Este artículo utiliza un enfoque reflexivo para analizar la producción de la nueva generación de artistas visuales indígenas en el contexto del giro decolonial del arte brasileño. La metodología empleada implica un análisis cualitativo e interpretativo, basado en observaciones directas de las obras presentadas en diversas exposiciones, así como una revisión crítica de la literatura especializada. A partir de las observaciones, se identificaron y examinaron las similitudes entre las prácticas artísticas del nuevo arte indígena y el arte contemporáneo, centrándose en el modo en que estas estéticas promueven la conexión entre arte y vida, estética y política. El concepto de "aiesthesis", desarrollado por el semiólogo argentino Walter Mignolo, sirve de base teórica central, y se relaciona con los principios teóricos establecidos por autores de renombre como Jacques Rancière, Nicolas Bourriaud y Anne Cauquelin.

El cine de animación como apéndice de la cultura visual se convierte en uno de los espacios online a través de los que quienes pertenecen a la infancia se educan y/o maleducan de manera inconsciente tras consumir sus productos de manera pasiva. De los ejemplos occidentales se selecciona como muestra de estudio las primeras 7 películas de la productora Pixar y sus correspondientes 8 figuras malvadas principales para analizar con una metodología mixta los mensajes que se difunden sobre la estética y la ética del concepto de mal. Asimismo, los resultados se discuten recurriendo también a una secuenciación de imágenes a modo de ensayo visual compuesto por series fotográficas. Con todo, se destaca un componente maniqueo en la construcción de la maldad en las figuras Pixar.

La reconstrucción del hasta entonces extinto tambor indígena Kaahiirkoanhe se considera un aporte crucial en el proceso de reivindicación cultural de las comunidades indígenas Kaamash-Hu y Mokaná. A través de la tradición oral de al menos cuatro generaciones se ha conservado el proceso de construcción, significado e importancia de este tambor en las ceremonias y festividades de las comunidades ya mencionadas. El proceso de reconstrucción de este instrumento ha permitido comprender su cosmovisión como un símbolo de identidad que conecta distintas dualidades. El presente estudio destaca la importancia de la reconstrucción del tambor Kaahiirkoanhe desde una visión guiada por la arqueomusicología, la etnomusicología y la etnolaudería, abriendo la con-versación con relación a su reconocimiento como patrimonio cultural inmaterial y sus riesgos, pero sobre todo pretende contribuir a la preservación y dinamización de la identidad cultural de las comu-nidades indígenas Kaamash-Hu y Mokaná.

Este artículo propone una sistematización de las modalidades de transgresión hacia la concepción de máquina hegemónica, implementadas por obras latinoamericanas contemporáneas que se valen de tecnologías electrónicas. A través de los enfoques de la filosofía de la técnica y la historia y teoría del arte, el artículo sugiere tres categorizaciones que permiten abordar dichas contravenciones: a) descajanegrización, b) desestabilización y c) desautomatización. Las transgresiones puestas en funcionamiento por los comportamientos de los dispositivos tecnológicos en el campo de las artes asimismo entrañan estrategias de desobedecimiento hacia las estructuras políticas dominantes.

El artículo analiza la evolución del pensamiento decolonial en el arte contemporáneo latinoamericano a través de dos exposiciones clave en Bogotá: "Estéticas Decoloniales" (2010) y "Haceres Decoloniales" (2015). La investigación identifica tres cambios fundamentales: el paso de la enunciación curatorial a la artística, la formación de un discurso específico sobre estéticas decoloniales, y la legitimación disciplinaria de estas perspectivas. El texto examina cómo la institucionalización del discurso decolonial presenta tanto oportunidades como riesgos, incluyendo la posible neutralización de su potencial crítico al ser incorporado en las lógicas museísticas dominantes. El artículo concluye planteando interrogantes sobre las posibilidades reales de descolonizar las instituciones artísticas y construir una transmodernidad efectiva

Una perspectiva decolonial nos permite comprender ue, en el largo trayecto de la modernidad/colonialidad, las artes han sido un espacio de agencia y disputa en la construcción de significados, identidades y sensibilidades. Como tal, han estado atravesadas por cada una de las dimensiones del patrón colonial –racista y patriarcal– del poder que controla el conocimiento, la autoridad, la economía, la subjetividad, el género, la naturaleza, así como la sensibilidad y sus productos. Desde esta perspectiva, entender cómo funciona la colonialidad y cuáles han sido y están siendo las respuestas a la opresión, racialización y clasificación social, dentro y más allá del campo de las artes, son tareas urgentes y complementarias.

