Reseña del libro El armario de los filósofos, Ángel Octavio Álvarez Solís

En un contexto en que los vínculos entre literatura y política están sometidos a un proceso de actualización gracias a movimientos sociales como la lucha feminista y las figuraciones de la monstruosidad pueblan la narrativa escrita por mujeres como formas de resistencia a los órdenes patriarcales y capitalistas, este trabajo aborda la construcción de las corporalidades abyectas en su convergencia con la figura del monstruo para dar cuenta de una tendencia en las narrativas argentinas del siglo xxi. A partir de «Las cosas que perdimos en el fuego» de Mariana Enriquez y Romance de la Negra Rubia de Gabriela Cabezón Cámara, se abordan las corporalidades signadas por la repugnancia y la desfiguración como tácticas somatopolíticas que actualizan las revueltas de los «cuerpos extraordinarios». Como parte de un proyecto que amplía este corpus literario, este trabajo da cuenta de las formas en que los cuerpos feminizados reivindican la abyección como modos de devenir-otro que no solo ejercen resistencia, sino que configuran nuevas corporalidades que subvierten las nociones de feminidad y el concepto de «mujer» como categoría política, inaugurando las poéticas de la abyección en la narrativa latinoamericana del siglo xxi escrita por mujeres.

Este artículo analiza la película argentina Las mil y una (2020) de Clarisa Navas desde la fenomenología queer de Sara Ahmed y la teoría cinematográfica fenomenológica, una corriente crítica que ha marcado el giro corporal en los estudios cinematográficos. A partir de estas teorías, se lee la desorientación de los personajes queer de la película como una manera alternativa de habitar el espacio, una manera «oblicua» y «desorientada» que no se adecua a un espacio que está preparado para la gente «recta». El artículo introduce el concepto de «propiocepción queer» para analizar el deambular de los cuerpos disidentes de esta película, que no logran alinearse con una posición horizontal ni con una vertical, así como la manera en la que esta desviación de la normatividad se transmite sensorial y corporalmente a les espectadores. Finalmente, se argumenta que esta película, aunque a ratos parece pertenecer a una u otra de las tendencias que Gonzalo Aguilar encontró en el Nuevo Cine Argentino, la sedentaria y la nómada, acaba por no alinearse con ninguna. De esta manera, Las mil y una expresa corporalmente una manera oblicua de estar en el mundo, que la audiencia encarna propioceptivamente en su propio cuerpo.

Este texto aborda la crisis hídrica en el pueblo wayuu en La Guajira, una problemática que ha influido en las formas de narrar, especialmente en la obra de la escritora Vicenta María Siosi Pino. El enfoque del texto es exploratorio y analítico, y utiliza diversos registros discursivos para entender la configuración del binomio antagónico/complementario de abundancia y carencia. El análisis revela que la escasez de agua ha afectado no solo a los aspectos tangibles de la vida wayuu, sino también a sus competencias simbólicas y narrativas, donde la obra de Siosi Pino destaca como un archivo de la colonialidad que documenta y critica la injusticia hídrica. El texto concluye que el binomio de abundancia y carencia de agua ha sido un tema recurrente en las narrativas wayuu, lo que refleja las tensiones y conflictos de poder históricos y contemporáneos, donde la obra de Siosi Pino no solo preserva la memoria cultural de su pueblo, sino que también actúa como una herramienta de resistencia y lucha por la justicia hídrica.

La unión de los monstruos y lo vegetal en el género fantástico ha sido una forma de trasladar la presencia de lo primitivo, lo antiguo y lo siniestro. Desde la mandrágora hasta los trífidos, la representación de las plantas como figuras monstruosas ha resultado un reflejo de los sentimientos más negativos del ser humano y de la falacia que supone la sensación de control o poder sobre la naturaleza. En esta línea, el objetivo de este artículo ha sido examinar cómo John Wyndham representó la monstruosidad vegetal en El día de los trífidos. Para tal fin se ha empleado un análisis de contenido de carácter descriptivo y explicativo, enmarcado dentro del diseño cualitativo con la técnica del análisis correlacional de corpus intertextual que examina paralelismos dentro de narrativas culturales. Los resultados muestran que la monstruosidad vegetal suele ser representada como el horror, misterio e insumisión de la naturaleza, cuyos intentos de control, por parte del ser humano, está destinado a salir mal. En definitiva, se trata de un análisis de caso y de un estudio teórico que pretende relacionar la vanidad humana con los desastres ecológicos a través de la literatura y el cine.

