Me desplazo y pienso como un arquitecto dentro del mundo del arte. Entrevista al arquitecto y artista Alfredo Jaar

Este material se enmarca dentro del proyecto "Investigación sobre el desarrollo de la cultura de paz a través de las artes escénicas en Colombia, el trabajo de la ASOCIACIÓN ASOVEG-CINJUDESCO y su aplicación en el contexto de la Educación para el Desarrollo en España", desarrollado por la Asociación Tierra Sin Males y financiado a través de la Convocatoria de Subvenciones para Proyectos de Educación Transformadora para la Ciudadanía Global en el territorio de Castilla y León 2023, impulsada por la Consejería de la Presidencia de la Junta de Castilla y León. Esta iniciativa tiene como objetivo principal analizar y adaptar metodologías artísticas para la construcción de paz y el fortalecimiento de habilidades para la vida en contextos vulnerables, promoviendo la educación para el desarrollo como una herramienta de transformación social. El arte tiene el poder de convertir la vulnerabilidad en fortaleza, la exclusión en pertenencia y el sufrimiento en resiliencia. ArteSanos es más que una metodología; es un camino para la transformación social a través del arte. Inspirado en experiencias comunitarias y prácticas educativas innovadoras, este manual ofrece herramientas para construir espacios de expresión, diálogo y empoderamiento en contextos de alta vulnerabilidad. Desde los murales del movimiento mexicano hasta la fuerza del grafiti y el rap en las calles, el arte ha sido un medio de resistencia y reivindicación. En este libro, se presentan estrategias basadas en la creatividad y la participación comunitaria para fortalecer la identidad, fomentar la cultura de paz y desarrollar habilidades para la vida. Dirigido a educadores, gestores culturales, profesionales del tercer sector y comunidades comprometidas con el cambio, ArteSanos proporciona una guía integral que combina teoría, práctica y evaluación. A través de la metodología ACAPA (Acoger, Conocer, Aprehender, Planear, Accionar), se demuestra cómo el arte puede convertirse en un motor de transformación social. Un libro esencial para quienes creen en el poder del arte como herramienta de justicia, resistencia y construcción de futuros posibles. Seamos "ArteSanos" de este mundo utópico y posible, la Tierra Sin Males! TIERRA SIN MALES Tierra Sin Males es una organización comprometida con la educación transformadora, la justicia social y la construcción de paz a través del arte y la cultura. Inspirada en la búsqueda ancestral de un mundo sin violencia ni desigualdad, trabaja en comunidades vulnerables para fortalecer la identidad, la memoria colectiva y el empoderamiento a través de metodologías innovadoras. Desde hace más de 25 años, desarrolla proyectos que integran arte, educación y acción social, promoviendo espacios de resistencia y transformación donde cada persona es protagonista de su propio cambio. Con una visión de erradicar la pobreza y sus causas, Tierra Sin Males impulsa un desarrollo humano sostenible basado en la justicia, la igualdad y los derechos humanos. A través de la interculturalidad y el empoderamiento fomenta estructuras de comunicación norte-sur y facilita la integración activa de las personas y comunidades más vulnerables. En este libro, ArteSanos, Tierra Sin Males reafirma su misión, ofreciendo herramientas para que educadores gestores culturales y comunidades utilicen el arte como motor de cambio social. Un enfoque que trasciende la enseñanza tradicional y se convierte en un camino hacia la transformación colectiva, la participación activa y la construcción de un futuro más justo, creativo y lleno de posibilidades.

La creación artística se entrelaza con conceptos como el corte, el vacío y la luz que finalmente se cristalizan en la memoria como concepto de resistencia frente al paso del tiempo, enfatizando la importancia de la memoria como sustancia artística. El presente trabajo, desarrollado a partir de una metodología cualitativa, tiene por objeto explorar la integración, comprensión y proyección hacia el futuro de la obra arquitectónica a través de la memoria, en su afán por difumimar las fronteras con el arte. Así, arquitectos como Sverre Fehn, Peter Zumthor o Bernard Tschumi han explorado la confrontación entre la idea, las preexistencias y su funcionalidad, destacando la necesidad de un concepto transversal en la arquitectura no como aceptación del pasado, sino como yuxtaposición que pone en valor la memoria. El análisis realizado resalta esa necesidad creativa utilizada en el arte y la arquitectura, donde corte, vacío y luz se vinculan en un eco emocional a la memoria como concepto de resistencia frente al paso del tiempo, revelando una búsqueda continua de identidad y reconciliación, proyectando la obra hacia el futuro mientras preserva su pasado en nuestra memoria. Palabras clave: Memoria; tiempo; lugar; espacio; luz.

