Chanter hors piste / Singing off the Grid de Kathy Kennedy / Avant-Garde on Record: Musical Responses to Stereos de Jonathan Goldman. Un article de la revue Circuit (Oralités) diffusée par la plateforme Érudit.

Cet article examine le rôle jusqu’alors non reconnu joué par les expérimentateurs américains dans l’histoire de la musique spectrale, en considérant les relations entre Edgard Varèse, John Cage, Morton Feldman et James Tenney, et qu’ils entretenaient avec Jean-Claude Risset, François Bayle, Hugues Dufourt et Gérard Grisey. L’exploration historiographique, qui s’appuie sur une correspondance inédite, suggère que l’attitude spectrale est apparue simultanément des deux côtés de l’Atlantique dans les années 1970, à partir de sources et de géniteurs communs ; son émergence peut être attribuée en partie à l’étendue de l’influence de Varèse, qui a été bien démontrée, ainsi qu’à la portée des innovations de Tenney, qui ne l’a pas été. L’influence de Feldman, largement absente des études antérieures sur Tenney et la musique spectrale, est réexaminée. Malgré leurs points de vue communs sur la musique, c’est Feldman qui a ardemment défendu la reconnaissance d’une tradition musicale expérimentale désormais indissociable de l’Europe ou de l’Amérique. Si Tenney partageait en privé la position de Feldman, il a finalement adopté une position isolationniste, occultant cette histoire.

Dans cet article, nous proposons une analyse de Simulacra (2022) pour violoncelle solo et orchestre d’Amy Brandon à travers le prisme de la pensée du sociologue français Jean Baudrillard, dont l’ouvrage Simulacres et simulations a inspiré la composition de l’oeuvre. Nous nous intéresserons dans un premier temps, aux liens qui peuvent être tissés entre la notion de simulacre chez Baudrillard et la trajectoire de l’oeuvre, son déploiement dans le temps. Puis, dans un second temps, nous nous prêterons au même exercice par rapport à la composition des matériaux ainsi qu’à leurs sources et aux filiations dans lesquelles ils s’inscrivent.

Les orchestres professionnels sont devenus des boucs émissaires dans les critiques postcoloniales de l’iniquité dans l’écosystème artistique canadien. L’orchestre, plus que toute autre structure de musique classique occidentale, garde le sens de la domination eurocentrique continue de la forme (y compris du comportement) et le coût fiscal corollaire nécessaire à son maintien. D’un point de vue perceptif, la forme et le coût des orchestres – lorsqu’ils sont comparés à des structures non occidentales – existent aux dépens d’autres pratiques musicales, une situation problématique compte tenu de la démographie ethnoculturelle canadienne actuelle. Dans cet article, l’auteure revient sur le rapport d’équité 2019 qu’elle a coécrit pour Orchestres Canada. Elle utilise l’autoréflexion pour se situer en tant que bénéficiaire du système orchestral, en tant que Canadienne racialisée et en tant que critique culturelle. Elle s’appuie ensuite sur cette multivalence pour analyser les questions sociales et éthiques qui préoccupent actuellement les orchestres canadiens, soit la résurgence autochtone et la prise en compte des colons, les différentes relations avec la colonialité et la problématique de la valeur culturelle dans le cadre du multiculturalisme légal et de la démocratie libérale.

Aleppo is a concerto for the sanxian and Chinese orchestra, by Singaporean composer Wang Chenwei. The work uses Chinese instruments but is written with modes and metrical concepts borrowed from Arabic music and programmatic content based on Aleppo and the Syrian war. While the timbre of the instruments is distinctly Chinese, the composer combines these instruments masterfully and draws on various orchestration techniques to create sounds that evoke the Middle East and the Arabic world such that one almost forgets that none of the instruments are actually Arabic instruments. In a close reading of this piece, combined with spectral analyses of a recording, I endeavour to illustrate how the composer creates the illusion of Arabic music through skillful selection and masterful orchestration techniques.

Cris Derksen est violoncelliste, vocaliste, créatrice de rythmes et compositrice, travaillant à la croisée des genres et en opposition à leurs limites. Cet essai examine son premier grand projet orchestral, Orchestral Powwow (2015), ainsi que son plus récent, Controlled Burn (2023). Ces deux oeuvres orchestrales éclairent les identités créatives et culturelles de Derksen en tant que violoncelliste autochtone formée à la musique classique, avec une longue expérience de l’improvisation, du looping et de la collaboration. Elles reflètent également trois qualités fondamentales de ses identités et de son approche compositionnelle : l’adaptation, la flexibilité et la transformation. Ces qualités ne se contentent pas d’éclairer l’écriture orchestrale de Derksen au cours de la dernière décennie : elles rappellent également des vérités cruciales sur l’autochtoneité en général. Comme l’expliquent Deloria (2004) et d’autres, notamment Senungetuk (2019), l’adaptation, la flexibilité et la transformation sont au coeur des visions du monde et des traditions autochtones. Ces deux oeuvres de Derksen démontrent la puissance des territoires sonores souverains autochtones et offrent aux auditeurs non autochtones une invitation à écouter, apprendre et agir en solidarité anticoloniale.

La domination est le plus souvent comprise du point de vue du dominant plutôt que de celui du dominé . Le système occidental eurocentrique et sa narratocratie, à partir desquels la composition contemporaine a évolué, nécessitent un changement significatif. Ce basculement vers la décolonisation est essentiel si l’on veut favoriser une vision du monde plus inclusive et transformer la narratocratie existante. La transformation des institutions exige un virage profond vers la décolonisation et l’indigénisation. Cette réorientation, soutenue par une nouvelle vision du monde, est cruciale dans la promotion de l’inclusivité et l’opposition de la narratocratie actuelle. Les pratiques artistiques, y compris les compositions contemporaines, sont enracinées dans les traditions et normes du passé. Cela peut se justifier en ce qui concerne les méthodes et pratiques, mais ne peut s’appliquer aux traditions socioculturelles et aux préoccupations actuelles visant à contrer les biais culturels dominants, comme la décolonisation. Le Conseil consultatif autochtone (CAA) du Centre de musique canadienne est une organisation qui cherche à réconcilier les oeuvres ignorant les protocoles autochtones et portant préjudice aux peuples par des représentations erronées. Par ces actions, le CAA vise à offrir des perspectives sur des méthodes décolonisées pour engager les cultures autochtones de manière respectueuse et réciproque. Les traditions musicales occidentales, fondées sur l’exploitation des chants populaires pour l’expression créative, ont permis à des compositeurs tels que Léo-Pol Morin, John Jacob Weinzweig, et Edward MacDowell, entre autres, de s’approprier et d’utiliser des chants autochtones sans se soucier des effets sur les peuples autochtones et leur culture. Les enregistrements ethnographiques et l’absence de collaboration avec les autochtones lorsqu’il est question de leur culture et leur musique illustrent ces pratiques extractives historiques. Ces méthodes persistent encore aujourd’hui, augmentant un catalogue de compositions basées sur des thèmes autochtones qui continuent de causer du tort aux peuples autochtones. En tant que compositeurs, nous pouvons représenter le changement par des actions menées indépendamment des institutions. Accepter les points de vue exprimés par les peuples autochtones dans la société contemporaine offre un moyen de renoncer au contrôle systémique sur l’expression artistique en musique. Les moyens d’y parvenir reposent largement sur l’adoption de méthodologies cycliques basées sur les modes de connaissance et de pratique autochtones. L’inspiration ne doit plus être tirée de la musique autochtone elle-même, mais d’une compréhension de la coexistence et de l’harmonie avec les peuples autochtones.