Neste artigo apresentamos as convergências temáticas existentes em duas obras representativas do compositor Cláudio Santoro: Canto de amor e paz e a Sinfonia 4 “sinfonia da paz”. As peças foram escritas durante o período em que o compositor esteve influenciado pela estética do realismo socialista, no início da década de 1950. As temáticas convergentes se referem a aspectos ideológicos e musicais. O uso da ideia da paz, presente nos títulos das peças e no programa da sinfonia, atua como conteúdo extramusical e está relacionado ao significado que o termo possuía nos meios socialistas ao qual Santoro pertencia. Por outro lado, as obras também apresentam grandes similaridades entre os conteúdos melódicos empregados na construção dos temas principais das duas peças. Concluímos que Santoro utilizou um mesmo tema, embora tenha sido tratado de maneira diferenciada em cada uma delas.

Este trabalho propõe uma reflexão sobre a expansão das técnicas estendidas durante a história do trompete, empregando como fio condutor a interação entre o intérprete/compositor e intérprete/construtor de instrumento. Para isso foram coletados dados históricos dessas relações, realizados por meio de levantamento bibliográfico e de entrevistas com solistas nacionais e internacionais da atualidade com o objetivo de demostrar a trajetória do desenvolvimento das técnicas estendidas no trompete.

This article examines less conventional approaches in piano performance and their potential to expand the performer’s creative space through techniques such as arpeggiation, rhythmic asynchrony, body language communication, and experimental pedalling—all drawn from historical performance practices. Using Schubert’s piano works as a foundation, the study integrates insights from historical treatises, the author’s critical commentary, and practical experimentation, with key findings illustrated through video demonstrations. In exploring alternatives to conventional music performance paradigms, the article articulates a historically informed perspective that foregrounds creative agency and encourages performers to develop their creative voices through expanded interpretive possibilities.

Este trabalho teve como objetivo investigar os processos de significação potencialmente suscitados pela canção argentina Alfonsina y el mar em três momentos: 1969, no álbum Mujeres argentinas, de Mercedes Sosa; 1982, no álbum Corpo e Alma, de Simone e 2010, no DVD Cantos e contos, de Zizi Possi. Realizou-se um processo de revisão bibliográfica tratando da ascensão de um tipo de música popular de raízes folclóricas na Argentina, dando subsídios à análise da canção de Ariel Ramírez e Félix Luna. Em seguida, foram analisados os arranjos brasileiros cotejando questões musicais e de performance com os contextos político e cultural do país. Concluiu-se que a versão de Simone pode ser lida como uma forma de vínculo do campo da MPB com movimentos latino-americanos da canção de protesto, diferentemente do arranjo interpretado por Zizi Possi, fruto de um momento histórico em que a própria MPB não se mostrava mais explicitamente engajada politicamente.

Este estudo mostra a indissociabilidade entre o ruído e as condições materiais de sua produção. Primeiramente, sugere-se que a percepção do ruído é coetânea à aquisição das capacidades da linguagem e da música. A seguir, discute-se o impacto do cenário industrial moderno na paisagem sonora e sua influência na percepção dos ruídos. Após isso, indica-se que questões de temperamento e afinação musical, que surgem para evitar sons indesejados – ruídos -, são indissociáveis da materialidade subjacente ao contexto acústico. Assim que condições materiais e perceptuais permitiram a integração do ruído na música ou a sua utilização em artes sonoras não-musicais, o ruído passa a adquirir uma significação distinta daquela subdeterminada pela linguagem e pela música. Evidencia-se assim a diversidade de modos em que o ruído foi considerado, razão pela qual torna-se imperioso examiná-lo à luz de condições materiais e perceptivas.

Este artigo traça conexões e linhas de continuidade entre a história do chamado “associativismo negro popular”, a história das escolas de samba e a história da música popular no Rio de Janeiro, utilizando como fontes centrais entrevistas de musicistas negros oriundas do acervo do Museu da Imagem e do Som do Rio de Janeiro e tendo como recorte temporal aproximado o período entre 1900 e 1930. O foco não está nas minúcias desse período, mas nos elementos político-culturais duradouros e na dinâmica de interação social das comunidades negras, que conectam em um mesmo processo esses três ramos da história brasileira. O artigo põe em evidência uma série de valores culturais, sociais e políticos que constituem a história musical dessas comunidades como uma história de “militância” e desafiam os cenários, a cronologia e os problemas usuais do campo da “história da música popular brasileira”

Na década de 1960, o rock esteve profundamente ligado à contracultura, permitindo que músicos explorassem novas formas sonoras e visuais em um ambiente aberto à experimentação. Nesse contexto, muitas bandas dialogaram com a pop art, tanto na Inglaterra quanto nos Estados Unidos. Este artigo analisa essas interações a partir das obras dos Beatles e de David Bowie, artistas que emergiram do underground e se conectaram com a estética pop em diferentes momentos. Destacamos a singularidade da pop art inglesa nas colagens presentes na produção dos Beatles entre 1967 e 1969, e o minimalismo da vertente norte-americana nas obras de Bowie durante a década de 1970. Haja vista que essas vertentes são comumente entendidas como sendo unívocas, buscamos contribuir para um debate mais amplo a respeito dos aspectos de produção da arte e do rock dos anos 1960-70, ressaltando as possibilidades inauguradas a partir do diálogo entres tais mídias.

Theorists define false relation as an incongruent pair of pitches occurring in different voices that imply a relationship of chromatic alteration. It is the lack of relationship between these pitches, however, that affords its name. Theorists have alternatively referred to this compositional device as cross relations (simultaneous/non-simultaneous), non-harmonic relationships, and “English clash”. This article addresses the terminological inconsistencies and relative vagueness of definition regarding this compositional device. Although theoretically rendered today, the term has a rhetorical/diegetic significance within the musica poetica tradition (parrhesia; licentia), according to documentation from the Cinquecento/Seicento. In identifying fundamental differences between variants of the chromatic false relation that these terms collectively denote in dialogue with regular modulations, this article makes a conceptual distinction between modes of false relations stemming from novel analytical terminology: synchronous/asynchronous, direct/indirect, etc. The article concludes with explanatory analyses of William Byrd’s Ne irascaris domine and Orlando Gibbons’s The Silver Swanne.

Este artigo apresenta a escuta como parte de uma metodologia feminista e decolonial, que também discute a produção e a criação sonora, e apresenta os diálogos e os diários criativos como ferramentas de processo. A partir de bell hooks e Suely Rolnik, entre outras, a ideia de escuta emerge como algo sensível e relacional, incentivando a invenção de mundos e a pulsão vital.

O Movimento das Mulheres Sambistas (RJ) e o Coletivo Mulheres no Samba (SE) são duas experiências gregárias que, em diferentes lugares do país, se dedicam ao desenvolvimento e promoção das potencialidades femininas no samba. A partir da análise das trajetórias e dos modos de vivência coletiva das organizações, o artigo investiga como incidem no campo das políticas culturais buscando melhores possibilidades de atuação profissional. Considerando a perspectiva feminista negra interseccional, ressaltamos como raça, classe, gênero, idade e pertença territorial influenciam as possibilidades de aglutinação e as posições sociais das sambistas no mundo do trabalho. Com ênfase ao estudo do quadriênio 2020 e 2024, percebemos que a coletividade favorece que as mulheres do samba se reconheçam como trabalhadoras da música e como agentes políticas no campo da cultura.