Les orchestres professionnels sont devenus des boucs émissaires dans les critiques postcoloniales de l’iniquité dans l’écosystème artistique canadien. L’orchestre, plus que toute autre structure de musique classique occidentale, garde le sens de la domination eurocentrique continue de la forme (y compris du comportement) et le coût fiscal corollaire nécessaire à son maintien. D’un point de vue perceptif, la forme et le coût des orchestres – lorsqu’ils sont comparés à des structures non occidentales – existent aux dépens d’autres pratiques musicales, une situation problématique compte tenu de la démographie ethnoculturelle canadienne actuelle. Dans cet article, l’auteure revient sur le rapport d’équité 2019 qu’elle a coécrit pour Orchestres Canada. Elle utilise l’autoréflexion pour se situer en tant que bénéficiaire du système orchestral, en tant que Canadienne racialisée et en tant que critique culturelle. Elle s’appuie ensuite sur cette multivalence pour analyser les questions sociales et éthiques qui préoccupent actuellement les orchestres canadiens, soit la résurgence autochtone et la prise en compte des colons, les différentes relations avec la colonialité et la problématique de la valeur culturelle dans le cadre du multiculturalisme légal et de la démocratie libérale.

Aleppo is a concerto for the sanxian and Chinese orchestra, by Singaporean composer Wang Chenwei. The work uses Chinese instruments but is written with modes and metrical concepts borrowed from Arabic music and programmatic content based on Aleppo and the Syrian war. While the timbre of the instruments is distinctly Chinese, the composer combines these instruments masterfully and draws on various orchestration techniques to create sounds that evoke the Middle East and the Arabic world such that one almost forgets that none of the instruments are actually Arabic instruments. In a close reading of this piece, combined with spectral analyses of a recording, I endeavour to illustrate how the composer creates the illusion of Arabic music through skillful selection and masterful orchestration techniques.

Cris Derksen est violoncelliste, vocaliste, créatrice de rythmes et compositrice, travaillant à la croisée des genres et en opposition à leurs limites. Cet essai examine son premier grand projet orchestral, Orchestral Powwow (2015), ainsi que son plus récent, Controlled Burn (2023). Ces deux oeuvres orchestrales éclairent les identités créatives et culturelles de Derksen en tant que violoncelliste autochtone formée à la musique classique, avec une longue expérience de l’improvisation, du looping et de la collaboration. Elles reflètent également trois qualités fondamentales de ses identités et de son approche compositionnelle : l’adaptation, la flexibilité et la transformation. Ces qualités ne se contentent pas d’éclairer l’écriture orchestrale de Derksen au cours de la dernière décennie : elles rappellent également des vérités cruciales sur l’autochtoneité en général. Comme l’expliquent Deloria (2004) et d’autres, notamment Senungetuk (2019), l’adaptation, la flexibilité et la transformation sont au coeur des visions du monde et des traditions autochtones. Ces deux oeuvres de Derksen démontrent la puissance des territoires sonores souverains autochtones et offrent aux auditeurs non autochtones une invitation à écouter, apprendre et agir en solidarité anticoloniale.

La domination est le plus souvent comprise du point de vue du dominant plutôt que de celui du dominé . Le système occidental eurocentrique et sa narratocratie, à partir desquels la composition contemporaine a évolué, nécessitent un changement significatif. Ce basculement vers la décolonisation est essentiel si l’on veut favoriser une vision du monde plus inclusive et transformer la narratocratie existante. La transformation des institutions exige un virage profond vers la décolonisation et l’indigénisation. Cette réorientation, soutenue par une nouvelle vision du monde, est cruciale dans la promotion de l’inclusivité et l’opposition de la narratocratie actuelle. Les pratiques artistiques, y compris les compositions contemporaines, sont enracinées dans les traditions et normes du passé. Cela peut se justifier en ce qui concerne les méthodes et pratiques, mais ne peut s’appliquer aux traditions socioculturelles et aux préoccupations actuelles visant à contrer les biais culturels dominants, comme la décolonisation. Le Conseil consultatif autochtone (CAA) du Centre de musique canadienne est une organisation qui cherche à réconcilier les oeuvres ignorant les protocoles autochtones et portant préjudice aux peuples par des représentations erronées. Par ces actions, le CAA vise à offrir des perspectives sur des méthodes décolonisées pour engager les cultures autochtones de manière respectueuse et réciproque. Les traditions musicales occidentales, fondées sur l’exploitation des chants populaires pour l’expression créative, ont permis à des compositeurs tels que Léo-Pol Morin, John Jacob Weinzweig, et Edward MacDowell, entre autres, de s’approprier et d’utiliser des chants autochtones sans se soucier des effets sur les peuples autochtones et leur culture. Les enregistrements ethnographiques et l’absence de collaboration avec les autochtones lorsqu’il est question de leur culture et leur musique illustrent ces pratiques extractives historiques. Ces méthodes persistent encore aujourd’hui, augmentant un catalogue de compositions basées sur des thèmes autochtones qui continuent de causer du tort aux peuples autochtones. En tant que compositeurs, nous pouvons représenter le changement par des actions menées indépendamment des institutions. Accepter les points de vue exprimés par les peuples autochtones dans la société contemporaine offre un moyen de renoncer au contrôle systémique sur l’expression artistique en musique. Les moyens d’y parvenir reposent largement sur l’adoption de méthodologies cycliques basées sur les modes de connaissance et de pratique autochtones. L’inspiration ne doit plus être tirée de la musique autochtone elle-même, mais d’une compréhension de la coexistence et de l’harmonie avec les peuples autochtones.

This article presents a framework for classifying instrumental timbres, addressing the expanding sonic possibilities in contemporary orchestration and musical practice. As composers move beyond pitch-centered traditions, integrating noise-based effects and extended techniques—new analytical tools become necessary. This study introduces the concepts of metatimbre and paratimbre, structuring and applying them through Metatimbre Classes (MetCs) to categorize timbres based on perceptual similarity rather than instrumental origin or technique. MetCs encompass single-instrument, multi-instrument, or hybrid sources, grouping timbres under musical archetypes such as “flute-like” or “breath-like.” Analyses of György Ligeti’s Kammerkonzert and Helmut Lachenmann’s temA illustrate the framework’s applicability. By shifting the focus from individual instruments and their techniques to broader timbral groupings, this framework provides a structured approach for analyzing and conceptualizing timbre and its functional role in orchestration.

Cet article relate le processus de création des éléments soniques pour l’installation Brain Forest Quipu de Cecilia Vicuña, une commande du Turbine Hall du Tate Modern en 2022. La célèbre poète et artiste visuelle Cecilia Vicuña a travaillé avec l’auteur sur plusieurs projets et médiums, donnant lieu à cette collaboration, à laquelle plusieurs musiciens, poètes et artistes sonores ont participé. Écouter la vision de l’artiste, l’espace du musée, la crise environnementale et les cultures sous-représentées était essentiel à la création d’un sound quipu, l’installation sonore construite au sein des sculptures monumentales. Ce récit commence par un appel initial à la co-création pour cette oeuvre dédiée à notre planète, suivi d’un bref contexte sur le Quipu dans l’oeuvre de Cecilia et sa collaboration avec l’auteur. La vision de l’oeuvre a ensuite été transmise avec une invitation aux artistes participants. La conception de la structure temporelle et physique de l’installation sonore est décrite, ainsi que la nature et la portée des contributions.