In this paper, the author attempts to define and characterize the postsecular musical work. Inspired by previous research in the field of literary studies, where the relationship between postsecularity and the literary work has already been extensively developed, the author proposes to transpose the concepts developed by literary scholars to the field of musicology. Based on a description of selected passion compositions from the 20th and 21st centuries, among which are Paweł Mykietyn’s Passion According to St. Mark, Kaija Saariaho’s La Passion de Simone, Tan Dun’s Water Passion After St. Matthew, Mauricio Kagel’s Sankt-Bach-Passion, the author identifies the key features of a postsecular musical work. The author provides a definition of a post-secular musical work, presents the necessary condition for a musical work to be described as post-secular, and distinguishes six characteristics of such a musical work.

Review: <i>La passion de Dodin Bouffant (The Taste of Things)</i>, directed by Trần Anh Hùng

Abstract: The connection between Monique Wittig and Djuna Barnes has largely been reduced to the fact that Wittig translated Barnes’s short-story collection Spill-way (under the title La passion ) or else to mentions of Barnes in “The Point of View.” Working with archival materials and across versions of Wittig’s writings, this article elaborates a broader textual history between the two authors, arguing that certain key details ultimately reveal not Barnes’s influence on Wittig’s thought, as we might expect, but rather Wittig’s enduring influence on the reception of Barnes’s short fiction as part of a distinctly lesbian, distinctly Wittigian literary discourse.

Notre étude examine trois approches interprétatives de l’ Andromaque de Racine : la psychocritique, le structuralisme et la problématologie. Mauron emploie une méthode psychocritique basée sur la théorie freudienne, analysant les schémas récurrents et le « complexe d’Œdipe » à travers l’inconscient et les expériences d’enfance de Racine. Barthes adopte une perspective structuraliste, délaissant l’analyse biographique au profit de l’examen du système interne des personnages et de leurs fonctions, tels que le « Père » et le « Fils », ainsi que les dynamiques de pouvoir et de désir, tout en explorant différentes formes d’amour comme « l’Éros sororal » et « l’Éros-Événement ». Meyer, à travers la problématologie, interprète la tragédie comme le produit d’une tension entre les structures sociales établies et la remise en question identitaire issue des changements historiques. Il soutient que les personnages guidés par la passion, comme Pyrrhus, perturbent l’ordre établi, ce qui mène à leur chute. Notre étude démontre que l’interprétation de Meyer s’aligne le plus étroitement avec les réalités sociales de l’époque, offrant des perspectives précieuses pour comprendre la tragédie, particulièrement dans les analyses comparatives des tragédies occidentales et chinoises.

L'article explore la passion d'André Malraux pour la Grèce antique, qu'il considère comme le berceau de l'humanisme occidental. Il met en lumière l'importance de l'art grec, notamment la sculpture et la tragédie, comme expressions d'une libération des terreurs orientales et d'une réconciliation entre l'homme et le divin. Malraux voit dans des œuvres comme la Tête d'Éphèbe ou la Victoire de Samothrace des symboles universels de beauté, de mouvement et de sourire, incarnant l'idéal grec.

Le rôle de la passion pour une activité parascolaire dans le fonctionnement scolaire à la fin du secondaire.

Si le Suaire de Turin est au cœur d’une controverse médiatique intense centrée sur la question de son authenticité, sa place dans la recherche historique académique est longtemps restée limitée. Il a surtout été l’objet d’une littérature parascientifique, la sindonologie, autoproclamée « science du linceul » qui a cherché à écrire une « préhistoire » de la relique avant son apparition dans la documentation, au xive siècle, mais s’est peu intéressée à la riche trajectoire de l’objet, passant du statut d’image, à Lirey, en Champagne, à celui de relique de la Passion, à Chambéry puis à Turin. Plusieurs travaux récents ont contribué à combler cette lacune. Parmi eux, une monographie d’Andrea Nicolotti, professeur à l’université de Turin, ambitionne à la fois de répondre aux théories fantaisistes qui entourent l’objet et de retracer sa longue histoire. Parmi les questions que cette longue histoire éclaire, celle de l’évolution des régimes de preuve : les linges funéraires, laissés dans le tombeau du Christ, sont traités par l’exégèse comme preuve de la résurrection, et le Suaire de Turin ajoute des indices visibles de la présence d’un corps. Du Moyen Âge à nos jours, le regard sur cette relique a été guidé par la volonté d’interpréter ces traces comme des preuves qui attestent l’histoire sainte, voire en documentent certains détails que les Évangiles ne décrivent pas. Elle met donc en lumière une généalogie ecclésiale, encore trop peu considérée, du paradigme de la preuve par la trace.

