The objective of the present research focuses on the exposition and analysis of the public auditions performed by the Official School of Sacred Music in Morelia, Michoacán, until before its first decade of foundation (1921-1929). The relevance of this knowledge today lies in its artistic representation in one of the schools of sacred music in Mexico. The methodology used was based on the interpretation of documents preserved in the Library Archive of the Conservatorio de la Rosas. Finally, the premiere of a series of Michoacan works that deserve to be integrated into the musical repertoire of world heritage is verified.

This experimental study emerges from the need to have quantitative values that distinguish the complexity of learning and execution of the different elements of musical notation. Although the relationship between music and complexity is vast, there is not much information about complexity models and musical notation. Still, we managed to design a model that distinguishes Intrinsic Complexity in a group of Common Practice music notation elements. A first experiment, performed on a corpus of music education books (N = 64), allows us to build a basic set of music notation items, filtered from their huge set. This selection was organized by two variables: Ordinality and Preference, which is statistically significant to be included in a complexity measurement (Pearson correlation of -0.88; p < 0.001). With the help of a decision risk measurement calculus, we conducted a second experiment, where we constructed a new indicator based on the above variables. This, which we call the Relevance Indicator, assigns a different intrinsic complexity value for each musical notation element. Finally, it is important to emphasize that the relationship between statistics and music theory is far from having rigorous results, this text reports an approach from the simplest statistics and aims to be part of the integration between this and music theory.

During the 1990s, the band Los Caballeros de la Quema supported the fight for human rights, participating in activities organized by organizations such as the Mothers and Grandmothers of the Plaza de Mayo and CORREPI. With their reunion in 2017, the band once again participated in commemorative festivals and concerts. Addressing the links between rock and human rights organizations, this article seeks to analyze the bond and commitment the band has forged with the Mothers of the Plaza de Mayo and CORREPI, seeking common ground, changes, and ruptures. I ask myself: How have the links between the band and human rights organizations been reconfigured? What does support for human rights mean in different sociopolitical contexts? I believe that the band's actions have sought to intervene in the production of meaning, seeking to denaturalize some hegemonic ideas and position others; however, this involvement has been conditioned by the different sociopolitical contexts. To achieve the stated objectives, I conducted interviews and analyzed data published in various online sources (newspaper articles, websites, and social media). Participant observation at concerts (during the band's second period) also informed and analyzed the information. This article seeks to contribute to studies on art, culture, and human rights through an interdisciplinary approach that articulates the social studies of music and perspectives that address the social and political uses of art and culture.

Alfred Brendel holds a prominent place among the great pianists of the 20th and 21st centuries, being recognized not only for his acclaimed performances, but also for his significant contributions as a thinker, poet, and lecturer. This paper aims to share a question-and-answer session between Alfred Brendel and Óscar Caravaca, which took place during his lecture on January 31, 2018 in Mallorca, Spain. The reflections shared here illuminate the continuing tension between the performer's moral responsibility to honor the composer's intentions and the desire for personal artistic expression.

Estamos de acuerdo en que la creatividad es un fenómeno complejo que permea diferentes aspectos de nuestra vida. Los desarrollos conceptuales actuales sobre la creatividad apoyan la idea de que podemos ser creativos en diferentes campos como la vida cotidiana, el trabajo, la ciencia, la enseñanza y, por supuesto, las artes. La creatividad como proceso complejo implica la generación de ideas diversas y la construcción de objetos y productos novedosos. De estos acuerdos generales sobre los diversos campos donde la creatividad es posible, surge la necesidad de precisiones conceptuales. Intentaremos en el presente escrito arriesgar algunas posibles respuestas o al menos más preguntas sobre las relaciones creatividad, arte y transformación. En el artículo, abordamos modelos que integran diversas manifestaciones de creatividad e intentar conceptualizar este complejo constructo desde perspectivas dinámicas. A partir de las discusiones teóricas, y definiendo la creatividad como herramienta de desarrollo individual y social, intentamos hacer algunos aportes para generar innovaciones en contextos educativos formales y no formales.

