O presente trabalho tem como intuito uma abordagem comparativa às fontes quinhentistas sobre a forma como as mulheres são percecionadas a partir do vestuário. Focamo-nos na mulher em Portugal e em Goa, no contexto da sociedade católica do século XVI, a partir de relatos escritos por homens. Sabendo que a moda enquadra um indivíduo no seu meio, procuramos entender de que modo a religião influencia o modelo do traje feminino, uma vez que, enquanto no século em questão, Portugal se mantém fiel ao Cristianismo, Goa é, à chegada dos portugueses, um local onde coexistem diversas religiões, nomeadamente o Hinduísmo (religião a que daremos mais enfoque neste trabalho, devido ao maior número de dados). O território de Goa é parte de um processo de expansão marítima, concluindo-se que ocorre uma mútua influência cultural que se irá refletir no papel e vestuário da mulher em ambos os territórios. São obras de referência a de Fernando Oliveira (1993), o qual analisa as diversas peças de vestuário na sua composição. No entanto, devido ao reduzido enfoque da academia neste tema, analisámos teses académica, como a de Pedro Castro Cruz (2023), que investiga as Sumptuárias ao longo do período moderno. A pesquisa deste trabalho segue o método histórico, a partir de uma análise comparativa de fontes documentais já previamente exploradas pela historiografia, mas às quais pretendemos colocar novas questões. São estas os relatos de viagem de Jan Huygen van Linschoten (1596/1885a, 1596/1885b) e de François Pyrard de Laval (1944) e as Leis Extravagantes, compiladas por Duarte Nunes de Leão (1569). Este trabalho é inovador, no sentido em que, pela primeira vez, compara o vestuário da mulher em dois extremos do império português, a partir da visão dos homens.

O artigo analisa interseções entre a moda e a tipografia, a partir da investigação e da análise do projeto gráfico de revistas especializadas do segmento de moda, publicadas ao longo da história e na atualidade. Inicialmente, o texto explora a relação entre a moda e os tipos serifados modernos, destacando a relevância e a preponderância do estilo tipográfico nos processos comunicacionais e estéticos relacionados às publicações. Em seguida, o artigo analisa o caráter imagético da tipografia nas revistas, assumindo que as palavras adquirem um valor iconográfico e visual de destaque no seu projeto gráfico, transcendendo a sua função verbal. A partir das pesquisas iconográfica, documental e histórica, são examinados aspectos como a morfologia e a composição dos caracteres tipográficos, demonstrando como esses elementos contribuem para a manutenção da identidade visual e para o posicionamento gráfico e editorial dos periódicos. Adotando uma abordagem qualitativa, que combina análises sincrônicas e diacrônicas, o artigo analisa páginas exemplares de publicações brasileiras e internacionais, cujo escopo editorial refere-se à moda conceitual e à moda e ao luxo, tais como V Magazine, Interview, Dazed & Confused, Numéro, Elle, Vogue, L’Officiel e Harper’s Bazaar, por exemplo. No contexto da moda, a tipografia não pode ser considerada um elemento neutro ou apenas funcional; ao contrário, ao romper com padrões de legibilidade e leiturabilidade, desempenha um papel ativo na construção das narrativas, da comunicação e das identidades visuais.

O presente estudo tem como metodologia a teoria do imaginário, apresentada por Gilbert Durand e Michel Maffesoli, aplicada no estudo da marca Versace. O objetivo central é compreender como o imaginário da grife foi perpetuado após a morte de seu fundador, Gianni Versace, assassinado em 1997, e sua substituição por Donatella Versace, então responsável pelas relações públicas da marca. A metodologia adota a análise hermenêutica simbólica, buscando identificar a projeção do imaginário da marca nas coleções dos estilistas. A articulação entre a imaginação simbólica e a hermenêutica possibilita responder aos questionamentos acerca do processo de criação e da continuidade da marca ao longo das décadas. Para tal, foram selecionadas oito imagens representativas das coleções de Gianni e Donatella, com o propósito de identificar os símbolos e processos criativos que conectam o passado e o presente da marca. A análise visa explorar a influência de Gianni no trabalho de Donatella, bem como o imaginário perpetuado na sociedade pós-moderna. Os resultados obtidos contribuem para o desenvolvimento de construções argumentativas, que ampliam o debate sobre a imaginação simbólica de maneira pluridisciplinar, fornecendo subsídios para futuras pesquisas, seja no campo do imaginário simbólico ou na história e continuidade da marca Versace.

David Evans, de origem britânica, reside em Portugal desde 1966. Pintor autodidata, tem um percurso marcado por numerosas exposições coletivas e individuais. Foi diretor da Galeria Judite Dacruz no início dos anos 70, desempenhou funções de professor durante cerca de 30 anos e foi, mais tarde, diretor de Estudos Ingleses no British Council, em Lisboa. É, atualmente, investigador na área de estudos anglo-portugueses da Universidade Nova de Lisboa e tradutor. A 10 de junho de 1974, no âmbito de uma festa popular organizada pelo Movimento das Forças Armadas (MFA), Evans participou na criação de um painel colaborativo na Galeria de Arte Moderna, em Belém, juntamente com outros 47 artistas. Esta iniciativa marcou o surgimento de uma série de intervenções murais que continuariam a ocorrer ao longo dos anos seguintes, e que refletiam o espírito da época através de temas como liberdade, resistência e transformação social.