Les quelques travaux consacrés jusqu’ici à Saint-Martin de Chapaize sont loin d’avoir épuisé la matière. Une recherche approfondie dans les documents écrits, édités et inédits, a permis de revoir radicalement l’histoire de cet édifice. Une petite abbaye fut créée, probablement aux alentours de 700, à proximité d’un ancien lieu de culte antique, au milieu d’une zone forestière. Ce fut seulement au xiiie siècle qu’elle devint un prieuré de l’abbaye chalonnaise de Saint-Pierre. L’édifice actuel, construit au-dessus d’un bâtiment antérieur, date probablement de la seconde moitié du xe siècle. Dans son premier état, il comportait une nef voûtée d’arêtes ; le clocher, renforcé par plusieurs niveaux de cerclage en bois, ne reçut le second étage de fenêtres que dans un second temps. Au xiiie siècle, peut-être à la suite du nouveau rattachement, fut installé un portail de prestige, peint et muni de plantureux vantaux de fer forgé, toujours en place.

La passion pour la poésie comme l'un des trois genres majeurs de la littérature semble peu passionnante pour beaucoup de gens. La majorité des jeunes érudits et parfois des plus âgés prennent l’étude de poésie comme une noix dure ; difficile à casser en raison de son utilisation d'un langage condensé. Cette étude s’intéresse donc des réflexions sociales sur des poèmes nigérians sélectionnés. Le but de cette étude est d'abord de raviver et de rétablir l'intérêt des gens, en particulier de la jeune génération, pour la poésie. Avec l'application de l'analyse textuelle comme méthodologie et de la perspective sociologique à la littérature comme cadre théorique, des réflexions sont faites sur les situations nigériennes pendant la période post-indépendante. Des poèmes de John Pepper Clark, Tanure Ojaide, Gbemisola Adeoti, Rotimi Johnson et Olu Obafemi sont sélectionnés comme corpus pour l'étude. L'étude révèle que les thèmes de la guerre, de la souffrance, de l'insécurité, des traitements inhumains, de l'oppression, de la pauvreté et des tendances à l'exploitation sont explorés par les poètes dans leurs créativités littéraires. L'étude conclut que pour que le Nigeria progresse, il est nécessaire de mettre fin aux problèmes civils, aux traitements inhumains et à l'exploitation politique et religieuse. Abstract The passion for poetry as one of the three major genres of literature appears unexciting for many people. The majority of young scholars and at times, older ones see poetry as a hard nut, which is difficult to break because of its use of condensed language. This study, therefore, engages in social reflections on selected Nigerian poems. The aim of this study is first, to rekindle and re-establish people’s interest, especially the younger generation, in poetry. With the application of content analysis as methodology and sociological perspective to literature as a theoretical framework, reflections are made on the Nigerian situations during the post-independent period of her political history. Poems of John Pepper Clark, Tanure Ojaide, Gbemisola Adeoti, Rotimi Johnson, and Olu Obafemi are selected as a corpus for the study. The study reveals that the themes of war, suffering, insecurity, inhuman treatment, oppression, poverty, and exploitative tendencies are explored by the selected poets in their literary creativities. The study concludes that for Nigeria. like many other developing countries around the world, to advance, there is a need to put an end to civil unrest, inhuman treatment, and political and religious exploitation.

Prise dans une phase de transition religieuse, l’histoire de l’une des premières saintes de l’Afrique romaine, Perpétue, martyrisée en 203 après J.-C. à Carthage, donne à voir l’effet de chevauchement des formes de sensibilité. Le récit de son martyre, la Passion de Perpétue et Félicité , est riche d’épisodes illustrant la confrontation des époques et des rapports d’historicité : les chrétiens les plus convaincus, notamment ceux qui apparaissent dans les sources martyrologiques, veulent s’inscrire dans un nouveau régime sensible, mais continuent de vivre dans une société où ils ont appris à se comporter en pères ou mères de famille, en citoyens libres ou esclaves, en civils ou soldats. Le récit de l’exécution de Perpétue contient ce type d’opposition entre deux modes d’existence devenus inconciliables, comme le montre en particulier ce moment où la sainte, renversée dans l’arène par une vache furieuse, voit sa tunique se déchirer et ses cheveux se détacher. La chrétienne ramène un pan de son vêtement sur sa cuisse dénudée, puis cherche une fibule pour se recoiffer. Se devine à travers ces gestes l’exigence chrétienne du martyre joyeux : la sainte ne veut pas être prise pour une pleureuse ou une suppliante. L’éclairage ethnologique peut aider à mieux saisir les enjeux sensibles de cet épisode minuscule. L’histoire de Perpétue gagne à être lue au prisme des techniques corporelles et de leur savoir partagé. La longue durée des gestes émotifs entre aussi en correspondance avec ce que Aby Warburg a pu désigner comme les résurgences ou survivances de très anciennes manières de faire, repérables dans l’art comme dans le monde social. L’enquête de Ernesto De Martino sur les prefiche de l’Italie méridionale permet d’élargir encore l’analyse : les gestes attendus précèdent l’émotion collective, ils la génèrent et la résument.