En este artículo se explora la relación entre arte, estética y colonialidad, cuestionando la universalidad de conceptos como "arte" y "belleza" desde una perspectiva decolonial. Se argumenta que estos términos, consolidados en el siglo XVIII europeo, surgieron de procesos históricos que destituyeron vocabularios y prácticas de otras civilizaciones. Del Renacimiento a la Ilustración se transformó el hacer humano, pasando de la habilidad técnica (ars) y la poética (mimesis) hacia la disciplina estética y la noción de genio creador individual. Así, la estética moderna excluyó prácticas como la artesanía y conocimientos no occidentales. El autor propone la reconstitución gnoseológica y aesthésica para recuperar saberes y sensibilidades destituidos por la modernidad/colonialidad. Conceptos como "obra de arte" y "belleza" se construyeron en Europa, ignorando las tradiciones de otras culturas. Además, de criticar el uso anacrónico de términos occidentales para describir el arte de civilizaciones como la china o la azteca, perpetuando la colonialidad del poder, se abre la posibilidad para la desobediencia epistémica y estética. Esta opción decolonial permite entender cómo los conceptos actuales llegaron a ser, liberándonos de las imposiciones universalizantes del eurocentrismo y valorando la diversalidad de culturas, haceres y temporalidades.

En este texto se reflexiona en torno a la quincuagésima quinta cohorte de trabajos de grado del proyecto curricular de Artes Plásticas y Visuales de la Facultad de Artes ASAB, de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Se identifican puntos de convergencia y diálogos entre las 19 propuestas que hacen parte de “Tramas narrativas: del adentro al afuera”. Así, se establecen ejes comunes desde lo conceptual y lo formal, como la memoria entre lo público y lo privado, el amor, el duelo, los cuerpos disidentes, la materialidad en tránsito de las obras y en general el espíritu que se encuentra presente y se hace común entre las obras de los artistas participantes. Del adentro al afuera, se establece como hilo conductor para articular dichas reflexiones individuales que se expanden a un colectivo de diversas índoles.

Los Estudios Artísticos se proponen contribuir al buen vivir de las personas, como un modo integrador y relacional de vida. El buen vivir es concebido por las comunidades ancestrales andinas, pero no se restringe a ellas; como proyecto es el resultado de la inteligencia colectiva conformada por indígenas, afrodescendientes, mestizos, mujeres, estudiantes,artistas, trabajadores, académicos y muchos más. Ellos, han tomado conciencia histórica de su condición colonial, de las marcas de la biopolítica y la necropolítica, que son formas perversas y seductoras de poner la vida al servicio del capital.

Este trabajo da cuenta del proyecto de investigación “Miradas decoloniales en torno a los estudios de las danzas folklóricas y sus pedagogías” llevado adelante en el marco del programa Colmenas del departamento de Folklore, Universidad Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina. Este programa presenta la característica de promover el armado de equipos de investigación interclaustro, lo que permite el trabajo colectivo y colaborativo, en la formación de futuros investigadores y docentes. Este proyecto pretende realizar un balance y reflexión en torno a los estudios y pedagogías de las danzas folklóricas argentinas, en el contexto académico. En primera instancia, la propuesta explora el recorrido de criterios teóricos y su vinculación con procesos históricos y socioculturales en el Departamento de Folklore. Luego se enuncian una serie de fortalezas y debilidades vincula[1]das a aspectos metodológicos de sistematización y prácticas pedagógicas con relación al repertorio de danzas folklóricas. Ante ello, se esbozan algunos desafíos en clave decolonial que permitan generar saberes en contextos situados y su abordaje en el campo de la investigación en artes en consonancia con una mayor vigilancia crítica respecto al campo de estudio