dos resultados, foi possível observar que, apesar de ter havido um aprimoramento no currículo do curso de bacharelado em piano erudito da FAMES, este ainda não atende integralmente às demandas contemporâneas que um músico irá enfrentar no mercado de trabalho, sobretudo no contexto capixaba.

Naná Vasconcelos é um dos avatares da música de invenção brasileira, tendo alçado a percussão e especificamente o instrumento Berimbau, a um protagonismo solístico internacional. Ignorado pelo ambiente e narrativas tanto à respeito daquilo que se consolidou como instrumental brasileiro quanto do ambiente discursivo do experimentalismo nestes territórios, este artigo vem apresentar a trajetória e a produção desse artista através de seus traços de inovação, experimentação e invenção, problematizando as limitações das percepções viciadas que, incapazes de ler as inovações nas epistemologias afro-diaspóricas, silenciam e reduzem essas produções exploratórias negras à esfera do folclórico e do exótico. Vou ler a produção de Naná através do dispositivo analítico da Práxis Criativa Negra, com o qual as produções experimentais negras são investigadas em suas condições de realização, para detectar como artistas com produções disruptivas em termos criativos consolidaram suas carreiras em um meio tão conservador como é o mercado musical. Ao identificar os modos de organização empregados na capilaridade internacional de uma obra tão inovadora e global como a de Naná Vasconcelos este trabalho objetiva aprofundar os conhecimentos sobre estética e ética no experimentalismo musical, uma vez que nas imaginações negras a luta política e social historicamente informaram as práticas artísticas.

Análise da sequência colorida de Ivan, o terrível, Parte 2, de Sergei Eisenstein, com música de Sergei Prokófiev, mostrando a importância da experimentação no processo de composição – tanto da cena quanto da música. A experimentação livre se dá principalmente no uso de módulos intercambiáveis, escritos por Prokófiev e utilizados com liberdade na montagem.

A Mini-Suíte da Sobrevivência Universitária: do Choro às Férias é um projeto de criação musical realizado com apoio do edital BIPAC/UTFPR. A proposta consistiu na composição de quatro peças instrumentais autorais, escritas em partitura para formações híbridas envolvendo violão de 8 cordas (ou viola caipira), violino e flauta transversal. O projeto explora o conceito de música de bordas, tanto por sua origem institucional — uma universidade tecnológica sem cursos de música — quanto pela abordagem estética, que combina gêneros populares (choro, forró, valsa) com práticas de composição experimental e coletiva para música de câmara. Neste artigo, apresentamos como o projeto foi desenvolvido e uma breve pesquisa sobre como os instrumentos musicais utilizados na proposta se situam no contexto sociocultural das músicas de borda.

Este artigo refere-se à tradição do Concerto para Piano e Orquestra de Octávio Maul, composto em 1950 e estreado em 1951 no Theatro Municipal do Rio de Janeiro. A pesquisa concentra-se na análise das fontes musicográficas manuscritas da obra, localizadas na Fundação Biblioteca Nacional e na Biblioteca Alberto Nepomuceno da Escola de Música da UFRJ. Os testemunhos examinados, autógrafos e cópias, revelam um processo criativo contínuo, marcado por revisões textuais e adaptações para performance. A investigação identifica modificações substanciais na partitura — como alterações de andamentos, reescrita de trechos instrumentais e indicações suplementares de execução — realizadas por Maul possivelmente durante os ensaios preparatórios, refletindo sua atuação como compositor-intérprete. Uma análise crítica de fontes permite compreender a natureza dinâmica da obra e evidencia a relevância do compositor no panorama da música de concerto brasileira do século XX. Por fim, o estudo aponta para a necessidade de uma edição que sistematize as modificações textuais e favoreça a circulação da obra no repertório contemporâneo.

A presente pesquisa faz parte de uma continuidade investigativa sobre a comprovisação contemporânea, desta vez sobre como poderia advir uma fenomenologia da criação comprovisativa a partir de uma perspectiva decolonial. Como um primeiro passo desta investigação, está sendo documentada a adaptação para violões microtonais e tape de uma peça do autor George Cristian Vilela Pereira, junto aos colaboradores Vladimir Bomfim e Heitor Dantas, intitulada metamórficas, para tape e diversos instrumentos à livre escolha, composta em 2020. A partir dessa adaptação, surgiram algumas indagações sobre a sua fundamentação e percebeu-se que, nela, há uma comprovisação sob uma perspectiva de notação específica em sua partituração gráfica e as implicações de liberdade musical, articulações instrumentais e de estruturação. O microtonalismo, em abordagens tanto discreta, quanto contínua, vem sendo sistematicamente aplicado tanto a partir de dois VMS (violões microtonais smetakianos) e de um violão folk em afinação hexacordal, como também através de um sintetizador fotoeletrônico, Virtual ANS. Constata-se aqui que há uma conexão não apenas com os VMS, mas também com as práticas de improvisação estrutural não-idiomática que vêm sendo desenvolvidas atualmente para adaptar metamórficas.

O modelo TARGET é um modelo de intervenção pedagógica que propõe a gestão, pelo professor, de seis dimensões (tarefa, autoridade, reconhecimento, agrupamento, avaliação e tempo) que são influentes sobre a estrutura educacional da sala de aula e sobre a motivação para aprender dos estudantes. Tomando como fundamentação esse modelo, o objetivo do presente trabalho consistiu em investigar a aplicação do modelo TARGET na educação e propor formas de transpô-lo mais especificamente à educação musical. A metodologia utilizada para esse fim foi a revisão sistemática de literatura, realizada nas plataformas Portal de Periódicos CAPES, ProQuest e Web of Science, que resultou na identificação e análise de 12 artigos. Como resultado desta pesquisa, foram exploradas possíveis aplicações das seis dimensões do modelo TARGET na educação musical, de modo que futuras pesquisas possam verificar na prática a viabilidade e os efeitos das propostas apresentadas.

Esta entrevista com o Prof. Dr. Rogério Costa, docente da Universidade de São Paulo e pesquisador da improvisação, aborda a experiência da Orquestra Errante, coordenada por ele desde 2009. Trata-se de um grupo voltado para a prática da Improvisação Livre e para a experimentação criativa coletiva, organizando-se e sustentando-se através de uma dinâmica informal, horizontal e auto-gerida particular. Enfocamos aqui as estratégias de manutenção da existência do grupo, de forma a incentivar a reflexão e a discussão acerca dos recursos possíveis para a sustentação a longo prazo de um projeto experimental no contexto acadêmico brasileiro, assim como dos desafios enfrentados por esses projetos.

Este artigo investiga a técnica do trêmulo no violão, considerando suas implicações teóricas, composicionais e performáticas, a partir da análise de duas obras autorais – Escritos no Pó (2023), para violão e eletrônica, e Cinéticas de Io (2024), para violão de oito cordas. Inicialmente, o estudo aborda os conceitos do trêmulo na teoria musical e suas variações práticas em distintas famílias instrumentais, destacando seu valor como recurso timbrístico e como solução para limitações técnicas de certos instrumentos, como a sustentação de notas longas. Em seguida, aborda a técnica no violão, apresentando-a com amplo potencial expressivo, sendo capaz de produzir texturas complexas e expandir as possibilidades polifônicas do instrumento. Por fim, a análise das obras evidencia o papel do trêmulo como elemento unificador e estruturante no processo composicional, ao mesmo tempo em que sugere formas de execução, classificação e exploração na música contemporânea. Este estudo busca, assim, contribuir com violonistas, compositores e pesquisadores, oferecendo uma abordagem integradora entre prática e teoria.