O presente ensaio apresenta os resultados de um estudo de caso desenvolvido na disciplina de Artes Visuais e Grafismo Infantil, ofertada para a segunda fase do curso de Licenciatura em Artes Visuais, da Universidade do Estado de Santa Catarina (UDESC), em 2025. O texto reflete como diferentes proposições influenciam a produção gráfica de uma criança de 10 anos, evidenciando os contrastes entre esquemas habituais do desenho infantil e processos mais cautelosos de observação e experimentação. A discussão é permeada pelos conceitos de coletas e de cena pedagógica, compreendidos como práticas organizacionais que articulam a percepção e experiência estética dos materiais, em diálogo com Cunha (2021), Silva (2017; 2022), Lima e Lampert (2023), e Albers (2006).

O presente texto apresenta o contexto em que se deu a Residência Artísticopedagógica da artista professora Carla Beatriz Franco Ruschmann, a qual ocorreu na Universidade do Estado de Santa Catarina (UDESC), dentro do projeto idealizado pelo Programa de Extensão Estúdio de Pintura Apotheke. No segundo semestre de 2025, a professora acompanhou as disciplinas de Processos Pictóricos (DAV/CEART/UDESC) e participou do Grupo de Estudos do Estúdio de Pintura Apotheke, onde propôs a realização de uma pintura coletiva, composta por 25 telas, desenvolvida a partir de um exercício de Josef Albers (2009), base teórica dos encontros realizados. Para além deste referencial, a produção também se ancorou no trabalho artístico da professora convidada, o qual versa sobre a arte geométrica e se dispõe a pensar em que outras formas e organizações a pintura pode tomar. Dessa forma, o projeto coletivo desenvolvido buscou articular maneiras de se pensar junto o processo pictórico com aquilo que já vinha sendo estudado no grupo, a partir disso experimentando outras maneiras de organizar e experienciar a pintura.

Esta pesquisa pretende abordar os preceitos e o funcionamento do grupo de extensão Pintura e Afins, que atua como espaço de estudo, prática e reflexão em torno da pintura contemporânea. Vinculado à Universidade Estadual do Paraná, Campus de Curitiba I/EMBAP, defende a ideia de que o ateliê coletivo é um lugar de produção e circulação de obras, em processo ou finalizadas, além de um campo de discussão e reflexão teórica que contribui para a produção individual. Ao longo do texto, são apresentados trabalhos e depoimentos de alguns de seus integrantes, evidenciando como essa experiência fortalece o fazer artístico e abre caminhos para novas pesquisas. Os estudos teóricos de Barry Schwabsky e David Salle, aliados às conversas em torno do processo criativo, consolidam tanto a prática individual quanto a coletiva, estabelecendo relações de troca mais amplas com a produção artística contemporânea.

Esta pesquisa investiga processos artísticos e materiais, explorando técnicas de extração de corantes e pigmentos naturais para produções autorais em pintura e instalação, apresentadas ao final do artigo. A coleta de fontes vegetais e minerais dialoga com a vivência do artista no território, evidenciando seus deslocamentos e percursos por fontes diversas, desde a cor das terras, visíveis nas paisagens, passando por jardins, hortas, parques e mercados, até as minas de extração em grande escala. A cidade — ou cada lugar em que se vive, seja por um breve período ou por toda uma vida — torna-se ateliê, laboratório da cor, ponto de partida para a experiência pictórica. Nas transformações cromáticas, também é possível revisitar dimensões culturais, históricas e políticas, que revelam como a produção das tintas acompanha as mudanças sociais e tecnológicas ao longo do tempo. Nesse sentido, o uso de matérias-primas naturais abre espaço para a construção de paletas mais pessoais, abertas a desvios criativos, que fortalecem a autonomia em relação a insumos importados e ampliam as possibilidades de estudo na arte contemporânea.

O presente artigo analisa a formação inicial de professores de Artes Visuais a partir do conceito de profartistar, entendido como ação pedagógico-artística que transforma a docência em expressão estética. O estudo fundamenta-se na A/R/Tografia e na perspectiva da sala de aula como obra de arte, em diálogo com autores como Mendes (2019), Rodeghiero (2019) e Freire (2006). O profartistar é apresentado como prática que integra arte, vida e educação, por meio de experimentações e vivências estéticas, capazes de sensibilizar corpos em formação e potencializar processos de ensino-aprendizagem mais críticos, reflexivos e afetivos. A metodologia adotada constituiu-se em proposições pedagógicas desenvolvidas durante estágio docente no curso de Licenciatura em Artes Visuais da Universidade Federal de Pelotas. As ações envolveram a criação de mosaicos coletivos em espaços urbanos e o uso de diários de bordo, permitindo que os estudantes registrassem percepções e sentidos emergentes das práticas. A análise dos registros revelou a relevância das experiências estéticas para a construção de significados singulares e coletivos, despertando afetos, memórias e reflexões sobre a docência, a arte e a vida. Os resultados apontam que o profartistar favorece a formação sensível de futuros professores, promovendo uma educação que vai além da mera transmissão de conteúdos, estimulando a criatividade, a crítica e a valorização da experiência como saber formativo. Conclui-se que essa abordagem contribui para a constituição de educadores capazes de articular arte e vida em suas práticas, potencializando a sala de aula como espaço de acontecimento, transformação e resistência frente aos desafios contemporâneos.

