A partir de un trabajo etnográfico realizado con un grupo de danza de la pluma, práctica dancística y religiosa de los zapotecos y mixtecos de los Valles Centrales de Oaxaca, presentamos algunas reflexiones sobre la experiencia corporal en el contexto de la vivencia de lo sagrado a través del ritual por mediación de la danza. Analizamos los procesos históricos de pervivencia y rescate de la danza de la pluma y las estrategias de enseñanza-aprendizaje, sobre la base de una pedagogía en el símbolo, que generan los danzantes para darle forma-movimiento a su compromiso religioso, colectivo y comunitario, mediante la danza como proceso de simbolización en la ritualidad festiva de un pueblo zapoteco.

En el presente artículo se analizan los textos Biografía y Mórbida de la autora ecuatoriana María Fernanda Ampuero, a partir del concepto de descontento realista de la académica Alejandra Amatto para profundizar en la transgresión temática y estructural que los caracteriza. En ambos textos es evidente que la deformación del cuerpo femenino y el cuerpo de la narrativa lleva implícita una crítica hacia las convenciones sociales, la política de la época y los estándares de belleza. Por lo tanto, dividimos nuestro análisis literario en dos partes: la primera, que pone al cuerpo de la mujer como receptor del horror social provocado por la inmigración en Biografía; y la segunda, en la que la protagonista de Mórbida percibe su cuerpo horroroso como consecuencia de la devastación íntima.

La construcción de la memoria del conflicto armado en Colombia ha estado atravesada por la necesidad de conocer la verdad de los hechos acontecidos durante más de cinco décadas. El arte ha jugado un papel primordial en esta tarea colectiva de reconstrucción, pues se ha convertido, para muchos, en espacio privilegiado de testimonio y resiliencia frente a las atrocidades de la guerra. ¿Qué hacer, entonces, cuando la imagen no se piensa como un espacio de aparición de la verdad, sino como un espacio de ficcionamiento que no busca una correspondencia con la realidad? ¿Qué hacer con las mentiras y con las versiones no coherentes sobre la violencia en este proceso de memoria? ¿Cómo pueden pensarse otros modos de construcción de la memoria, más allá de la verdad, desde la imagen y las prácticas de creación? El presente artículo intenta desarrollar estos interrogantes, a partir de la película Malo pa’ pintar muñecos del artista colombiano Juan Manuel Echavarría.

El artículo analiza las prácticas artísticas que acompañaron las protestas sociales durante el estallido sociocultural de 2021 en Colombia, comprendidas como acontecimientos de acuerpamiento y elaboración de memoria frente a la violencia estatal. A partir del estudio de dos intervenciones artísticas —La marcha de las 6.402 y el mural de los desaparecidos— se examina cómo el arte performativo y visual elaboró los cuerpos ausentes y transformó cifras y memorias silenciadas en presencias colectivas. El enfoque metodológico combinó observación participante, análisis cualitativo de registros visuales y revisión de fuentes documentales, lo que permitió identificar la centralidad del cuerpo como soporte de la protesta y como blanco de la represión policial. El artículo sostiene que, en un contexto de violencia letal ejercida principalmente sobre jóvenes empobrecidos, estas prácticas artísticas configuraron dispositivos de duelo social y de resignificación política de la ausencia. Al corporeizar las cifras y visibilizar las víctimas, el artivismo operó como una estrategia estética y política que desafió las narrativas oficiales, disputó el espacio público y contribuyó a la construcción de una memoria colectiva. En suma, se plantea que el arte en el estallido fue práctica política transformadora que rehumanizó cuerpos desvalorizados y produjo experiencias compartidas de resistencia y duelo.

El artículo examina cómo jóvenes institucionalizados elaboran su subjetividad a través de dibujos producidos en un taller lúdico, entendido como dispositivo expresivo y metodológico. A partir de trayectorias atravesadas por abandono, violencia y discontinuidad afectiva, los dibujos operan como narrativas visuales que condensan emociones, memorias corporales y representaciones sociales del yo. Las imágenes revelan identidades fragmentadas, corporalidades vulneradas y la violencia como forma aprendida de agencia. El estudio demuestra que el dibujo permite acceder a dimensiones subjetivas que difícilmente se pueden decir con palabras y subraya la necesidad de prácticas institucionales que reconozcan la complejidad afectiva y simbólica de estos adolescentes.

El presente texto es el resultado parcial de una investigación situada sobre los aprendizajes obtenidos con un grupo de mujeres del Centro de Reinserción Social de Mexicali Baja California, México, con quienes trabajamos de manera colaborativa, multidisciplinaria y horizontal por medio de Prácticas Artístico Pedagógicas (pap), a través del proyecto Ave Fénix del 2022 al 2024. Para nosotrxs, pap es la manera en que entendemos el arte y la pedagogía, no como procesos separados, sino como forma fusionada de hacer, transformar realidades y realizar investigación. Durante este periodo, desarrollamos diversas prácticas que exploraron la idea del cuerpo, los afectos y el territorio mediante el dibujo, el performance, la pintura en diversas dimensiones, la escritura y otros medios. Al finalizar nuestro tiempo de trabajo, diseñamos una pieza textil colectiva de gran formato que se conformó por pequeños estandartes que mostraron en texto y símbolos los aprendizajes que las mujeres consideraron significativos. Este estandarte-textil colectivo nos habla de una serie de conocimientos en torno al arte, los aprendizajes en relación con los valores desarrollados durante nuestras prácticas y la conformación de una suerte de refugio colectivo para la sanación. De manera colectiva, construimos un nosotras que agrietó el territorio carcelario para resistir la maquinaria de control y opresión.