En este trabajo intentaremos demostrar que “El origen de la obra de arte” se encuentra dialogando implícitamente con la filosofía del arte hegeliana. Concretamente intentaremos mostrar que este debate con el filósofo del siglo XIX se da en dos frentes: la tesis del fin del arte y la relación entre el arte y la historia. De aquí se desprenden dos objetivos: 1. En primer lugar, analizaremos la discusión entre los intérpretes sobre si para Heidegger el arte ha llegado o no a su fin e intentaremos atisbar una respuesta propia. 2. En segundo lugar, intentaremos mostrar las influencias hegelianas en un tema no del todo explicitado en el ensayo sobre el arte: la historia del ser (die Seinsgeschichte).

El 58% del personal investigador en España desarrolla actividades artísticas, las cuales son frecuentemente utilizadas para transferir y divulgar su labor científica, obtener ideas para futura investigación o generar ingresos para sus organizaciones. Sin embargo, a pesar de la relevancia de estas actividades, carecemos de políticas o medidas específicas al respecto. Esta nota presenta motivaciones y propuestas exploratorias para abordar esta realidad, concebidas por un grupo de personas expertas en arte, transferencia de conocimiento, comunicación científica, políticas e igualdad en ciencia, tecnología e innovación. A pesar del impacto del arte en la ciencia, la tecnología y la innovación, se mantiene una división entre las actividades artísticas y científicas. En muchos contextos, la práctica artística es considerada poco valiosa e incluso inapropiada. No obstante, para el personal investigador, las actividades artísticas y científicas son parte integral de su identidad y de su enfoque sobre la contribución de la ciencia. Además, se observa una concentración de la producción artística y su uso entre la élite investigadora y el personal masculino, lo que plantea una necesaria discusión sobre las barreras que impiden su desarrollo. El arte podría ser un poderoso instrumento para la cocreación y el intercambio de conocimiento entre comunidades científicas, empresariales y sociales, generando un modelo de transferencia con un impacto más significativo que el actual. Asimismo, el arte puede contribuir a transmitir una "cultura universitaria", una "cultura científica" y una "sostenibilidad cultural", que son formas de entender e integrar el conocimiento mediante la creación de redes y alianzas sociales, y la promoción de valores y culturas innovadoras y participativas. El documento destaca elementos clave para integrar y valorar el arte del personal investigador en futuras políticas de ciencia, tecnología e innovación, fomentando la reflexión sobre los roles del personal investigador, la dinámica temporal de los impactos, la prevención de sesgos de género, las expectativas de rendimiento y otros aspectos relevantes. Además, es fundamental continuar investigando, ya que apenas comenzamos a comprender el fenómeno y quedan importantes preguntas por responder: ¿Por qué la mayoría del personal investigador dedica tiempo al arte? ¿Qué otros impactos permanecen invisibles?

No cabe duda que la doctrina de Carnelutti ha sido base para la construcción de un nuevo sistema procesal.Sin embargo, existe parte de su vasta obra que la dedica a repensar filosóficamente el devenir del derecho y la realidad, analiza la dimensión moral y filosófica del Derecho, valiéndose de la metáfora y de su relación con el arte, aunado quizás por el tiempo de guerra que le tocó vivir tan cercanamente.A la obra que me refiero es la presente: El arte del derecho, donde se pregunta los elementos básicos del mundo jurídico: ¿QUÉ ES EL DERECHO? ¿QUÉ ES LA LEY? ¿QUÉ ES EL HECHO? ¿QUÉ ES EL JUICIO? ¿QUÉ ES LA SANCIÓN? ¿QUÉ ES EL DEBER?Como se puede apreciar, no son preguntas sencillas de responder, aún para el más versado de nuestros juristas en la actualidad, pero sí necesarias, ya que la noción correcta de dichos términos puede mejorar tu percepción respecto a la resolución de conflictos o de lo contrario, generarlos.De ahí que radica la importancia y vigencia de esta obra, en la cual a través del pensamiento de Carnelutti, se podrá entrar a la meditación filosófica sobre los temas fundamentales del derecho y poder apreciar una idea idónea que coadyuvará a formarte tu propia concepción, bajo una noción humanista y se podría decir poética.

