Este artigo pretende examinar os retratos produzidos pela fotógrafa e cineasta feminista argentina Eleonora Ghioldi (1972, Buenos Aires) como formas de denúncia e resistência à violência de gênero, abordando também questões de interseccionalidade e colaboração em seus três principais projetos: Guerreras, Atravesadxs e Aborto Legal Ya!. Guerreras teve início em 2011, a partir de diálogos entre Ghioldi e suas amigas sobre vivências de violência, e ao longo dos anos expandiu-se para incluir relatos de mulheres cis e trans de diversas idades e origens raciais. Atravesadxs surgiu da aproximação da artista com Gustavo Melmann, pai de Natalia Melmann, vítima de feminicídio em 2001, e hoje reúne mais de 70 depoimentos de familiares e amigos de mulheres assassinadas. Já Aborto Legal Ya! documenta a luta pela legalização e preservação do aborto na Argentina, abordando o tema a partir de múltiplas perspectivas, incluindo saúde pública e questões intergeracionais. Os trabalhos consistem em retratos acompanhados de testemunhos, exibidos em larga escala em espaços públicos e institucionais, além de um curta-metragem. A análise fundamenta-se na pesquisa de Emma Lewis (2021) sobre a fotografia e os retratos a partir de uma perspectiva feminista e ativista, Dominique Baqué (2009) sobre representações da violência na fotografia e na arte engajada, e nos estudos de Rita Segato (2020) sobre as estruturas da violência de gênero. Nosso embasamento teórico também é informado pelos escritos de Verónica Gago (2020) acerca da articulação feminista na América Latina, e Judith Butler (2016) sobre vulnerabilidade, resistência e redes de solidariedade, além de contribuições teóricas do livro Transfeminismo o barbarie (2022).

Este é um ensaio visual analógico em filme 120mm de retratos de mestres da cultura popular no Cariri. Para ele, foram registrados: o Mestre Chico Alagoano (de fotografia lambe-lambe); o Mestre Nena, bacamarteiro; o Mestre Antônio Matheus do Reisado dos Irmãos; a Dona Maria, antiga parteira do Horto. As mesmas fotografias foram refeitas artesanalmente em forma de foto-pintura, com impressão em papel fotográfico com sais de prata, pintura a pastel e pigmentos líquidos, por dois foto-pintores, os últimos do Ceará: Mestre Júlio e Mestre Mirialdo. Nesse processo de entendimento do trabalho de retrato no interior do Ceará, com a presença de dois foto-pintores diferentes, é possível estabelecer a pluralidade do ofício na região. O registro desse processo visa não somente demonstrar a técnica, como desconstruir um imaginário de “fazedores de boneco”, que se disseminou sobre a foto-pintura nordestina. Mestre Júlio e Mestre Mirialdo, ao pintarem as mesmas fotografias dos mestres da cultura popular, desenvolvem técnicas diferentes, possibilitando, de forma rara nos dias atuais, uma análise comparada desse tipo de trabalho. É possível notar o refinamento do trabalho dos dois, em uma forma de produção complexa que é a foto-pintura, onde se pinta todo o retrato a partir de impressões a preto e branco do rosto do cliente. O presente ensaio pretende chamar a atenção de quem vê essas imagens de forma a se interessar mais pelo assunto.

Este artigo analisa a série de fotografias History Portraits (Retratos Históricos), criada por Cindy Sherman nos anos 1988–1990, com o objetivo de compreender melhor as estratégias utilizadas pela artista americana para produzir imagens que podem ser entendidas como uma crítica ao sistema de representação canônico imposto por instituições consagradas, como as escolas de artes e os museus. Sherman entende que esse sistema não é formado por imagens “naturais” ou “inocentes”, mas por figuras idealizadas que têm influenciado a identidade da cultura ocidental há séculos. Nesse texto será usado como referência o conceito desenvolvido por Shearer West (2004) de que um “retrato” é uma importante forma de representação cultural, capaz de expressar o caráter, a personalidade, a posição social, a profissão, a idade e o gênero do modelo. Foram utilizados como ferramentas analíticas os conceitos de “retrato” (West, 2004), “grotesco” (Bakhtin, 1965/2010; Kayser, 1957/2013), “identidade” (Butler, 1990/2017; Giddens, 1999/2002; Hall, 1996/2006) e a compreensão da arte a partir da perspectiva de Danto (2003/2015a, 1986/2015b). Para analisar esses retratos, foi utilizado um método que parte dos parâmetros definidos por Erwin Panofsky (1955/2002) e define basicamente dois momentos: um em que predomina a análise comparativa e outro em que predomina uma síntese interpretativa. Por meio dessas análises, percebeu-se que Sherman utiliza o grotesco nas fotografias dessa série como um recurso retórico para questionar os estereótipos veiculados por imagens consagradas pela história da arte.