ABSTRACT Film historians have long known that the version of Carl Theodor Dreyer’s La Passion de Jeanne d’Arc (1928) shown at its French premiere was heavily censored by the state and the Catholic church. Exactly what was cut, however, has never been entirely clear, meaning that almost all of the critical literature about the subject has been forced to accept the testimony of those who claim to have seen it at the time. An overlooked source that would help resolve the debate is the score commissioned for its Paris premiere. It includes vital evidence in the form of intertitles and actions that correspond to a print acquired by the British Film Institute in 1947. A detailed comparison of screen and musical time convincingly demonstrates that the 1947 print is a copy of the censored version, and a broader analysis of empathetic musical gesture and specially written lyrics for choir and soloists supports that contention. This analysis underlines the valuable contribution that film-music studies can make to film history in helping reveal for the first time exactly what it was to which the authorities objected in Dreyer’s famous film.

Joan of Arc often cries. As Dreyer shows in his film, La Passion de Jeanne d’Arc, these tears are testimony to her suffering before some unjust judges, but they also allow her to unleash another time within her time. This contribution attempts to show how a status of powerlessness, expressed in weeping, can be transformed into a possibility for collective action.

The paper aims to investigate the presence of Dreyer’s La passion de Jeanne d’Arc (1927) in Jean-Luc Godard’s Vivre sa vie (1962) and Notre musique (2004). Through an analysis of the shot and reverse shot technique employed by Godard in the sequences in which Nana and Olga converse with Dreyer’s film, the contribution attempts to show how the Godard work can open a destitute image of woman, the embodiment of an escape from any order of discourse.

International audience

Le pote ngre, je veux dire, ce pote dont le coeur est filiale pulsation au rythme du tam-tam d'Afrique, parle ce langage des fleurs, exprime ses sentiments et ides travers les images, aussi dans un langage lmentaire par-del spirituel.(p.18) Faut-il, ici, parler de l'intuition comme source d'inspiration potique, parce que connaissance non rationnelle relevant du simple sentimentou prorer sur la maeutique potique, c'est--dire l'art d'accoucher les pomes.Bien au contraire, il s'agit cans d'interroger l'espace textuel de Prince Arnie Matoko, peupl de "mtaphores obsdantes", et o les mots se heurtent, se pressent, se chevauchent, coulent harmonieusement et se groupent en images (Lablenie, cite par Mpala-Lutebele, 2008, p.129).En d'autres termes, ce travail s'attle interprter des symboles obscurs et flamboyants autour du substantif coeur, sige de toute sensation et motion, pour en faire dcouvrir le sens cach, mettant en relief, tout au moins, les motivations psychologiques inconscientes du pote.De ce fait, il parat sant et imprieux d'apporter compendieusement des prcisions conceptuelles relatives aux vocables "symbolique" et "coeur", tout en considrant les notions sous-jacentes.Le terme "symbolique", l'oeil non voil, renvoie illico aux symboles, puisque la symbolique, en croire Le Robert, est la thorie des symboles, c'est--dire un ensemble des relations et des interprtations lies un symbole qui peut tre un objet, une image, un mot crit ou un son qui reprsente Rsum: La prsente tude porte sur la symbolique du coeur dans l'oeuvre potique de Prince Arnie Matoko.Elle consiste analyser et interprter la vie intrieure du pote par le truchement des symboles lis au substantif "coeur", sige de toute sensation et motion, pour en dbusquer le sens cach, mettant en relief, tout au moins, les motivations psychologiques inconscientes de ce dernier.Allant des interrogations significatives aux hypothses mises, en passant par l'exploitation des axes bien structurs, et s'appuyant essentiellement sur l'hermneutique et la psychocritique, cette tude a dmontr que la posie de Prince Arnie Matoko, saupoudre de mythe personnel et de mtaphores obsdantes, est, en bonne partie, rattache l'expression de la passion et de la rvolte du "je personnel", mais aussi, et surtout, du "je collectif".Ceci dsigne, par-dessus tout, la plurivocit de la symbolique du coeur chez Prince Arnie Matoko dont l'inconscient potique, travers ses vers, dvoile la virginit de son me et celle des autres.