La diferenciación entre las artesanías en las que se inserta la tradición "étnica" marroquí, y el arte, atribuido a Europa, como significados de lo exótico de un lado y lo moderno de otro, quedaron rotos con la irrupción de la pintura de caballete en Marruecos por parte de los colonizadores, y por ende del orientalismo. El proyecto de modernidad, retomado por el Majcen tras la muerte de Hassan II, que había apostado sobre todo por la modernización rural, ha puesto de actualidad la importancia del arte contemporáneo como proyecto antropológico con claras dimensiones políticas. En el año 2014 la celebración de importantes exposiciones en París, y la apertura del Museo de Arte Contemporáneo de Rabat han dado fuerza a esta hipótesis.

Este estudio introduce un método de investigación para la educación artística contemporánea, combinando procesos a/r/tográficos con las ideas del pensador francés Antonin Artaud, el Teatro Físico de Jacques Lecoq y la teoría decolonial. El objetivo es capacitar a futuros docentes para apreciar y enseñar el arte desde un enfoque holístico y decolonial, explorando el arte abstracto francófono en África. Se seleccionaron obras abstractas de artistas africanos francófonos y se diseñó una intervención donde los estudiantes crearon composiciones por medio del cuerpo que interpretaban colores, formas y emociones mediante un lenguaje gestual. Los resultados indicaron una conexión más profunda con el arte abstracto y ampliaron la perspectiva del canon artístico tradicional, promoviendo una educación artística inclusiva y diversa. La aproximación corporal adoptada demostró ser efectiva en superar las barreras tradicionales en la apreciación del arte abstracto, facilitando una comprensión más intuitiva y emocional, beneficiosa para los estudiantes sin formación artística previa. Este estudio marca un paso importante hacia una educación artística más inclusiva, diversa y transformadora estrechando el vínculo entre naciones francófonas.

Desde hace aproximadamente dos décadas, el mundo rural está despertando un gran interés: este se ha convertido en tendencia que, también a raíz de los problemas de la despoblación y de la pandemia del covid, tiene cada vez más presencia. En España son innumerables en los últimos años las manifestaciones de este interés por lo rural, también patente en todos los ámbitos culturales, algo especialmente evidente en la literatura y el cine. El arte contemporáneo no es ajeno a este hecho y, por ello, se viene haciendo presente de distintas maneras en el mundo rural: apertura de museos de arte contemporáneo, creación de residencias artísticas, elección como lugar de residencia de determinados artistas, organización de festivales y jornadas; etc. El rural andaluz sería un buen ejemplo de los diferentes modos en que se canaliza la creciente relación del arte contemporáneo con los pueblos, como queda patente en determinadas prácticas artísticas, muchas de ellas pioneras en el ámbito nacional, a las que ninguna de las ocho provincias andaluzas son ajenas. En todos estos casos, el arte contemporáneo está jugando un papel importante a la hora de afirmar, transformar, redefinir o crear la identidad de un mundo rural cada vez más complejo.