Este estudo investiga um grupo de roupas projetadas para serem modificadas e adaptadas pelo usuário, denominadas “reconfiguráveis”. A pesquisa, de natureza bibliográfica, identificou e analisou as características de diferentes tipos de roupas reconfiguráveis (reversíveis, modulares, transformáveis e tecnológicas), estabelecendo comparações com os conceitos de “modularidade” elencados por Pine (1992/1994), e com a exposição de exemplos de estilistas e marcas que utilizaram esta abordagem, seja como uma abordagem permanente ou como peças avulsas. Hussein Chalayan, Arket, Osklen, Adidas, Cukovy e Cointel são alguns exemplos de marcas e estilistas. Os resultados indicam que a reconfiguração, além de permitir a criação de peças versáteis e personalizadas, contribui para a construção de um guarda-roupa mais duradouro e, portanto, mais sustentável. Ou seja, esta abordagem permite que a roupa seja mais valorizada pelo usuário. A interação do usuário com as peças é fundamental para a sua transformação, o que promove uma relação mais próxima entre a pessoa e suas roupas, fortalecendo esse vínculo. A análise do termo "reconfiguração" revela sua importância para designar um processo de mudança e adaptação. O objetivo deste estudo é conceituar e classificar os tipos de roupas reconfiguráveis, de modo a justificar a denominação proposta. Ademais, revela sua importância para a moda circular e adaptável. O prefixo "re-" sugere a ideia de renovação e circularidade, estando intrinsecamente ligado às quatro práticas necessárias da moda sustentável: repensar, reduzir, reutilizar e reciclar.

Este estudo visa apresentar a articulação entre uma proposta de taxonomia figital com a metodologia a/r/cográfica, oferecendo assim um quadro metodológico integrado para analisar e orientar práticas artísticas híbridas contemporâneas. Nos últimos anos, a criação artística contemporânea tem sido marcada pela fusão entre o tangível e o virtual, fenómeno designado por “figital”. Este conceito descreve como elementos físicos e digitais se interligam, redefinindo processos de produção, fruição e interação com a arte. A taxonomia figital, ora apresentada, permite mapear novos territórios híbridos e avaliar detalhadamente a simbiose entre o plano material, incluindo os aparatos tecnológicos, e o plano virtual ou digital, resultante da execução de código ou reprodução de média digitais. Por sua vez, a metodologia a/r/cográfica estrutura o processo criativo em três eixos essenciais: estética (cognição, emoções e sensações despertadas pela obra), aptidão (competências técnicas e concetuais evidenciadas) e função (impacto sociocultural e comunicativo da obra). A obra Texel2048Loom, desenvolvida neste âmbito pelo primeiro autor deste estudo, permite ilustrar a abordagem aqui proposta. Este texto evidencia ainda a necessidade de ajustes adicionais, particularmente nas dimensões éticas, culturais e multissensoriais, oferecendo contribuições claras para futuras investigações e práticas na arte pós-digital.