Neste ensaio, de cunho teórico e descritivo, pretendemos refletir sobre a fotografia de rua, enquadrando as suas práticas e os seus artistas nos conceitos de“flâneur” e “flânerie”, desenvolvidos por Walter Benjamin (1969/1989) e originariamente abordados por Charles Baudelaire. A reflexão encontra-se articulada em três partes: na primeira, apresentaremos os conceitos de “flâneur” e “flânerie” a partir do enquadramento epistemológico originário do filósofo alemão, inscrito nos estudos sobre literatura, defendendo a tese da fotografia de rua ser uma forma de “flânerie fotográfica”; na segunda parte, demonstraremos como os princípios desta flânerie fotográfica vão determinar um registo heterogéneo do espaço público da cidade e dos seus habitantes. A flânerie fotográfica reflete transformações tecnológicas nos equipamentos fotográficos, formas securitárias e eletrónicas emergentes de controlo e registo das esferas públicas, reestruturações espaciais decorrentes de transformações económicas nas cidades e formas distintas de sociabilidade adjacentes a lugares e a não-lugares; na última parte, descreveremos a natureza do registo na fotografia de rua, defendendo a tese de não ser exclusivamente sobredeterminada pelo acaso, mas também pela serendipidade.

Este artigo explora a ação estética e performativa em contexto digital e foca na análise da influência dos dispositivos digitais na narrativa performativa teatral, tanto em contexto de criação como em contexto de exibição. O estudo abarca as produções da 20.ª edição do Festival Anual de Teatro Académico de Lisboa, apresentadas online durante a pandemia da COVID-19, e a produção de uma vídeo-performance criada especificamente para um artefacto de media art digital, visando compreender os fenómenos estéticos da transição da performance física para o espaço digital. Metodologicamente, este artigo traça uma breve contextualização histórica do recurso ao vídeo como registo e elemento estético de performances teatrais e contextualiza as três linguagens artísticas convocadas para este estudo — vídeo, cinema e performance —, bem como as suas influências nas produções do festival. Para além da observação dos signos sensoriais que emergem da experimentação do cruzamento entre a performance, o vídeo e as artes plásticas, no quadro da vídeo-performance do artefacto, este estudo analisa essa mesma performance, bem como as performances do festival, a partir da grelha do cruzamento dos agentes e dos vetores da ciberperformance, de Pedro Veiga (2022), reapropriada e expandida a esta investigação.

A utilização da realidade virtual (RV) na formação de bombeiros é uma inovação promissora, com o potencial de transformar métodos de treino tradicionais, ao permitir simulações de cenários de alto risco de forma controlada e segura. Este artigo explora os benefícios e os desafios da integração da RV em programas de formação, destacando as suas vantagens no desenvolvimento de competências práticas e na preparação para situações de emergência complexas. O realismo proporcionado pela RV facilita a imersão dos bombeiros em ambientes virtuais onde podem praticar manobras e tomada de decisões sem os riscos inerentes ao uso de fogo real, aumentando a segurança e permitindo a repetição de cenários sem custos adicionais significativos. Contudo, a aplicação da RV enfrenta desafios técnicos e de aceitação. Barreiras como o custo elevado de equipamentos, as dificuldades na criação de simulações completamente realistas, especialmente para replicar fatores como o calor e o fumo, e a resistência de alguns profissionais em adotar tecnologias novas são questões relevantes. Além disso, a necessidade de hardware especializado e a possível ocorrência de desconfortos físicos, como enjoos, indicam a importância de um período de adaptação. Ainda assim, estudos indicam que a RV pode oferecer benefícios significativos, como o feedback imediato e a possibilidade de personalização do treino para responder às necessidades individuais. A integração eficaz da RV requer uma abordagem colaborativa entre corporações de bombeiros e de quem desenvolve a tecnologia para adaptar a inovação às especificidades do treino de emergência. O potencial da RV para elevar o nível de preparação dos bombeiros de forma segura e eficiente aponta para uma aplicação crescente dessa tecnologia na área de segurança pública, destacando a importância de investigações futuras para otimizar o seu uso em cenários reais de emergência.

Since its early days, machine vision has been deeply dependent on photographic databases. As visually "intelligent" machines have rapidly advanced, this connection has strengthened and reversed the equation, with contemporary photographic imagery significantly influenced by the techniques developed in computer sciences. Using a technique called "histogram of oriented gradients", Sometimes Your Eyes Do Not See explores the machinic gaze that increasingly permeates contemporary artistic practices and reflects on the ways it affects our perception of the world.

As its aesthetics, methods, and conceptual focus have, in many respects, merged with those of mainstream contemporary art, the boundaries of media art have become more unclear than when the use of technology in art was more of a rare occurrence. While the term "media art" may be helpful in designating a particular sphere of practice and discourse, its current meaning has shifted as a result of changing contexts surrounding the use of technology in art. From its close association with "new media" such as the digital computer, the internet, screen-based media, and interactive systems in the early days of media art as a field, this term now bears re-evaluation in light of the pervasive use of technology we are familiar with in the post-digital condition. As many of these defining forms of new media have lost their novelty and have also been adopted in mainstream artistic practices, media art may be defined less by its engagement with specific media than by stylistic and referential aspects derived from its historical lineage. This paper draws comparisons between early discussions on media art and recent developments in this area with the aim of developing insights into whether and in what capacity media art remains relevant as a term for addressing technologically engaged contemporary artistic practices. By considering media art in such terms, this investigation reconsiders what may be regarded as defining aspects of the field, enquiring into what potential this reframing may have for practitioners and theorists working with this topic.