: Este paper explora la influencia del arte contemporáneo en la educación ecuatoriana. En la introducción se discutela importancia del arte en la educación y se establece el propósito de la investigación. La revisión de literatura incluye unadiscusión de la educación artística en el Ecuador, la definición de arte contemporáneo y su papel en la educación, y una revisiónde la literatura existente sobre el tema. La metodología de búsqueda se describe en detalle, incluyendo los criterios de inclusióny exclusión utilizados para seleccionar los estudios revisados. Los resultados de la investigación sugieren que la inclusión delarte contemporáneo en la educación ha sido beneficiosa en muchos aspectos, incluyendo la promoción del pensamiento crítico,la creatividad y el abordaje de temas sociales y políticos en las escuelas. Además, se ha demostrado que el arte contemporáneopuede ser una herramienta eficaz para mejorar la educación artística en el país. La discusión aborda tanto los beneficios comolos desafíos de la inclusión del arte contemporáneo en la educación ecuatoriana, incluyendo la falta de recursos y capacitaciónadecuada para los docentes y la resistencia por parte de algunos docentes y administradores. Finalmente, las conclusionesdestacan la importancia de continuar fomentando la inclusión del arte contemporáneo en la educación ecuatoriana y de abordarlos desafíos identificados para garantizar una enseñanza efectiva y completa del arte contemporáneo en las escuelas. Se esperaque esta investigación sea útil para los educadores, los estudiantes y otros interesados en el campo del arte y la educación enel Ecuador, y que sirva como una base para futuras investigaciones en esta área

El modelo panóptico, ideado por Jeremy Bentham en 1791 y reinterpretado por Michel Foucault, describe un sistema de vigilancia en el que los individuos, al sentirse constantemente observados, internalizan la disciplina y regulan su propio comportamiento. En Cuba, este principio opera de manera particular: no existe una torre central visible (hablando en sentido metafórico), sino una red de vigilancia horizontal en la que el control se disfraza de participación comunitaria e igualdad social. A través de mecanismos de participación popular ideados e implementados por el propio sistema, se lleva a cabo un sistema de supervisión difusa donde el pueblo mismo se convierte en vigilante y vigilado. Esta «torre horizontal» genera autocensura y conformidad, consolidando un modelo de poder que se impone sin necesidad de una estructura arquitectónica centralizada. El arte, sin embargo, emerge como un espacio de resistencia ante este panóptico invisible. Artistas cubanos han utilizado diversas manifestaciones —pintura, performance, videoarte— para evidenciar y cuestionar estas dinámicas de control. La obra del crítico de arte Gerardo Mosquera resalta la importancia del arte como práctica delibertad y su capacidad para desafiar la censura. Este artículo analiza el arte cubano como un mecanismo de subversión frente a la vigilancia y el control social, explorando cómo la imagen y la creatividad pueden romper con la narrativa del poder einstaurar espacios de autonomía y cuestionamiento dentro de unasociedad controlada.

La poesía sonora es un fenómeno especialmente influyente en el desarrollo de las representaciones artísticas del siglo XX vinculadas a la exploración y re-representación de la sonoridad. Estas creaciones poéticas se han expandido notablemente, ampliando sus campos de representación desde la poesía sonora, el radio-arte, el arte sonoro interactivo o el arte sónico, entre otras nuevas manifestaciones integradas en el amplio campo del arte sonoro. La poesía sonora constituye un género del arte acústico o arte sonoro que habita la frontera intermedia entre la poesía y la música, movilizando numerosos órganos del lenguaje: la oralidad, la respiración, el cuerpo y todas las dimensiones sonoras del aparato fonador usado como materia para la creación artística. El presente trabajo establece cuáles fueron los supuestos que antecedieron a la configuración de esta disciplina, al mismo tiempo que presta atención a sus principales características y sus primeros pasos en el terreno español. El objetivo que se persigue es vincular cómo estas nuevas experiencias interartísticas encuentran un correlativo en los poemas-partituras del santanderino Gerardo Diego. Para ello se procederá al análisis interdisciplinar de cuatro poemas de su etapa ultraísta para adentrarnos en la plasmación del análisis del mundo sonoro en la poesía de este miembro del grupo poético del 27.

La pregunta por la potencia política del arte recorre los Siglos XX y XXI ¿ES político el arte? ¿Pueden las artes alterar nuestras condiciones de experiencia, articular una alternativa al imaginario capitalista, alentar el cambio social? A veces incrédula y a veces esperanzada, la obstinada pregunta por la política del arte supone siempre un desafío filosófico fascinarte: pensar cómo interviene el régimen estético de las artes en la transformación de los cimientos de la esfera pública. Este volumen recoge un conjunto de ensayos filosóficos que aspira a definir este desafío bajo el nombre de estética posfundacional. En la estela del pensamiento de Oliver Marchart, las autoras y autores aquí reunidos abordan cuestiones como anarquía, el disenso, la función curatorial o el activismo artístico para comprender la potencia revolucionaria del arte. En cuanto comprendemos que los fundamentos políticos de nuestras sociedades son históricos y materiales, la reflexión estética es clave para cuestionar la violencia que subyace a nuestros sistemas políticos e imaginar una alternativa. Todavía hoy el arte puede despertar conciencias y encarnar la vocación más poderosa que conocemos: el deseo de cambiarlo todo.