The aim of this paper is to examine the presence of nonhuman animals in French medieval drama, with a particular focus on horses and other species brought to perform in liturgical mysteries. Beginning with a brief account of the different ways of representing animals by means of mechanical objects and human impersonations, I then turn to discuss the performance of real animals in the Mystère de la passion, which was staged in the city of Mons in 1501. My analysis is informed by the study of the Livre de conduite du régisseur et le compte de dépenses pour le Mystère de la passion, a work that details the play’s every single animal expense, as well as the specific part played by animals. I will show how the performance unveils a modern zooscenographic understanding of stagecraft that turns the nonhuman animal into an element of paramount importance for the success of the play

Cette contribution porte sur la détermination nominale au sein du corpus de La Passion de Notre Seigneur selon Saint-Jean en Langage Nègre, datant du xviiie siècle, afin de mettre au jour le système sous-jacent de l’actualisation des noms dans cette variété du proto-créole, en cours dans la Caraïbe du xviiie siècle. L’objectif est d’observer la structuration en émergence de la détermination nominale, mais également d’étudier en quoi celle-ci porte les germes des variétés de créoles à venir. Nous confrontons ainsi les résultats d’analyse du corpus de La Passion avec ceux issus d’un corpus, composés de versions du Petit Prince dans les quatre créoles de la zone, les créoles guadeloupéen, guyanais, haïtien et martiniquais.

Une langue qui a émergé au contact d’autres langues est susceptible de conserver des traces de celles-ci dans son fonctionnement. Ainsi, la phonologie des créoles haïtien (CH), martiniquais (CM) et guadeloupéen (CG), nés au contact du français et de langues africaines peut être marquée par des influences superstratiques liées au français et substratiques de langues africaines. Ce sont les traces substratiques qui nous intéressent dans cette contribution. Elles doivent pouvoir être décelées dans la palatalisation et la nasalisation, phénomènes récurrents dans ces trois créoles. En s’appuyant sur La passion de Notre Seigneur selon St Jean en Langage Nègre (un texte anonyme écrit au xviiie siècle), cet article étudie ces phénomènes dans ces trois créoles au prisme des influences substratiques. S’il est difficile d’identifier la nasalisation dans un texte créole écrit à cette époque, qui utilise la graphie française, ce problème ne se pose guère pour certains cas de palatalisation. L’observation synchronique des trois créoles montre que ces phénomènes y sont récurrents, mais ils le sont davantage dans un créole que dans les autres de sorte qu’on peut les présenter ainsi : CM, CG, CH pour la palatalisation et CH, CM, CG pour la nasalisation, c’est-à-dire que la palatalisation est plus récurrente en CM, en CG et moins en CM, tandis que la nasalisation est plus systématique en CH que dans les deux autres, mais plus en CM qu’en CG.

Recent decades have seen the rise of film installation as a consequence of cinema’s displacement in the digital age. This expansion of film exhibition to the gallery has given rise to what Raymond Bellour terms an other cinema, or a cinematic praxis that opens new possibilities for the theorization of the moving image, its history, and its relation to other disciplines. In a cinematic landscape marked by intermediality and transnationality, expanded cinema offers a path forward for filmmakers and moving-image artists in and from Latin America. In this article, I study the relation between cinema and madness in Carl Theodor Dreyer’s 1928 film La Passion de Jeanne d’Arc and the 2004 film installation La Passion de Jeanne d’Arc (Rozelle Hospital) by Venezuelan artist Javier Téllez. I argue that through his citation of Dreyer’s signature close-ups, his direct intervention in the original work, and his staging of projection, Téllez theorizes the relation between spectatorship and an embodied unreason by enacting a mimetic encounter between the audience and the mentally ill. Téllez embraces the legacy of avant-garde cinema, which sought to highlight film’s ability to suspend a cognitively oriented perception. By experimenting with the material basis of exhibition, Rozelle Hospital imagines a new audiovisual politics that stages an ethical encounter with the mentally ill through an embodied spectatorship.

ABSTRACT Joan of Arc has inspired many works of art. The iconographical discourse of this artistic tradition is twofold: she is portrayed either as the homeland’s saviour or as a religious virgin. The cinematic adaptations by Carl Th. Dreyer and Robert Bresson – respectively La Passion de Jeanne d’Arc (Dreyer, 1928) and Procès de Jeanne d’Arc (Bresson, 1962) – demonstrate, however, that the latter iconographical image is again twofold. Preferring an inexpressive acting style to emotional expression and fragmented bodily representation to bodily wholeness, Bresson portrays Joan as a saint who excels in faith and quietude. As in the literary tradition of the saint’s vita, Joan transcends the now, the physical and the emotional. In La Passion, Dreyer’s continuous emphasis on suffering and death contributes to the portrait of Joan as a martyr. Along with overt symbolic images, the emotional and facial expressiveness of lead actress Falconetti reflects the intense agony of Christ, who, throughout much of human history, has served as the ultimate example for martyrs themselves and artists, including authors working within the genre of the martyr’s passio. To both Dreyer and Bresson, the figure of Joan serves as a bridge, connecting disappointment with the present to passion for the historical.