Earworms, ou Imaginação Musical Involuntária (Involuntary Musical Imagery, InMI), constituem uma das formas mais difundidas da imaginação musical, designando a experiência mental espontânea com fragmentos musicais geralmente melódicos, familiares ao indivíduo e de maneira repetitiva. A terminologia InMI é imprecisa, pois pode englobar fenômenos diversos como obsessões ou alucinações, enquanto que earworms constituem uma experiência mais específica, cotidiana e não patológica, altamente prevalente, ainda que compreendida de forma incipiente. Este trabalho visa discutir (1) a literatura atual sobre o fenômeno, identificando consensos emergentes e pontos controversos, (2) certas limitações metodológicas, e (3) as interpretações generalistas correntes que associam a experiência a conceitos cognitivos correlatos. A partir de uma revisão narrativa das pesquisas teóricas e empíricas nos campos da cognição musical, psicologia e neurociências, os resultados mostram que tratar o fenômeno como mera rememoração involuntária valida alguns preditores intuitivos, como a exposição musical repetitiva e gatilhos associativos, mas obscurece nuances mnemônicas específicas à cognição musical. O artigo contribui para o entendimento interdisciplinar dos earworms, oferecendo insights sobre sua natureza enquanto uma manifestação cotidiana da musicalidade humana, indicando a existência de alguma especificidade cognitiva musical para a compreensão do fenômeno.

La escucha musical ha sido analizada por sus efectos positivos en la vida individual y social del individuo. Tal escucha está asociada con patrones neurofisiológicos complejos, los cuales se relacionan con estilos cognitivos. Se han desarrollado instrumentos para identificar dichos estilos en estudiantes de educación superior angloparlantes, pero no con hispanohablantes, por lo que en este trabajo se reporta la adaptación al español del Music-Empathizing-Systemizing (ME-MS) Inventory debido a que permite identificar dos estilos cognitivos de la escucha musical. Se trabajó con muestras de estudiantes de educación superior de diversas licenciaturas de una universidad pública Los análisis estadísticos de la segunda y tercera fase del reporte muestran datos adecuados para considerar que la adaptación del instrumento al español resulta apropiada

La obra Lo que nos va dejando de M. Etkin se caracteriza por la restricción de los medios expresivos lo que permite examinar en profundidad los aspectos esenciales de su estructura. En ésta, se manifiestan las preocupaciones estéticas y técnicas centrales del compositor: la repetición mínimamente variada, la configuración modular de los materiales, la centralidad del timbre y las resonancias, todos ellos elementos fundantes de su concepción antiorganicista de la forma musical. Nuestro trabajo agrega el descubrimiento de un fino encadenamiento rítmico de naturaleza lineal que es analizado y descripto a lo largo de toda la pieza. En ese marco general, proponemos que la obra puede entenderse como el resultado de la tensión entre esos dos polos: el típico antiorganicista, por un lado, y el lineal (organicista en última instancia), por el otro.

Este artigo tem como objetivo interpretar, sob uma perspectiva histórica, a trajetória da Banda Luiz Gonzaga, fundada em 1991 em uma escola municipal de Teresina, Piauí. Analisamos a criação da banda, sua consolidação e a formação musical de seus integrantes, com base na História Cultural de Burke (2005). Adotamos uma abordagem da História do Tempo Presente segundo Chartier (2006) e Scocuglia (2007), utilizando a História Oral com entrevistas semiestruturadas para coletar dados sobre o grupo. Entrevistamos professores e diretores da banda, cujas histórias foram arquivadas no acervo digital do NEHEMus da Universidade Federal do Piauí (UFPI). Ressaltamos que a formação musical inicia-se com aulas teóricas, seguidas de prática instrumental, promovendo a socialização e até dois alunos. Concluímos que a Banda Luiz Gonzaga desempenha um papel significativo na formação musical e social dos jovens da periferia de Teresina, capital do Nordeste do Brasil, apesar de possuir recursos limitados.

La propuesta de Gilles Deleuze para la música de Hacer audibles fuerzas que en sí mismas no lo son encuentra como fuerza privilegiada al tiempo mismo, un tiempo ya definido por Bergson cómo heterogeneidad y que se dispone no sólo para nuestra conciencia, sino también para nuestros sentidos. Es así como, en cuanto la música se despliega para la sensibilidad en el tiempo de la conciencia, la experiencia musical se alza como territorio privilegiado para conocer cómo se produce la configuración del tiempo psicológico. Intentando develar los aspectos de la música que modelan el tiempo de la conciencia se abordará la relación establecida por Heidegger entre tiempo y técnica, dos modos de sacar de lo oculto.