Esta investigación estudia las percepciones e innovaciones del Museo de Arte en Japón en el siglo xxi, a partir del sujeto que se sitúa dentro del régimen museal. Desde la consideración del Museo como un fenómeno global y transfronterizo, pero, simultáneamente, desprovisto de una definición unívoca, este trabajo aborda las reglas de formación del Museo de Arte occidental, respecto al sujeto que lo experiencia, y lo contrasta con el caso japonés. La tesis que se plantea es que hay una transformación, al menos inicial, desde la experiencia de la obra como espécimen hacia las lógicas del open-air. Se utilizan tres instrumentales metodológicos: a) arqueo bibliográfico en la Kyōtogeidai y el Museo de Kyōto; b) aplicación de encuesta en línea estructurada con 10 preguntas de opción múltiple para 28 estudiantes de Arte de la Kyōtogeidai; y c) entrevista semiflexible al curador del área de Arqueología del Museo de Kyōto. Este artículo se inscribe en el ámbito de los Estudios del Museo, la Teoría del Arte y la Transculturalidad.

El artículo realiza un análisis de la película Cerdita de Carlota Pereda desde el campo interdisciplinario de los estudios gordos (Fat Studies). A través de una lectura detallada, se explora el contenido estético-ideológico de la película como un artefacto que construye un discurso específico sobre la gordura dentro de nuestro contexto social y mediático contemporáneo. Esta lectura se presenta a través de cuatro ejes analíticos: la animalización grotesca del cuerpo gordo, el control y la violencia dirigidos al cuerpo gordo dentro del entorno familiar y social, el deseo gordo patologizado y la transformación emocional de la protagonista. El objetivo principal es problematizar y cuestionar la representación de la gordura en la película, ya que ha sido mediada como un producto cultural contra el estigma del peso. Sin embargo, desde un enfoque crítico antigordofóbico, antiespecista, transfeminista y decolonial, es necesario interrogarse si la película puede considerarse antigordofóbica. Es decir, si no solo retrata los estereotipos de la gordura presentes en el imaginario colectivo, sino también si tiene la capacidad de deconstruir la narrativa dominante, generar nuevos afectos políticos y crear puntos de fuga.

Teniendo como guía dos propuestas estético-artísticas: el video «Los ojos no quieren estar siempre cerrados» del español Marcelo Expósito y el retrato de María Parado de Bellido, elaborado por Venuca Evanán para la exposición «Emancipadas y emancipadoras», y a partir del marco teórico-crítico de Benjamin y Derrida, llevamos a cabo diversas consideraciones sobre el archivo y la memoria. Sostenemos que los archivos del Estado nación se sustentan en el antagonismo y la exclusión de las alteridades, lo que establece una relación directa con las visualidades acordes con los discursos oficiales. En virtud de lo anterior, el trabajo crítico de la memoria resulta indispensable como medio para irrumpir el silencio y la borradura de los archivos estatales. En un primer momento nos aproximamos a la figura de Santiago apóstol, patrono de la hispanidad y, siguiendo a Expósito, elemento fundante del archivo español, en su figuración de mata-moros y mata-indios. Posteriormente abordamos el caso de la independentista peruana María Parado de Bellido a través del retrato de Evanán, con la intención de mostrar cómo un recurso crítico sobre el archivo hace patente el racismo implícito en los Estados nación latinoamericanos.

El presente artículo examina el concepto de puesta en escena como categoría central de las prácticas escénicas de la modernidad. Para ello se reconstruye un panorama histórico de transformaciones en los ámbitos del hacer (performatividad), el pensar (saber) y el ser (subjetividades) para comprender el modo en que se configura un entramado de formas de producción de relaciones sociales que desemboca en el dispositivo moderno de puesta en escena. Como se destaca en la exposición, esta revisión histórica propone, a su vez, un diálogo situado con las formas en que se constituye la modernidad, vinculando el surgimiento de la puesta en escena con otros dispositivos modernos como los zoológicos humanos, una definición actualizada de la noción de performatividad a partir de las transformaciones del trabajo moderno y una perspectiva decolonial que permite superar algunas categorías del canon estético que se han impuesto hasta ahora en el debate académico.

Reseña del libro Cuerpos fuera de sí. Figuras de la inclinación en las artes vivas y las protestas sociales, de Victoria Pérez Royo