Son diversas las firmas de lujo que buscan involucrarse con el arte contemporáneo explorando formas de colaboración y mecenazgo. Uno de los medios más destacados para esta fusión es el pañuelo “carré” de seda, un formato versátil que ofrece al artista una libertad equiparable a la del lienzo.Este artículo examina la intersección entre la moda y el arte contemporáneo a través del prisma de la creación de pañuelos. Recopilando ediciones y exposiciones celebradas en torno a este accesorio en las últimas décadas, veremos las figuras creativas involucradas en el diseño; desde artistas legitimados, hasta diseñadores de moda y otros profesionales en disciplinas alternativas. Asimismo, recurriendo a estos ejemplos, examinaremos sus enfoques en la creación, ya sea desarrollando su universo artístico o, poniendo su inspiración al servicio de la marca.Por medio de estas asociaciones, subrayaremos la importancia de la creatividad y la innovación en estas intersecciones entre el arte, la moda y la cultura contemporánea.

El libro Sacralidad y transgresión en la literatura y el arte. Tomás Carrasquilla, Débora Arango, explora comparativamente los mecanismos artísticos de la sacralidad y de la transgresión y los condicionamientos histórico-sociales en la literatura y la pintura, esenciales para comprender la interrelación y complejidad de las manifestaciones estéticas nacionales, toda vez que en el contexto colombiano, la crítica literaria y la crítica del arte poseen desarrollos diferentes y hasta desiguales, en términos evolutivos, sin llegar a establecer un dialogo significativo entre dichos saberes y prácticas culturales. En los autores seleccionados, Tomás Carrasquilla y Débora Arango, llama la atención su profunda religiosidad que, sin embargo, no les impidió en ciertas obras tener una visión crítica de este tema tan álgido en el país en su época, aparejado en ambos con una actitud humorística, irónica y a veces hasta jocosamente paródica, frente a los contrasentidos de la vida de los feligreses, así como de los miembros de la institución eclesiástica.

En esta ponencia vamos a hablar de varias investigaciones del grupo Arte y Memoria que surgió en el Campus de Teruel de la Universidad de Zaragoza en el año 2009, por el interés de conservar la memoria, y, del arte como soporte de la memoria, y, como mecanismo de conservación del legado cultural (patrimonio), debido a que el arte, la memoria y el patrimonio van de la mano. Ya que, el arte es el lugar de la memoria y está construido con ella y el patrimonio es el testigo de la memoria. Lejos de presentar una única visión de un fenómeno tan complejo, se opta por dar cabida a distintas miradas y distintos enfoques. Por lo que, el desarrollo de nuestras investigaciones está basado en un enfoque multidisciplinar que pone de manifiesto la complejidad de las relaciones entre, las producciones artísticas, la memoria y el legado cultural, mostrando, de forma poliédrica, las múltiples propuestas teóricas que van acercando estos temas desde las distintas disciplinas que lo estudian. Por ser un fenómeno complejo, no se pretende dirigir el objeto mismo de la investigación hacia unas conclusiones cerradas, sino, más bien, de abrirnos a la complejidad que adopta este tema en sus múltiples dimensiones y combinaciones posibles con el arte contemporáneo y el legado cultural. El grupo está conformado por colaboradores de diferentes universidades [Universidad de Zaragoza, Universidad Complutense de Madrid, Universitè Stendal- Grenoble III (Francia), University at Albany State University of New York (SUNY), Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), Universidad de Ibague (Colombia), Accademia di Belle Arti diVenezia ]; por destacados/as profesionales de la comunidad aragonesa (arquitectos, ingenieros, artistas) por gestores culturales ( de Aragón, de Castilla y León , del Principado de Asturias y del Instituto Cervantes de Madrid).