Esta cartografia investiga a relação entre o espaço da casa que também é ateliê e o processo criativo de artistas que compartilham, nesse mesmo ambiente, suas experiências de moradia e de trabalho artístico, denominado aqui como “casa-ateliê”. Foram entrevistadas as artistas catarinenses Celaine Refosco e Nara Guichon. Além de realizados registros fotográficos desses espaços, com o objetivo de compreender como os modos de habitar influenciam a produção artística e de que forma os limites entre vida cotidiana e prática artística se entrelaçam nesse contexto. Este estudo propõe refletir sobre como a casa oferece uma intimidade privilegiada para a construção da obra, e ao mesmo tempo, que pode surgir como uma solução motivada por necessidades econômicas. A casa-ateliê, por vezes, mescla suas formas e limites com a própria obra, e vice-versa, constituindo-se como um lugar de construção mútua, e não apenas como pano de fundo ou suporte funcional da produção artística.

Este artigo apresenta uma reflexão sobre a diferença entre visitar um ateliê e visitar sua recriação dentro de um museu e entre ver uma obra no ateliê do artista e em vivenciá-la em um espaço museológico. Tem como ponto de partida a transposição de três ateliês de artistas em espaços museológicos: o ateliê de Piet Mondrian, na 22a Bienal de São Paulo, em 1994; o ateliê de Jackson Pollock, no MoMA, em Nova York, na ocasião de sua mostra retrospectiva, em 1998; e o ateliê de Francis Bacon, em The Hugh Lane Gallery, em Dublin, aberto ao público em 2001. O texto também traça algumas observações sobre mudanças que o espaço onde o artista trabalha sofreu com o tempo, no ocidente, desde o Renascimento, e como isso é representado pelos termos mais utilizados hoje: ateliê, que remete às oficinas de marcenaria, espaços abertos a visitantes e povoados de aprendizes e ajudantes e estúdio, originalmente um local reservado e dedicado ao estudo.

Este artigo traz alguns vestígios deixados por derivas cartográficas oriundas de encontros ocorridos em um quintal, o qual é compreendido como espaço de ateliê, tanto da artista quanto da professora, uma das autoras do texto. Na escrita, reverberam as sensações experimentadas naquele local, em contato com a terra e a natureza, trazendo práticas artísticas contemporâneas com o desenho, que criam linhas de conexões com a docência e, também, com a arte e a vida. Ao explorar os acontecimentos que se insinuam no quintal/ateliê e na percepção de seus imprevistos, busca-se trazer os possíveis desdobramentos para um ensino com o desenho, e não apenas sobre o desenho. Nesse sentido, o ensino com o desenho é compreendido como diferença, com autores como Gilles Deleuze e Félix Guattari, além de Ana Godoy e Tim Ingold, respectivamente, com os sentidos de deriva e de habitar. Por meio de deslocamentos como campo de experimentações, potencializa caminhos possíveis nos quais os processos de criação envolvidos no processo poético com o desenho tornam-se também um dispositivo de e para o seu ensino.

Este artigo apresenta um recorte da pesquisa de doutorado “Percursos Poéticos” (ECA/USP, 2017), que reúne entrevistas com os artistas contemporâneos Fabio Miguez (São Paulo, 1962) e Manuel Caeiro (Évora, 1975). As conversas, realizadas entre 2014 e 2016 em São Paulo e Lisboa, abordam procedimentos, materiais e reflexões sobre a pintura e a paisagem urbana. O projeto contou com apoio da CAPES e da Pró-Reitoria de Cultura e Extensão da USP. Não se trata de um estudo comparativo, mas de aproximações que revelam inquietações comuns em torno da cidade e da prática artística. A escolha dos artistas deriva da experiência do pesquisador e da afinidade com suas próprias questões. A cidade, suas paisagens e os processos intelectuais e materiais da produção artística são elementos partilhados, fazendo de São Paulo, Lisboa e outras cidades espaços de criação e experimentação.