El presente artículo reflexiona sobre un proceso de investigación creación en el que se entrecruzan las construcciones de género, los usos y significados asociados al delantal de trabajo femenino. El objetivo de este artículo es revisar las implicaciones estéticas y simbólicas que conlleva el uso de esta pieza de carácter utilitario y funcional en el ámbito femenino a partir del estudio de imágenes históricas de archivo que transcurren desde sus inicios, provenientes de un ámbito rural o doméstico, a procesos históricos que lo llevaron a ser parte de la indumentaria de trabajo o uniforme. Por ejemplo, se observa la influencia que tuvo la Primera Guerra Mundial (1914), en el tránsito de las mujeres del espacio del hogar a su ingreso en el espacio social y laboral. A la par, el artículo revisa las modificaciones que se desarrollaron en la era industrial que impactaron en la funcionalidad del delantal y dieron inicio al cuerpo funcional. En el desarrollo de la obra Mantile, se abordan algunos de los imaginarios femeninos encontrados lo largo de esta búsqueda e implícitos en el uso del delantal a partir del entretejido entre imágenes de archivo y de relatos familiares, por medio de esculturas textiles hechas con materiales simbólicos que han moldeado e influenciado a esta pieza de indumentaria.

El presente trabajo se sitúa desde las diversas notaciones musicales que han surgido, desde mediados del siglo XX, enfocándose especialmente en la partitura textual. En el caso de este proyecto de investigación - creación se toma la acotación teatral para la composición de la obra P.D.J.D. II, la cual se presenta como el resultado de la experimentación. Este trabajo pretende ser un ejemplo interdisciplinar de partitura musical, que usa una herramienta de la dramaturgia para detallar las acciones sonoras y las apuestas escénicas de una obra.

El debate alrededor de la imagen con respecto a la violencia es de gran interés para la política, el periodismo, la historia y el arte en Colombia. En este artículo se revisa la imagen de la violencia partiendo del carácter inimaginable e irrepresentable del evento violento, en búsqueda de alternativas para hacer imágenes alrededor del conflicto armado colombiano que contribuyan a la reconstrucción de la memoria y la comprensión del conflicto. Se hace una revisión de las imágenes producidas y reproducidas alrededor del conflicto interno, y del régimen de imagen predominante en Colombia, valiéndose de autores como Deleuze, Guattari y Didi-Huberman, y se plantean las problemáticas de este régimen particular teniendo en cuenta a autores nacionales como Amada Pérez, Martha Herrera y Vladimir Olaya. Con el fin de encontrar alternativas particulares para hacer imágenes de la violencia fuera del régimen de imagen, se analizan dos fotografías de Jesús Abad Colorado desde Susan Sontag y la postura anti-reportaje propuesta por Juan Carlos Arias y Sergio Roncallo, y dos obras de Clemencia Echeverri desde Wajcman, Heidegger, Nancy y la teoría de los afectos de Rubén Yepes. Finalmente se toma la propuesta filosófica de la espera de Žižek y se aplica a la producción de imágenes de la violencia como una actitud que permita pensar la violencia y la imagen, con el fin de generar una ecología de la imagen que ayude a comprender lo inimaginable del conflicto colombiano.

David Throsby es, sin duda, el economista contemporáneo más reconocido en el campo de la economía cultural. Sus contribuciones científicas acerca de cómo entender el mundo cultural en su interrelación con la ciencia económica, lo hacen merecedor de admiración y de respeto. En este artículo se interpreta el pensamiento de David Throsby con respecto a dos cuestiones fundamentales: el valor cultural y el valor económico. De hecho, el valor cultural rebasa los límites del valor económico sin perder de vista que ambos constituyen un sistema dual de valor. David Throsby sostiene que el valor económico fundamentado en el precio de mercado en la mayoría de los casos no logra captar la dimensión real del valor cultural. Si valor y precio no significan lo mismo, y lo deseable es que el valor cultural sea superior al precio de mercado, entonces el reto de la economía cultural es, pues, motivar en la conducta del consumidor cultural su disposición a pagar un precio por encima del valor cultural con miras a producir un resultado económico favorable. El valor cultural encierra distintos tipos de valores, a saber: estético, espiritual, social, histórico, simbólico, de autenticidad; inclusive, el valor emotivo que desborda la lógica de la racionalidad funcional. Como el propósito de la economía cultural es entender los fenómenos culturales desde un enfoque económico, es necesario avanzar en la producción de conocimiento acerca de cómo se forman las preferencias culturales, para luego, enfocar los esfuerzos a desarrollar los correspondientes satisfactores.