Películas recientes como La higuera de los bastardos (2017), Malnazidos (2020) y Tratamos demasiado bien a las mujeres (2024), todas ellas adaptaciones de novelas previas, ofrecen una visión cómico-grotesca de la Guerra Civil o la inmediata posguerra, alejada de los estándares realistas de su representación convencional. Aunque no sean obras que pretendan verdaderamente problematizar la memoria, la (pos)guerra no se emplea con mero marco ambiental. De hecho, su humorismo, percibido como «disparatado», parte de las referencias histórico-políticas del periodo. En consecuencia, para analizar sus posibles hallazgos y desajustes, este artículo analiza las transformaciones que realizan con respecto al material de partida.

Este artículo examina la representación del contexto histórico de la posguerra española y la representación femenina en dos adaptaciones televisivas: Lo que escondían sus ojos y La sonata del silencio. Desde una metodología cualitativa se aplica la lectura y visionado de ambos proyectos y el análisis de los temas. Las dos series buscan generar entretenimiento utilizando el pasado, pero sus formas de hacer memoria histórica son divergentes: en la primera la posguerra es solo un escenario lujoso para un melodrama de amor prohibido, mientras que en la segunda se intenta operar de una forma más sutil abordando diversas problemáticas sociales.

La controversia de Valladolid (1550-1) tuvo a Bartolomé de las Casas y Juan Ginés de Sepúlveda como protagonistas. Es uno de los más relevantes hitos en la discusión sobre las relaciones religiosas y de poder entre los conquistadores y los naturales del Nuevo Mundo llevado a cabo por los primeros. Más allá del mundo de los especialistas, este artículo toma como núcleo de su análisis la contribución de Jean-Claude Carrière, guionista de la película sobre aquel debate más utilizada en la docencia y autor de la novela más leída y el drama más representado en todo el mundo. Después de exponer un resumen de lo ocurrido en Valladolid, reviso el equipo de la película, para centrarme con posterioridad en sus contenidos y su correspondencia con la realidad. Finalizo señalando otras propuestas divulgativas sobre Las Casas y valorando el interés del cine, la novela y el teatro para el conocimiento histórico y para la actualidad de las relaciones interétnicas.

Este artículo se centra en establecer una relación entre la película Lisa Frankenstein (2024) de Zelda Williams y los elementos góticos de la canónica novela Frankenstein (1818) de Mary Shelley. Además, se examina la obra cinematográfica como una reformulación post-gótica feminista de la imagen del monstruo en la tradición del horror del cine coming of age, al explorar un conflicto de identidades fracturadas, marginalizadas y posthumanas. Para ello, se abordan los siguientes ejes fundamentales: el rol femenino en la ficción gótica, el monstruo como doble psíquico, la figura del abhumano y la reapropiación de la corporalidad en los feminismos materiales.

El terror es uno de los géneros más adaptados al formato audiovisual. Presenta, así, toda la casuística posible: desde las versiones más leales al original hasta aquellas que se distancian ostensiblemente de este, adhiriéndose a la visión particular de un director o guionista. En el artículo se hace un repaso de las adaptaciones de Jaume Balagueró de la literatura de terror: Los sin nombre (1999), Musa (2017) y Venus (2022). Entregado al arte de contar historias mediante la cámara, se explora de qué forma constituyen estas adaptaciones una aleación entre el material de partida y los temas y motivos recurrentes en el cine de Balagueró.

En noviembre de 2023 se estrenó en España la película Un amor de Isabel Coixet, basada en una novela de Sara Mesa publicada en 2020 por Anagrama. La película obtuvo gran éxito de crítica y público, pero no estuvo exenta de alguna controversia, principalmente por el turbio consentimiento sexual que plantea. Al trasvasar la novela al cine, Coixet tuvo que lidiar con lo que denominó dos “servidumbres”: las expectativas de parte de su público, lectores también de Sara Mesa, y la preocupación por no defraudar a la escritora aun afirmando su propia autoría. El artículo no valora la fidelidad de la adaptación, sino que propone un análisis de cómo ha logrado Coixet mantener un equilibrio entre todos estos factores. Para ello se vale, por un lado, de la incorporación de al menos dos intertextos, que añaden una densidad a la historia apenas percatada en la mayoría de las críticas que se han publicado sobre la película. Por otro lado, la puesta en escena y la focalización, las localizaciones, los actores y su interpretación, además de los matices que imprime a ciertos personajes y cómo influye todo ello en la recepción del relato.

The Iranian film Jodaeiye Nader az Simin (A Separation, 2011), directed by Asghar Farhadi, marked a milestone by winning the Academy Award for Best Foreign Language Film in 2012, in addition to a nomination for Best Original Screenplay. This article argues that the film evokes structural and thematic elements of Greek tragedy, particularly Sophocles’ Oedipus the King (429 BC). From this classical perspective, it explores how Farhadi’s narrative strategy recreates essential motifs: the hero’s downfall, the tragic flaw, dramatic irony, the quest for truth, and final catharsis, thus revealing the enduring relevance of the tragic model in contemporary cinema.

Este trabajo analiza desde un punto de vista formal e ideológico el proceso de adaptación de las novelas de Emili Teixidor al cine por parte de Agustí Villaronga, que da como resultado la película Pa negre (2010). Se divide en dos bloques: en el primero, se explicitan los cambios técnicos efectuados y sus implicaciones internas; en el segundo, se examinan los cambios más llamativos adoptando una perspectiva ideológica, esto es, en relación con el momento de producción de la adaptación y subrayando los efectos ideológicos de visionado de la obra nueva.

La historia del maestro Antoni Benaiges, represaliado en los primeros días del alzamiento militar contra la Segunda República en 1936, fue descubierta por el fotógrafo Sergi Bernal en 2010. Desde entonces, se han realizado múltiples creaciones de la historia El maestro que prometió el mar en una suerte de adaptaciones y trasvases narrativos que van desde la fotografía a la investigación histórica, los facsímiles, la novela, la biografía, el teatro, el cine —documental y de ficción— la novela gráfica o la música. Lo que aquí proponemos es analizar cómo la recuperación de la memoria histórica a partir de la creación cultural se hace relevante en el contexto contemporáneo.