Este trabalho tem como objetivo analisar o cenário clubber e sua relação com a moda nas cidades de São Paulo e Rio de Janeiro, a partir de uma abordagem comparativa. A pesquisa busca compreender os principais eventos voltados à cena clubber no eixo Rio-São Paulo e investigar como seus frequentadores se relacionam com a moda e com a própria cultura clubber, tendo como base teórica o conceito de “neotribalismo”. As referências centrais utilizadas são os estudos de Maffesoli (1988/2000), Bourdieu (1991/2001), Thornton (1995) e Barthes (1967/1979), que contribuem para entender os processos simbólicos, sociais e estéticos envolvidos. Para alcançar os objetivos propostos, foram adotados três métodos de pesquisa: observação participante, entrevistas em profundidade e aplicação de survey. A análise dos dados obtidos revela que a moda exerce um papel fundamental na construção da identidade clubber, funcionando como linguagem estética e social. A cena clubber se apresenta como um espaço de experimentação, transgressão e constante reinvenção. Além disso, destaca-se a forma como seus signos e símbolos são apropriados e resignificados pelo mercado, evidenciando uma dinâmica de fagocitação capitalista. Assim, o estudo aponta para a complexidade das relações entre estilo, pertencimento e consumo no contexto contemporâneo das culturas urbanas.

Este trabalho apresenta o setor da moda, com foco na sua adaptação e reconfiguração, como expressão social, cultural e artística, durante a conjuntura pandémica da COVID-19, que se instalou e se propagou pelo mundo a partir do ano de 2019. Na sua essência multidisciplinar e sob diversas perspetivas, a moda promove a criatividade, através de uma linguagem rica em significações com novas formas de comunicação e de conectividade, refletindo-se no design, na publicidade e no marketing. Os objetivos desta pesquisa passam, primeiramente, pela identificação das diversas estratégias utilizadas na adaptação do setor à comunidade perante uma crise de saúde pública; de seguida, pela análise e pelo reconhecimento do impacto que a apropriação do objeto-máscara medicinal teve na moda, em contexto da pandemia da COVID-19; posteriormente, a identificação dos diferentes tipos de produções da máscara, após a sua apropriação pela moda; e, por fim, o reconhecimento dos estatutos simbólicos que o objeto-máscara adquire, após a sua apropriação e ressignificação pela moda. Para esta análise é utilizada uma abordagem qualitativa, combinada com a revisão de artigos científicos, relatórios de mercado e entrevistas publicadas de profissionais da área da indústria da moda. Este estudo pretende contribuir para a apresentação e explicação de estratégias de comunicação em moda, realçando a capacidade de adaptabilidade do setor. Da mesma forma, a investigação enriquece os processos da semiótica da moda, propondo uma categorização de diferentes tipos de produções, assim como os estatutos simbólicos que o objeto-máscara adquire.

O artigo analisa as duas primeiras faixas do álbum visual Nordeste Futurista da artista Luana Flores, explorando como a indumentária e a direção de arte são elementos fundamentais da instauração do “futurista” que a narrativa da obra projeta no território, desafiando representações estereotipadas do Nordeste brasileiro. Através da lente da cosmotécnica (Hui, 2020), o estudo examina como a obra de Flores dissolve esteticamente a suposta oposição entre as tecnologias ancestrais e contemporâneas, em diálogo com culturas quilombolas e indígenas da região. A análise concentra-se na indumentária para tal, como elemento na construção de um discurso estético que desafia imaginários coloniais de subdesenvolvimento, também se apropriando do imaginário futurista do cinema de ficção científica clássica. Nesta investigação, a tecnologia do vestir é pensada como “cosmotécnica”, teoria proposta pelo filósofo Yuk Hui (2020): que se refere à tecnologia manifesta de diferentes formas, pois sempre surge e carrega embutida em si cosmologias e contextos específicos, questionando a visão de uma tecnologia única e universal, mais ou menos “avançada”. O artigo perpassa o uso de artefatos vestíveis como, por exemplo, óculos de realidade virtual, chapéus de palha trançada e tecidos como a chita, demonstrando como estes elementos carregam significados culturais e históricos, ao mesmo tempo que são ressignificados em um contexto “futurista”. A partir da quebra da neutralidade da colonialidade do ver (Barriendos, 2019), trazemos algumas representações visuais do Nordeste brasileiro, que foram historicamente distorcidas para justificar práticas de dominação. Ao trazer a estética do álbum visual Nordeste Futurista para análise, buscamos provocar uma ruptura com o imaginário estandardizado sobre a região Nordeste do Brasil, que dialoga com o imaginário subdesenvolvido da América Latina, enfatizando a potencialidade cultural local e a importância de reconhecermos cosmotécnicas indígenas e quilombolas no nosso cotidiano e na construção de futuros possíveis.