El artículo explora la representación del compositor de ópera Antônio Carlos Gomes en las revistas ilustradas de Milán y Río de Janeiro, entre 1870 y 1896. A través del análisis de dibujos, caricaturas y fotografías, estudia los atravesamientos entre su visualización y la producción de discursos en torno a las masculinidades, la raza y la nacionalidad: por una parte, analiza la representación de Gomes como un salvaje domesticado en la prensa italiana; y, por otra, reflexiona en torno a la mitificación y heroización de su figura en Brasil. Al confrontar dos visiones, el texto reconsidera la manera en que se (re)produjo la imagen del artista, desestabilizando los relatos hegemónicos en torno a su figura y tensionando la intersección de las categorías género, raza y nación.

En este artículo se realiza un análisis de las respuestas musicales a dos catástrofes medioambientales marinas en la España del siglo XXI: el naufragio del petrolero Prestige frente a la costa gallega y la crisis del Mar Menor en Murcia. Así, mirando a distintas acciones colectivas (canciones, conciertos, recopilatorios o campañas publicitarias) y al modo en el que estas emplean música preexistente o de nueva creación, proponemos comprender cómo la música es instrumentalizada en la pugna por la hegemonía de los imaginarios climáticos definidos por Levy y Spicer. Para ello se traza una genealogía de las relaciones de la música con la protesta medioambiental en España, con el objetivo de comprender qué caracteriza a esta y si ha habido cambios a lo largo del tiempo.

En este artículo abordo el montaje en Madrid de la revista blanca Acuarelas (1930) del compositor chileno Osmán Pérez Freire, a cargo de una compañía en que se mezclan profesionales con aficionados de raigambre aristocrática y convergen prácticas musicales españolas, sudamericanas y norteamericanas. Para reconstruir Acuarelas me baso en crónicas, críticas y fotografía de prensa de la época, en partituras editadas en Chile y en la experiencia del montaje de mi propia compañía de algunos de sus números. Mi intención es develar estéticas de la revista blanca de aficionados pero también ideologías, intereses y destinos del público aristocrático madrileño ad portas de la II República. Esta revista nos permite reflexionar sobre construcciones de alteridad, el papel de la mujer, la absorción de la modernidad, y la articulación de tradiciones del teatro musical de comienzos del siglo XX.

Este artículo describe los procesos de producción de la zarzuela española The Land of Joy de Joaquín [Quinito] Valverde (Madrid, 1875- Ciudad de México, 1918), estrenada en Nueva York el 1 de noviembre de 1917. Aquí no se estudiará su recepción o el contexto histórico en que se acoge el teatro español en EE.UU., sino que se va a describir el funcionamiento de la industria musical escénica y la gestación de este caso excepcional, describiendo las circunstancias que propiciaron la puesta en escena de la revista con la participación de artistas españoles de primer orden, y con altos estándares de decoración y vestuario. El objetivo último de este trabajo es relatar, desde el punto de vista estructural y musical, la versión que se estrenó, primero, en La Habana, y después, en Nueva York, para poder hacer interpretación de los datos obtenidos en posteriores trabajos.

This article is an unpublished contribution that analyses the relationship between baroque architecture and music, with particular emphasis on the Portuguese capital, Lisbon, and other important cities in the country (Coimbra, Guimarães and Torres Vedras). In addition to the Portuguese study, iconographic sources relating to this theme will also be applied to Bahia, in Brazil, thus establishing bridges between the two continents. The article explores two perspectives within the topic of architectural spaces and music: a) the representation of real physical spaces, from Baroque to contemporary times; and b) the copying of European images and/or the artists' fantasy as applied to baroque architecture, in which music also plays a predominant role.

Raquel Meller made her international stage debut in Paris in 1919. A stream of Spanish performers had preceded her, seeking fame as they exploited Parisians’ appetite for exotic gypsy dance, risqué song and Carmenesque spectacle. But Raquel Meller was different. This article draws on French critics’ responses to Meller’s Paris 1919 appearances. It also explores contemporary Spanish concerns and debates regarding national identity and the influence of these on developments in the creative arts. The study points to shifts in the “Spanishness” that Meller projected in 1919 Paris and to perspectives and insights among the French as they perceived Meller, dressed in her austere black costume and performing cuplés about the sufferings and hopes of her fellow Spaniards, as a goyesque maja who embodied the dramatic and passionate Spanish soul.

entramado histrico-cultural an no ha sido suficientemente explorado por los musiclogos, una laguna que el presente estudio subsana.

En 1919 y 1928 se estrenaron, en el contexto de la revista musical española, dos números patrióticos que tuvieron gran repercusión en su época y posteriormente: “Banderita” (Las corsarias) y “Soldadito español” (La orgía dorada). En este artículo expondremos su aparición −comprendiéndolos a partir de la tradición a la que pertenecen−, las características de la revista musical española de principios de siglo que propician su inserción, y el voluntario olvido y posterior recuperación de los mismos durante la II República y el franquismo. Este análisis nos permitirá observar que las músicas (aun cuando, en un determinado momento, se convierten en himno o canción emblemática) no tienen un significado unívoco, sino que este siempre es negociado y atribuido culturalmente por las sociedades según la circunstancia histórica en que se producen.